Ilha do Medo (Shutter Island)

Dependendo do amor que poderá ter por Martin Scorsese, com a visualização de Shutter Island, você poderá tirar três conclusões bastantes diferentes. Se você pensa que o diretor nova-iorquino esta supervalorizado, com esse filme reafirmara sua posição. Se esta no grupo que pensa que a melhor época de Scorsese já passou, também será bom ver-la e assim relembrar aqueles tempos que ele rodava filmes como Taxi Driver ou Touro Indomável. Se ao contrario, você acredita que Scorsese é um craque capaz de converter em ouro tudo que toca, então você tem duas opções, pensar que até os maiores tem o direito de cagar uma vez ou aceitar a máxima que, os peidos de Scorsese cheiram a flores, coloca uma venda nos olhos e declama aos quatro ventos que Shutter Island é uma obra prima. Se vos, estas entre o ultimo, lamento dizer que o peido dele tem o mesmo cheiro que o resto dos mortais, as vezes pior.

Dizem que o cinema do nova-iorquino é essencialmente formal e que cada um de seus novos filmes é um experimento no qual a historia é tão importante como a forma de contar-la. No entanto, o que salva do artificial é sua paixão pelos personagens, tendo assumido, que sem eles não há bom cinema. Muito bem, como teoria me parece genial, o problema é que na prática ele patina. Scorsese reúne diversas imagens supostamente perturbadoras que não passam, no melhor dos casos, de desconcertantes, mas na direção errada. Vamos lá, o que se tem a impressão é que Scorsese se meteu a ser David Lynch e não saiu muito bem no experimento. Uma decepção total.

E a coisa não melhora se tentamos apreciar a historia e os atores. Estamos diante um folhetim de detetive em que dois agentes federais vêm a uma remota ilha na qual se encontra um hospital psiquiátrico para investigar o desaparecimento de uma assassina ali reclusa. Até ai tudo bem, mas como a coisa vai desde as formas inescrutáveis da mente humana, enquanto o protagonista é confrontado com o caso, também enfrenta seus demônios interiores. E isso justifica toda uma serie de aparições, alucinações e demais parafernálias oníricas freudianas em forma de imagens, que é bastante ridículo. Tudo isto sofre o protagonista do filme, um patético Leonardo di Caprio. Maldita seja a hora que Scorsese trocou De Niro por ele. Será que não tinha nada melhor no mercado? E o pior é que nem mesmo desentoa no conjunto, já que seus companheiros de elenco Mark Ruffalo, Michele Williams e Emily Mortimer, são ainda piores.

Bom, o filme é ruim, um martírio mental que salva por algumas boas criticas e que foi filmado por um prestigioso diretor. Ou porque parece inspirado na serie que acabou recentemente Lost em algumas abordagens ou situações. Embora, devo ser justo e reconhecer que, provavelmente, toda culpa não seja dele. Já me falaram que a novela de Dennis Lehane na qual o livro se baseia é meia boca. Isso sim, ninguém colocou uma pistola na cabeça dele e obrigou a adaptar esse livro. E isso, para alguém que pretende articular-se com os clássicos em sua condição que trabalha sempre com roteiros alheios, não é um pecado menor. Como um dos poucos privilegiados que estão em posição de dar ao luxo de fazer filmes como queira.

Ah! E se você leu por ai essas declarações nas quais Scorsese confessa referencias em sua obra que vai desde Spellbound de Hitchcock, Cat People e I Walked with a Zombie de Jacques Tourneur, alem do cinema expressionista alemão dos anos 1920 ou da literatura de Kafka, não lhe faça caso. Scorsese esta é ficando louco (somente assim poderia explicar a versão da genial trilogia Internal Affairs que se tornou o legalzinho The Departed que concorre a ser um grande clássico do Domingo Maior da Globo, e ele negar).

Por fim, como LaSalle disse: ‘ A lenda fica no caminho do artista, Scorsese deve parar de tentar fazer obras de arte e tentar fazer bons filmes’. É isso.

Splice

Muito se espera deste filme e ainda mais já que estamos conscientes de quem esta por trás, Natalie de um lado e Del Toro de outro, mas fica por ai: muito barulho por nada. O filme não é ruim, mas quando estamos assistindo sempre esperamos algo mais e nunca acontece e ai é que esta o erro, poderia ser mais transgressivo sem cair no grotesco (bestialidade?).

No entanto, a historia até diverte e ainda mais quando o espectador percebe que o filme já não da mais nada. Em alguns momentos o diretor de Cube e Cypher é brilhante e demonstra o que ele vale, mas claro, esses momentos são poucos, se bem que tenho que destacar alguns planos realmente espetaculares, mas a historia é plana e linear e não destaca nem o bem nem o mal.

Aconselhável somente pra quando não tem nada pra assistir.


Nota 5

Patrik 1.5 (Patrik, age 1.5)

Por um lado, eu aprecio a facilidade com que abordam a questão da adoção GLBT, que relativamente é bem aceita na sociedade sueca, apesar dos fanáticos que existem em todos lugares. Na verdade, o filme deixa claro que esse casal foi a ultima opção para a criança como se estivessem envolvidos em um leilão.

Sendo um filme mais cômico, que outra coisa, tem uma parte trágica importante, inclusive quase de denuncia homofóbica, mas que esta enfraquecida pela falta de profundidade com que aborda as questões importantes do filme: o casal gay, adoção por homossexuais, adoção de crianças com necessidades especiais, seus problemas específicos (que são muitos)...

O filme tem alguns pontos fracos, para poder criar a trama, que caem sobre seu próprio peso, não é crível que mandem um menino de 15 anos para um casal adotante, sem antes fazer uma prova de adaptação, ou mesmo que considerem que a adequação desse casal possa ser igual para uma criança de 15 meses como de 15 anos. Deste ponto de vista da adoção é um disparate.

O adolescente problemático é bastante turvo, e ele não é mais que uma caricatura do que poderia ser na realidade, se tivesse o currículo criminal, tal como proposto pelo roteiro, dificilmente poderia ter essa evolução, por alguns gestos de acolhimento e carinhos, numa pessoa com esse nível de desconfiança na vida e na sociedade. ‘Porque o amor nem sempre é suficiente. ’

Mas, é um filme fofo, redondo e que emociona às vezes, com um final feliz para agradar a todos. Se servir para jogar a semente da adoção GLBT, é uma opção não apenas legítima, se não, inclusive poder ser mais adequando para alguns meninos ou meninas, o filme ganha mais peso do que realmente tem. E que a moral, a ética e a capacidade de compromisso e de amor se encontram nas famílias que não tem e não pretendem usar a patente da normalidade ou da heterosexualidade.

Nota 7

Quebrando Tdo (Kick Ass)

Kick Ass é uma colorida revisão dos mitos do comic desde um prisma sarcástico e irônico. E ele faz acompanhar de A a Z todos os clichês dos filmes de super heróis, desde o pária social convertido em justiceiro mascarado, aos amores impossíveis, as nêmeses que surgem quase por geração espontânea. O resultado não só engole como chuta traseiros de superproduções maiores em seu próprio território.

Vaughn veste violência estilizada e sarcástica do show, apelando ao mesmo tempo tanto à cumplicidade dos fãs de comics como ao espectador alheio do mito de super herói. Kick Ass oferece maneiras diferentes para satisfazer todos os públicos, mas pede em troco que aceitem a violência divertida que faz gala de um filme protagonizado, definitivamente, por adolescentes que estão no colégio e enfrentam assassinos impiedosos a sangue frio.

O resultado é um filme mais exigente do que parece, mas que sabe recompensar o espectador que aceitas as regras com quantidade suficiente de espetáculo e diversão. Fornece bons personagens, não saturados com ruído desnecessário e tem um senso de diversão e ousadia grotesca, como ‘Kill Bill (com seu uso humorístico de violência selvagem), não é apto para todos. Sem falar que exala verdadeiro amor aos comics de super heróis, que respeita e ama com ardor incomum.

O filme suaviza e aporta certa delicadeza em alguns momentos mais cruéis do material original, mas é sempre em favor dos personagens. Precisamente neste ultimo aspecto destaca uma das melhores cenas do filme, aquela que Hit Girl entra as escuras no lugar onde estão sendo torturados os protagonistas, que culmina de forma dramática. Vaughn combina nesse momento violência hilariante e gore, drama e comédia de forma estranha e absolutamente emocionante, e logo depois disso prolonga o desfecho da historia acrescentando mais espetáculo e risos como fogos de artifícios.

Preste atenção à interpretação de Chloe Moretz, uma das pequenas protagonistas, e sua química com um Nicolas Cage que demonstra que sabe ficar em segundo plano. Mark Strong é um dos atores mais capacitados para exercer o papel de vilão dos últimos anos e Aaron Johnson não defrauda no papel mais importante de sua vida e também Christopher Mintz-Passe. Vaughn, Mesmo que não defina totalmente seus personagens e se envolva em seus sentimentos, esforça-se no bom caminho e cria situações emotivas e simpáticas que justificam a violência irônica e o conteúdo geek do filme.

Definitivamente, o filme não é adequado para paladares antigos.

Nota 10

A Ressaca (Hot tub time machine)

Este é um daqueles filmes que você não tem muito que dizer, especialmente porque eu duvido que valha a pena tentar estender umas linhas a mais em um filme cuja simplicidade não envolve mais mistério que o desfrute do disparate absurdo. Mas parecido com um grande show de comédia televisiva, esses 100 minutos de imagens são uma sucessão de idéias em vez de uma historia em sim, as idéias adornadas com muito humor negro e ácido, e em particularmente especial para a memória daqueles maravilhosos anos de 1980, especialmente para todos aqueles que tiveram alguma voz na década prodigiosa.

Sem dar muitas voltas poderíamos dizer que o filme é como o titulo original diz, tão estúpido como absurdo, e na que menos é a lógica do porque ou o sentido do como. Em suma, de uma simplicidade e leveza pateta que assusta, mas até aqui nenhuma objeção, pois, como em todas, já que da pra cobrir todo o bolo e é bem costurado, como brincadeira divertida não hesita em ignorar sua qualidade questionável como filme para elevar à categoria de filme com título fofo, algo assim dito de maneira pouco fina, um peido que gostamos de sentir o cheiro.

Deixando de lado a lógica interna do relato que não passa de uma brincadeira, e que brilha tanto por sua ausência que ao mesmo tempo nem sentimos falta, o filme apresenta uma variação da manjada viagem no tempo numa comedia sem responsabilidade de qualquer natureza, muito menos moral. Uma espécie de ‘De volta para o futuro’ pegajoso e ointentista para os acima de 30 anos. Uma historia simples, previsível e sem complicações que em nenhum momento tenta levar se levar a sério e ideal para ver em grupo, já que os protagonistas se entregam de corpo e alma e agüentam o escopo com carisma e alguns golpes.

‘Hot tub time machine’ é uma brincadeira em nome do humor, sem olhara para trás, e um pesado tributo aos 80, surpreendentemente emocionante, que não é necessariamente bem realizado ou inspirado, mas acima de tudo eficazes em convencer e que seguem os padrões visuais, narrativos e conceituais vigentes naquela época, tudo reforçado por uma excelente trilha sonora e até mesmo artistas da época, começando pelo próprio John Cusack, Crispin Glover e o mítico Chevy Chase.

O filme tira a essência da memória oitentista em pleno século 21 rematado por alguma ou outra piada escatológica, uma breve dose de reflexão amarga mas otimista sobre os amigos, o materialismo e a passagem do tempo e um escárnio para todos os amantes do cinema, no entanto, não podemos evitar um olhar doentio de cumplicidade em algum ou outro momento. Não recomendado para menores de 30 ou maiores de 40.

Nota 7

Orações para Bobby (Prayers 4 Bobby)

Orações para a humanidade.

Estamos diante um filme baseado em fatos reais, sobre o que aconteceu a um jovem chamado Bobby Griffith e sua família, nos anos oitenta no EUA. O filme deixara frio somente alguém de pedra. Nenhum ser humano minimamente sensível poderá distanciar-se da intensidade e profundidade do drama diante de nós. Tem um equilíbrio notável, mesmo quando se torna altamente emocional. Talvez, não alcança o desenvolvimento suficiente sólido do processo que o jovem protagonista chega. Mas isso não impede de entendermos, pelo menos em essência, a razão para o clímax trágico do filme.

A mãe de Bobby, interpretada pela sempre notável Sigourney Weaver, é uma boa senhora evangélica fundamentalista que não pode assimilar a verdade sobre seu filho homossexual. A partir desse momento, o drama cresce, até a tragédia. E a tragédia cede lugar à descoberta, de transformação e solidariedade.

Se o espectador tem convicções religiosas, o filme será desnudante. Se não, pelo menos, quem assistir será levado a uma fronteira que nosso tempo exige que se cruze sem mais delongas. O limite para a aceitação incondicional das pessoas como elas são e não como gostaríamos que fossem. E, sendo como são, podem chegar a serem felizes sem fazer sem prejudicar alguém.

Se um dos motivos do filme era remover consciências, fazer pensar, deixar marcas, ele é bem sucedido. E nos fazem desejar que o dia que a aceitação, a compreensão, o amor no sentido mais pleno da palavra, seja possível que historias como essa não se repitam. Faz-nos querer, e quanto, um mundo verdadeiramente humano, onde ninguém é excluído e humilhado pela razão simples e inexorável de ser o que é.




Nota 7

Alice no País das Maravilhas (Alice in Wonderland)

Essa é a historia que o bom Burton queria montar com a obra-prima do escritor e matemático Lewis Carroll, algo radicalmente contrário a tudo que nos quis relatar o escritor em seu conto fantástico, o qual poderia ser entendido de várias maneiras: um conto fantástico repleto de estranha imaginação quase surreal, um relato crítico sócio-político ou um entretenimento imaginativo sobre a lógica, física, psicologia e filosofia.
Penas que Burton quis fazer o filme sem aquilo tudo que dava encanto a história.

O diretor não quis colocar uma conotação única moderadamente inteligente, engraçada ou surreal que era o romance de Carroll, convertendo essa adaptação no produto ‘róliudiano’: um pouco de ‘As Crônicas de Nárnia’, ‘Harry Potter’, ‘O Labirinto do Fauno’ e ‘O Senhor dos Anéis’. Pronto. Temos todo o necessário para o produto de entretenimento. Basta somente à estética burtoniana? Isso não faz um bom filme, mesmo remotamente.

Quando Coppola fez sua versão pessoal de ‘Drácula’ não deturpou o livro de Bram Stoker, mas deu um sentido romântico sem eliminar o encanto da historia e os personagens. È igual o filme ao livro? Não. Porém a versão que Coppola deu a Drácula foi magnífica e muito bem realizada. Em Alice não acontece nada disso. Uma pena que Burton quis fazer um produto a sua imagem e semelhança, ou seja, copiando a si mesmo sem a menor surpresa em um ápice e fazendo o publico acreditar que ‘Alice’ é isso, um filme superficial de ritmo irregular que em alguns momentos entendia e em outros momentos é melhor dormir.

Dos personagens melhor nem falar, a protagonista falta carisma e não tem nada a ver com a Alice que conhecemos em alguns momentos ela é até odiosa. Seu personagem não se estende, os secundários são horríveis, é como se Alice retornasse ao País das Maravilhas, fizesse um passeio e encontrara com cada um dos personagens e dissesse: ‘ E ai véi, que tem feito de bom? Vou ali visitar o Chapeleiro pra ver o que me diz. Venha’.

Onde esta a conversa surreal da lagarta com Alice? Onde esta a festa do chá? O meu não aniversário? Isso é o original ou a sequência? Por que ter o nome original se não tem nada a ver com ele?

Recomendado para os fãs de Burton que querem seguir causando com sua reconhecível estética ‘dark’ e não tenham lido o livro. Os outros? Fujam enquanto podem.

Nota 4

Uma Noite Fora de Série (Date Night)

‘Uma Noite Fora de Série’ não é uma comédia barata. Por quê? Porque tem algo que não existe nas ultimas comédias, um bom roteiro. Isso soa familiar? Diria
que é o mais importante em um filme. E aqui temos atuações que são dignas do roteiro. As principais são dos grandes da comédia atual: Steve Carell e Tina Fey. O primeiro reluz em todas as comédias que faz, brilha em The Office e é um grande comediante, principalmente com a comédia física, sem cai no ridículo como Jim Carrey. A segunda é a pequena grande Tina, uma grande atriz de comédias, ela sabe tudo e não poderia ter melhor escolha.

Temos também secundários de luxo: Mark Wahlberg, com um papel que transborda testosterona, se sai bem e te faz rir (e desejar). James Franco xingando até as vacas e sendo um grande momento do filme. Taraji P. Henson esta um pouco desiludida já que não tem muita atenção, mas cumpre como deve o papel.

As cenas dos carros colados e a pole dance merecem ser vista.

Não me estranha que muitos não gostem, já que é um humor bem ao estilo Saturday Night Live, sofisticadamente perverso

Desculpe, se não falo mais sobre o filme, mas a verdade é que esta diante de uma grande comédia.

Nota 8

Querido John (Dear John)

É claro que, à primeira vista, a história do filme não é nada original, mas uma vez que você dispõe a ver, pouco a pouco vai notando que tem algo que a torna diferente, ainda que a essência seja a mesma de sempre. Adequadamente dirigida, a história consegue chegar ao espectador e aos poucos o vai ligando a cativante história. Tem boas reviravoltas no roteiro e algumas surpresas, mas no geral é um pouco previsível. Boas cenas de amor e ódio são misturadas de forma exemplar nos distintos amores que alguém pode sentir o que se forma entre John e Savanna, o do protagonista com seu pai e o da surpresa final. Nós vemos como em um ambiente de solidão pode formar um amor intenso. Em resumo, poderia dizer que é uma história que define os termos como amor, compaixão, generosidade, confiança e, claro, drama. A história chega ao público por seu realismo, não é nada idílico que poderia passar somente em contos de fadas, é algo que possa acontecer a qualquer um.

As atuações não estão ruins. Do meu ponto de vista, há momentos que parece forçada, mas não há dúvidas que estão acima da média. Gostei da mudança de papel de Tatum, que estamos acostumados a vê-lo fazer o papel de durão e espero que Seyfried siga fazendo esse tipo de trabalho e não do tipo de “Jennifer’s Body”. Destaca-se a excelente atuação de Richard Jenkins. A trilha sonora é outro aspecto positivo, genial em grande parte do filme, ajuda a que o espectador se entristeça. Bonita fotografia. As paisagens levam a um ambiente de paz e tranqüilidade, com o som do mar tão relaxante.

Quanto ao aspecto negativo, os momentos das cartas são bastante longos e repetitivos, poderia ter reduzido um pouco. Sobra também à parte bélica e a última meia hora a história perde o fôlego, ficando ligeiramente mais pesada. Porém, o final é bom e bem realista.

Em conclusão, vale à pena dar uma olhada, eu esperava algo ruim e tive uma pequena surpresa. Permite lacrimejar um pouco e desafogarmos.
Nota 7

Um Certo Olhar (Snow Cake)

Filme intimista e cheio de vitalidade, de atores para atores, a interpretação de Sigourney é fantástica, a fotografia muito boa, com alguns planos de beleza indescritível, com seus silêncios e paradas freqüentes num cinema de autor. História para deixar no paladar e saborear-lo, bem lentamente, deixando fluir todos seus sabores como os tipos de chás que tem Linda (Sigourney) em sua proibida cozinha.

Personagens que não encontram sentido em suas vidas ou, simplesmente, perderam e tentam se agarrar a qualquer vislumbre de esperança para dar-lhes cor e brilho à sua existência, mas quase sempre é tudo uma miragem.

‘Snow Cake’ não é um filme impressionante, mas ao seu modo é um filme brilhante. Fala sobre pessoas diferentes (um autista, um egoísta, um tristonho, um vaidoso, de pessoas que amam sua filha, etc.); algumas dessas pessoas sabem que são diferentes, e outras não sabem (ainda que sejam). As que são diferentes e sabem (a mulher com autismo, a egoísta, a filha que sou incapaz de definir, as definições impõe limites e eu não quero fazer com esse personagem, Vivianne) estão felizes, captam as diferenças dos demais e aceitam com naturalidade e até com felicidade. As que são diferentes e não sabem, nem são tão felizes e não valorizam as diferenças nos demais e nem a apreciam.

Esse filme de baixo orçamento, conta uma história simples, quase íntima e, refletindo também as diferenças da geminação, juntando humor e drama. Não te faz gargalhar, mas te faz sorrir. Não cai em lágrimas, mas te emociona. Quando termina você sabe que não viu o melhor filme de sua vida, mas, também, sabe que acaba de ver um filme agradável que pode inclusive resgatar alguma reflexão da frieza habitual.

Sigourney faz como sempre um ótimo papel, que talvez não seja apreciado devidamente. Em geral, todos os atores estão ótimos, Alan Rickman sempre é bom, creio que tudo isso é devido um bom roteiro, porque as idéias estão claras. Algo que nem sempre é fácil encontrar em um filme.

Nota 9

Mary and Max

Esta fábula, sobre a amizade, vista a partir do coração e não com os olhos, é um filme australiano que conta a historia de uma relação pelo correio de dois personagens solitários e diferentes uns dos outros. Mary Dinkler é uma menina introvertida e sensível de 8 anos que vive em Melbourne, Austrália, e Max, um homem de 44 anos, natural de Nova Iorque, obeso, autista e que termina sendo um judeu ateu.

Neste contexto, a relação é muito interessante entre seus personagens, entra em argumentos profundos como o suicídio, o ateísmo (nas palavras de Max: “Deus é apenas um fragmento da minha imaginação”), a homossexualidade, a depressão e a solidão. Eventualmente, uma surpreendente radiografia da sociedade na qual estamos imersos, já que toca no tema do universo e da estupidez humana, ainda que, Max aconselha: “Ame a si mesmo, em primeiro lugar”. Assim, estamos diante de um filme de animação que é uma obra-prima.

Quando soubemos que o solitário e comilão Max sofre da “Síndrome de Asperger”, que sim, é uma doença e não apenas uma forma de ser, corroboramos pelo fato de que as pessoas com Asperguer têm uma expectativa igual às pessoas que não são autistas.

No entanto, com base no exposto, pode-se dizer, sem que seja um truísmo, que não há um típico modelo do ser humano único, que cada um é uma versão particular, que as espécies estão formadas por indivíduos que compõem toda uma diversidade. Agora, precisamos de alguma síndrome pra chegar a idéias como “ser honesto poder ser incorreto?”, parece que sim (e digo, parece como homônimo de julga-se), já que o discurso fílmico nos leva a uma realidade dura e rigorosa de uma sociedade globalizada: impassível, cruel e sem identidade.

Assim, com um ritmo medido e temas musicais da historia do cinema (“Zorba, o Grego” ou “Que Será, Será” do filme ‘O Homem que Sabia Demais’), a história simboliza desde o primeiro momento do mundo de Mary e Max, que se analisamos com cuidado, é entre a inocência e a falta dela: a soma de todos os indivíduos, que é o modelo que constituem o ser humano.

A estética da imagem em tons cinzentos confere-lhe um mistério para o filme (é o que os seres humanos são), e ainda que seja quase uma entidade protagonista (a ausência de cor), ‘Mary and Max’ não cai no sentimental e no final feliz.

(PODE CONTER SPOILERS)

Basta ver os últimos minutos finais do filme, para entender que, apesar da morte e da solidao, o que mais importa é (nas palavras de Max) ‘Perdoar, porque não somos perfeitos’. A idéia final, Max encontrou todas as metas em sua vida, exceto uma: Um amigo. Vocês já cumpriram?

Nota 10

O Segredo dos seus Olhos (El Secreto de sus Ojos)

O cinema argentino segue cometendo o mesmo erro em todos seus filmes: a falta de credibilidade em seus personagens e nas interpretações dramáticas. Se as situações não são críveis, a história pode ser muito boa, porém, perde o interesse.

Darín não é um ator versátil, sempre é Darín em todos os filmes não muda muito nem os gestos, nem os olhares, nem nada. O personagem de Francella, talvez tenha um melhor feito, mas as situações divertidas que gera, tira ainda mais a credibilidade do filme, que acredito, deveria ter mais ‘dark’.

A lei fundamental da narrativa, seja literária ou cinematográfica, é que todos os elementos devem estar a serviço da história. No entanto, quando isso falta, acontece que os elementos que devia estar a seu serviço, tomam relevância e ocupam lugar de destaque. Isto é o que acontece nesse filme. A trama pretende narrar duas tramas românticas, um assassinato misterioso e o contexto da repressão política. Quando quer fazer tudo, acaba não fazendo nada. Assim, as histórias oferecem furos por todas as partes e o diretor se perde em movimentos de câmera e enquadramentos tão requintados quanto desnecessários.

Em suma, quando a historia perde a força por causa do eixo central, surge a desespero da direção que, finalmente, faz você sentir-se indigesto.

Mas nem tudo esta perdido, algo posso destacar no filme: a reflexão sobre as memórias, que resulta num assunto profundo e tratado com precisão e habilidade.


Nota 6

Preciosa - Uma História de Esperança (Precious)

Uma autêntica obra de arte, tão hábil e segura de si como a própria direção de Lee Daniels. Esse não poderia fazer que acreditasse no filme a menos que fosse capaz de acreditar na própria Precious. E o faz.

Sua historia supera a qualquer: abusos sexuais por partes do seu pai, abuso físico, verbal e psicológico presenteado pela própria mãe, provocações e insultos dos companheiros do colégio... Esse é o seu dia a dia, com apenas 15 anos!

Às vezes, acredita em sua mãe quando ela grita que é apenas uma mancha feia de gordura negra; às vezes, se convence de que tudo o que acontece é porque realmente é estúpida; em outras gostaria de estar morta...

Mas apesar de tudo e apesar de todos, tem ilusões e não deixa ninguém destruir suas esperanças e aspirações: ela quer estudar, ser boa mãe, encontrar um namorado de verdade. Ainda que saiba que não é bonita e que esta obesa, sempre se enfeita, às vezes com um colar de plástico com contas coloridas, outras penteando sua franja todas as noites. E cada vez que algo de ruim acontece, longe de deixar se abater, ela sonha. E em seus sonhos se libera de tudo o mau e o feio: tem musica, luzes brilhantes, lindos vestidos e um lindo garoto que a quer tal como é. E enquanto sonha, ainda que começa acontecer coisas boas, segue ocorrendo coisas horríveis, porem nunca se deixa abater.

É uma viagem pelo lado mais sórdido da vida humana e também uma historia de perseverança e luta incrível. Com uma musica fantástica e algumas pontas de luxo como Mariah Carey e Lenny Kratvitz, mas tudo iluminado pela atuação soberba de Mo`nique que ganha seu ódio desde o primeiro segundo que aparece na tela.

Como disse Einstein: “A imaginação supera o conhecimento. O conhecimento é limitado, porem a imaginação molda o mundo”. A imaginação de Precious é sua salvação.


Nota 10

The House of the Devil

Surpreendente produção do jovem diretor e roteirista Ti West que aparentemente nos conta uma historia de horror, mas é muito mais do que parece. A primeira coisa é o preparo cuidadoso, a direção de arte é perfeita, com uma alucinante estética oitentista.

Pode parecer que à medida que o filme avança, não acontece nada... Mas tudo o que acontece se acumula para o resultado final. Ele demonstra mais uma vez que em filmes como, e com muito pouco, pode conseguir uma tensa e opressiva atmosfera, que só precisa de bom trabalho e imaginação. O filme é uma agradável surpresa, dentro das porcarias que estréiam todos os anos nesse tipo de filme.

Agora sem duvida, Ti West é um direto que temos que acompanhar de perto, espera que não decepcione futuramente.

Nota 8

Um Olhar do Paraiso (The Lovely Bones)

Peter Jackson é daqueles diretores que os filmes deixa uma deliciosa lembrança, certamente melhor do que acaba de me deixar Um Olhar do Paraíso.

O problema do filme é o roteiro, a idéia é original (a vida dos entes queridos de uma pessoa morta vista desde outro plano), mas, é levado de uma forma medíocre, inclinando-se a um melodrama de lágrimas fáceis e sentimentalismo barato e para provar isso bastam às constantes narrações da protagonista que da um ao filme um toque se auto-ajuda. Os personagens são mal aproveitados, tirando o assassino, ninguém chega impacta, nem a médium e nem a própria protagonista.

A verdade é que tinha expectativas, portanto fui assistir com um padrão muito elevado, porem é triste ver todos esses bons atores desperdiçados (Mark Whalberg é previsível e utópico, Rachel Weiz apenas basta, Susan Sarandon é melhor não comentar) num filme medíocre e superficial. Seu ponto forte termina na primeira meia hora e com ela se vai todos os rastros de originalidade, no qual regressa por instantes quando entramos no mundo pessoal de Susie (a garota assassinada) e começa o desfile de FX’s.

Mas nem tudo é mau, o filme tem vários momentos (raros) que chega a enternecer ou impressionar (a maior parte estrelado por Stanley Tucci, que cheira uma indicação ao Oscar de melhor coadjuvante) ou no mundo mágico de Susie no final do filme e em uma em especial que contem muita tensão (o pai no milharal).

Dos aspectos técnicos nem preciso comentar, bela fotografia, iluminada, FX’s bons que trai com o CGI às vezes, OST linda (amo Cocteal Twins), direção de arte excelente e por mais que os personagens não sejam interessantes, se nota a intenção do elenco para dar um mínimo de interesse aos seus papéis.

Não é um filme que recomendaria, mas para os que vejam, façam sem grandes expectativas e sendo pacientes com alguns momentos que fazem que o fim alcance o aprovado, talvez assim gostasse mais.


Nota 5

500 Dias com Ela ( (500) Days of Summer)

Ao contrário de outros filmes, caracterizados pelo típico ‘garoto encontra garota’, 500 dias começa por convencer o espectador que a relação que vamos ver não vai acabar bem. A partir desse ponto de partida, que parece mais que interessante alguem pode dizer não vale a penas seguir assistindo, porque sabemos o final. A graça de um filme romântico esta no ‘suspense’ de que apesar da tristeza, o amor triunfa diante de todas as adversidades.


Porém, aqui nada disso acontece. Garoto conhece garota, isso acontece. Nos mostra paralelamente como vão se formando a relação entre os protagonistas, assim como vão rompendo.

Mostra-nos os diferentes momentos que pode acontecer num relacionamento. O toque de humor não pode faltar. Mas isso não é um amor punk com situações bizarras quase aleatórias, o humor aqui reside nos momentos diários e expressões que chegamos a dizer mais de uma vez. Então o filme esta mais próxima da realidade e, assim, se conecta com o espectador, que consegue sentir mais perto da trama.

Indiscutivelmente, o filme nos da, a cal e a areia, jogando com os saltos no tempo, entregando-nos momentos diferentes da relação. São cenas diferentes que são ligadas pela passagem do tempo e que separadas cria um contraste que não nos deixa indiferente.

Tom Hansen, o protagonista e anti-herói da historia, é um jovem preso a um trabalho que não gosta e que sonha encontrar o amor. Joseph Gordon-Levitt esta brilhante em sua atuação, tanto que nos momentos cômicos (como a cena do musical) e nos amargos. Além da química que entre ele e Zoey Deschanel é inegável. O personagem de Summer é fofo e misterioso ao mesmo tempo, os olhares perdidos e ainda repleto de significados, torna mais fácil conectar com ela, já que parece que ela pertence a outro mundo.

O desenvolvimento do filme é original, alem dos saltos de tempo e as elipses, a trilha sonora é usada para dar dinamismo às cenas. Os diálogos agridoces porem reais, fazem que esse filme sirva de reflexão sobre esse imenso universo que é o amor. Apenas podemos chegar à conclusão que o amor é isso, um vasto universo.

Nota 10

Anticristo (Antichrist)

Assistir esse filme é confrontar com a própria natureza. Tornar-se testemunha de um fato que sentia bem fudido, mas tinha medo de expressar. Assistir esse filme talvez não possa voltar atrás. Como é pomposo e egoísta Sr Von Trier, também é um virtuoso cineasta e uma pessoa extremamente inteligente (e estranhamente desequilibrada como qualquer gênio, o milagre aconteceu e a toque de magia que consiste não em fazer um filme redondo, porque não é, mas sim uma obra de moralidade ambígua e bem calçada com botas de pantaneiro pronta para desferir um pontapé nas bolas daqueles que não estão dispostos a assistir, porque isso é muito fácil, pensar no filme é o difícil.


E não acho o filme mais transgressor e ofensivo do dinamarquês, por mais que estejam falando isso, apenas o filme levanta uma questão espinhosa para determinados segmentos do publico, que poderiam condená-lo como misógino e o farão. É sem duvida uma maioridade do cineasta e uma das mais belas fotografias que vi em minha vida. O prólogo em si, é uma obra-prima que forja o perfeito equilíbrio da narrativa, tom, cor, musica ambientação e apresentação formal.

De qualquer maneira Lars, como não quer seus personagens, faz o que quer com eles, e isso porque este acostumado a trabalhar com algum dos atores mais corajosos e dedicados, essa mistura acaba parindo uma monstruosidade de indescritível beleza, dolorosa e sincera. E o que é isto? Talvez seja um dos mais profundos mergulhos que foram praticados em busca da origem da maldade humana. E essa maldade, geneticamente e filosoficamente, nasce da mãe, como todo ser vivo como tudo nesse mundo que possa ser limitado a natureza.

Logo após a tragédia, o marido se converte no terapeuta de sua mulher sem ser solicitado, levando-a para sua cabana na floresta para que ela possa enfrentar seus medos, resultantes de uma dor de luto patológico. Sua dor, aparentemente é comum e aceita a morte do bebê com firmeza. O conceito do filme reside em que a mulher traumatizada considera a natureza “a igreja de Satanás”, algo perverso e cruel. E se a natureza é ruim, ruim será sua matriz, seu útero, e, portanto, o feminino.

O corpo feminino não é regido pela mulher, é governada pela natureza, a natureza utiliza cores e aromas para ser fecundada. Na mulher, essa arma de dois gumes é seu corpo e seu próprio sexo. Por isso, parece que depois da morte do seu filho, ela tem medo da natureza e passa a se odiar. Durante uma grande parte do filme nos faz crer que ela tem medo da natureza, mas finalmente compreendemos que é a natureza que repele ela, talvez por ter mostrado a verdadeira face.

De fato, como sabemos justo no momento que tudo esta cheio de sangue, desde o ultimo verão, que seria o ultimo de seu bebê, ela começou a mutilar e espancar os animais (três mendigos) e mudar a posição dos sapatos do filho. Para modificar a natureza, para criar um limbo antinatural e combater (ou entregar) essa dureza, a violência inerente da floresta. Talvez como um ritual satânico, para convencer-se de suas próprias crenças, alimentadas por leituras desagradáveis, como prova irrefutável de qualquer tese que possa ser discutida e defendida.

Mas quando ele descobre tudo flui numa onda de ‘gore’ mais ou menos explicitar que desemboca para o pior dos resultados. ‘Uma mulher quando chora, esta tramando algo’, diz a impressionante e estranhamente bela entre as feias, Charllote Gainsbourg. Ela permitiu a morte do filho, ela utilizou o marido pra morrer, ela acaba tendo toda a razão, apensar que seu marido não a considerava tão inteligente e chamou sua tese de simplista. Eventualmente, o marido se torna um assassino, e descobre que os sintomas que ele diagnosticou como ansiedade são os sintomas de uma fúria assassina. Ele queria que ela fosse preenchida pelo verde, que fazia parte da natureza, porque ele próprio era.

E a natureza, por fim, acaba sendo cruel como ela previu. Acaba sendo a única assassina real, porque mostra a sobrevivência como assassinato. Porque as tabelas normais de tristeza não existem, é uma infâmia a constatação comprovada de que se pode suportar a morte de um filho. Em um momento, ela diz que quer morrer também, mas ele não deixa...

Existe algo mais prático realista, doloroso e cruel que esse ato?

O paradoxo é que, se todos nós aceitarmos a face cruel e malvada da natureza, porque parece tão demoníaco o antinatural?

No epilogo, todas as mulheres agredidas pelos homens que as consideravam bruxas, sobem para a montanha, liberadas por seu salvador. A floresta esta cheia de braços e de pele, não há distinção entre a natureza humana e a natureza verde.

Por fim entendemos que o mal é ruim, tanto aqui como lá fora.

Nota 10