pelo lado de fora do cinema

Ilha do Medo (Shutter Island)

2010-07-26T20:27:00.000-07:00

Dependendo do amor que poderá ter por Martin Scorsese, com a visualização de Shutter Island, você poderá tirar três conclusões bastantes diferentes. Se você pensa que o diretor nova-iorquino esta supervalorizado, com esse filme reafirmara sua posição. Se esta no grupo que pensa que a melhor época de Scorsese já passou, também será bom ver-la e assim relembrar aqueles tempos que ele rodava filmes como Taxi Driver ou Touro Indomável. Se ao contrario, você acredita que Scorsese é um craque capaz de converter em ouro tudo que toca, então você tem duas opções, pensar que até os maiores tem o direito de cagar uma vez ou aceitar a máxima que, os peidos de Scorsese cheiram a flores, coloca uma venda nos olhos e declama aos quatro ventos que Shutter Island é uma obra prima. Se vos, estas entre o ultimo, lamento dizer que o peido dele tem o mesmo cheiro que o resto dos mortais, as vezes pior.

Dizem que o cinema do nova-iorquino é essencialmente formal e que cada um de seus novos filmes é um experimento no qual a historia é tão importante como a forma de contar-la. No entanto, o que salva do artificial é sua paixão pelos personagens, tendo assumido, que sem eles não há bom cinema. Muito bem, como teoria me parece genial, o problema é que na prática ele patina. Scorsese reúne diversas imagens supostamente perturbadoras que não passam, no melhor dos casos, de desconcertantes, mas na direção errada. Vamos lá, o que se tem a impressão é que Scorsese se meteu a ser David Lynch e não saiu muito bem no experimento. Uma decepção total.

E a coisa não melhora se tentamos apreciar a historia e os atores. Estamos diante um folhetim de detetive em que dois agentes federais vêm a uma remota ilha na qual se encontra um hospital psiquiátrico para investigar o desaparecimento de uma assassina ali reclusa. Até ai tudo bem, mas como a coisa vai desde as formas inescrutáveis da mente humana, enquanto o protagonista é confrontado com o caso, também enfrenta seus demônios interiores. E isso justifica toda uma serie de aparições, alucinações e demais parafernálias oníricas freudianas em forma de imagens, que é bastante ridículo. Tudo isto sofre o protagonista do filme, um patético Leonardo di Caprio. Maldita seja a hora que Scorsese trocou De Niro por ele. Será que não tinha nada melhor no mercado? E o pior é que nem mesmo desentoa no conjunto, já que seus companheiros de elenco Mark Ruffalo, Michele Williams e Emily Mortimer, são ainda piores.

Bom, o filme é ruim, um martírio mental que salva por algumas boas criticas e que foi filmado por um prestigioso diretor. Ou porque parece inspirado na serie que acabou recentemente Lost em algumas abordagens ou situações. Embora, devo ser justo e reconhecer que, provavelmente, toda culpa não seja dele. Já me falaram que a novela de Dennis Lehane na qual o livro se baseia é meia boca. Isso sim, ninguém colocou uma pistola na cabeça dele e obrigou a adaptar esse livro. E isso, para alguém que pretende articular-se com os clássicos em sua condição que trabalha sempre com roteiros alheios, não é um pecado menor. Como um dos poucos privilegiados que estão em posição de dar ao luxo de fazer filmes como queira.

Ah! E se você leu por ai essas declarações nas quais Scorsese confessa referencias em sua obra que vai desde Spellbound de Hitchcock, Cat People e I Walked with a Zombie de Jacques Tourneur, alem do cinema expressionista alemão dos anos 1920 ou da literatura de Kafka, não lhe faça caso. Scorsese esta é ficando louco (somente assim poderia explicar a versão da genial trilogia Internal Affairs que se tornou o legalzinho The Departed que concorre a ser um grande clássico do Domingo Maior da Globo, e ele negar).

Por fim, como LaSalle disse: ‘ A lenda fica no caminho do artista, Scorsese deve parar de tentar fazer obras de arte e tentar fazer bons filmes’. É isso.

Splice

2010-07-23T11:31:00.001-07:00

Muito se espera deste filme e ainda mais já que estamos conscientes de quem esta por trás, Natalie de um lado e Del Toro de outro, mas fica por ai: muito barulho por nada. O filme não é ruim, mas quando estamos assistindo sempre esperamos algo mais e nunca acontece e ai é que esta o erro, poderia ser mais transgressivo sem cair no grotesco (bestialidade?).

No entanto, a historia até diverte e ainda mais quando o espectador percebe que o filme já não da mais nada. Em alguns momentos o diretor de Cube e Cypher é brilhante e demonstra o que ele vale, mas claro, esses momentos são poucos, se bem que tenho que destacar alguns planos realmente espetaculares, mas a historia é plana e linear e não destaca nem o bem nem o mal.

Aconselhável somente pra quando não tem nada pra assistir.

Nota 5

Patrik 1.5 (Patrik, age 1.5)

2010-07-21T09:29:00.000-07:00

Por um lado, eu aprecio a facilidade com que abordam a questão da adoção GLBT, que relativamente é bem aceita na sociedade sueca, apesar dos fanáticos que existem em todos lugares. Na verdade, o filme deixa claro que esse casal foi a ultima opção para a criança como se estivessem envolvidos em um leilão.

Sendo um filme mais cômico, que outra coisa, tem uma parte trágica importante, inclusive quase de denuncia homofóbica, mas que esta enfraquecida pela falta de profundidade com que aborda as questões importantes do filme: o casal gay, adoção por homossexuais, adoção de crianças com necessidades especiais, seus problemas específicos (que são muitos)...

O filme tem alguns pontos fracos, para poder criar a trama, que caem sobre seu próprio peso, não é crível que mandem um menino de 15 anos para um casal adotante, sem antes fazer uma prova de adaptação, ou mesmo que considerem que a adequação desse casal possa ser igual para uma criança de 15 meses como de 15 anos. Deste ponto de vista da adoção é um disparate.

O adolescente problemático é bastante turvo, e ele não é mais que uma caricatura do que poderia ser na realidade, se tivesse o currículo criminal, tal como proposto pelo roteiro, dificilmente poderia ter essa evolução, por alguns gestos de acolhimento e carinhos, numa pessoa com esse nível de desconfiança na vida e na sociedade. ‘Porque o amor nem sempre é suficiente. ’

Mas, é um filme fofo, redondo e que emociona às vezes, com um final feliz para agradar a todos. Se servir para jogar a semente da adoção GLBT, é uma opção não apenas legítima, se não, inclusive poder ser mais adequando para alguns meninos ou meninas, o filme ganha mais peso do que realmente tem. E que a moral, a ética e a capacidade de compromisso e de amor se encontram nas famílias que não tem e não pretendem usar a patente da normalidade ou da heterosexualidade.

Nota 7

Quebrando Tdo (Kick Ass)

2010-06-14T20:17:00.000-07:00

Kick Ass é uma colorida revisão dos mitos do comic desde um prisma sarcástico e irônico. E ele faz acompanhar de A a Z todos os clichês dos filmes de super heróis, desde o pária social convertido em justiceiro mascarado, aos amores impossíveis, as nêmeses que surgem quase por geração espontânea. O resultado não só engole como chuta traseiros de superproduções maiores em seu próprio território.

Vaughn veste violência estilizada e sarcástica do show, apelando ao mesmo tempo tanto à cumplicidade dos fãs de comics como ao espectador alheio do mito de super herói. Kick Ass oferece maneiras diferentes para satisfazer todos os públicos, mas pede em troco que aceitem a violência divertida que faz gala de um filme protagonizado, definitivamente, por adolescentes que estão no colégio e enfrentam assassinos impiedosos a sangue frio.

O resultado é um filme mais exigente do que parece, mas que sabe recompensar o espectador que aceitas as regras com quantidade suficiente de espetáculo e diversão. Fornece bons personagens, não saturados com ruído desnecessário e tem um senso de diversão e ousadia grotesca, como ‘Kill Bill (com seu uso humorístico de violência selvagem), não é apto para todos. Sem falar que exala verdadeiro amor aos comics de super heróis, que respeita e ama com ardor incomum.

O filme suaviza e aporta certa delicadeza em alguns momentos mais cruéis do material original, mas é sempre em favor dos personagens. Precisamente neste ultimo aspecto destaca uma das melhores cenas do filme, aquela que Hit Girl entra as escuras no lugar onde estão sendo torturados os protagonistas, que culmina de forma dramática. Vaughn combina nesse momento violência hilariante e gore, drama e comédia de forma estranha e absolutamente emocionante, e logo depois disso prolonga o desfecho da historia acrescentando mais espetáculo e risos como fogos de artifícios.

Preste atenção à interpretação de Chloe Moretz, uma das pequenas protagonistas, e sua química com um Nicolas Cage que demonstra que sabe ficar em segundo plano. Mark Strong é um dos atores mais capacitados para exercer o papel de vilão dos últimos anos e Aaron Johnson não defrauda no papel mais importante de sua vida e também Christopher Mintz-Passe. Vaughn, Mesmo que não defina totalmente seus personagens e se envolva em seus sentimentos, esforça-se no bom caminho e cria situações emotivas e simpáticas que justificam a violência irônica e o conteúdo geek do filme.

Definitivamente, o filme não é adequado para paladares antigos.

Nota 10

A Ressaca (Hot tub time machine)

2010-06-14T17:05:00.000-07:00

Este é um daqueles filmes que você não tem muito que dizer, especialmente porque eu duvido que valha a pena tentar estender umas linhas a mais em um filme cuja simplicidade não envolve mais mistério que o desfrute do disparate absurdo. Mas parecido com um grande show de comédia televisiva, esses 100 minutos de imagens são uma sucessão de idéias em vez de uma historia em sim, as idéias adornadas com muito humor negro e ácido, e em particularmente especial para a memória daqueles maravilhosos anos de 1980, especialmente para todos aqueles que tiveram alguma voz na década prodigiosa.

Sem dar muitas voltas poderíamos dizer que o filme é como o titulo original diz, tão estúpido como absurdo, e na que menos é a lógica do porque ou o sentido do como. Em suma, de uma simplicidade e leveza pateta que assusta, mas até aqui nenhuma objeção, pois, como em todas, já que da pra cobrir todo o bolo e é bem costurado, como brincadeira divertida não hesita em ignorar sua qualidade questionável como filme para elevar à categoria de filme com título fofo, algo assim dito de maneira pouco fina, um peido que gostamos de sentir o cheiro.

Deixando de lado a lógica interna do relato que não passa de uma brincadeira, e que brilha tanto por sua ausência que ao mesmo tempo nem sentimos falta, o filme apresenta uma variação da manjada viagem no tempo numa comedia sem responsabilidade de qualquer natureza, muito menos moral. Uma espécie de ‘De volta para o futuro’ pegajoso e ointentista para os acima de 30 anos. Uma historia simples, previsível e sem complicações que em nenhum momento tenta levar se levar a sério e ideal para ver em grupo, já que os protagonistas se entregam de corpo e alma e agüentam o escopo com carisma e alguns golpes.

‘Hot tub time machine’ é uma brincadeira em nome do humor, sem olhara para trás, e um pesado tributo aos 80, surpreendentemente emocionante, que não é necessariamente bem realizado ou inspirado, mas acima de tudo eficazes em convencer e que seguem os padrões visuais, narrativos e conceituais vigentes naquela época, tudo reforçado por uma excelente trilha sonora e até mesmo artistas da época, começando pelo próprio John Cusack, Crispin Glover e o mítico Chevy Chase.

O filme tira a essência da memória oitentista em pleno século 21 rematado por alguma ou outra piada escatológica, uma breve dose de reflexão amarga mas otimista sobre os amigos, o materialismo e a passagem do tempo e um escárnio para todos os amantes do cinema, no entanto, não podemos evitar um olhar doentio de cumplicidade em algum ou outro momento. Não recomendado para menores de 30 ou maiores de 40.

Nota 7

Orações para Bobby (Prayers 4 Bobby)

2010-06-02T22:40:00.000-07:00

Orações para a humanidade.

Estamos diante um filme baseado em fatos reais, sobre o que aconteceu a um jovem chamado Bobby Griffith e sua família, nos anos oitenta no EUA. O filme deixara frio somente alguém de pedra. Nenhum ser humano minimamente sensível poderá distanciar-se da intensidade e profundidade do drama diante de nós. Tem um equilíbrio notável, mesmo quando se torna altamente emocional. Talvez, não alcança o desenvolvimento suficiente sólido do processo que o jovem protagonista chega. Mas isso não impede de entendermos, pelo menos em essência, a razão para o clímax trágico do filme.

A mãe de Bobby, interpretada pela sempre notável Sigourney Weaver, é uma boa senhora evangélica fundamentalista que não pode assimilar a verdade sobre seu filho homossexual. A partir desse momento, o drama cresce, até a tragédia. E a tragédia cede lugar à descoberta, de transformação e solidariedade.

Se o espectador tem convicções religiosas, o filme será desnudante. Se não, pelo menos, quem assistir será levado a uma fronteira que nosso tempo exige que se cruze sem mais delongas. O limite para a aceitação incondicional das pessoas como elas são e não como gostaríamos que fossem. E, sendo como são, podem chegar a serem felizes sem fazer sem prejudicar alguém.

Se um dos motivos do filme era remover consciências, fazer pensar, deixar marcas, ele é bem sucedido. E nos fazem desejar que o dia que a aceitação, a compreensão, o amor no sentido mais pleno da palavra, seja possível que historias como essa não se repitam. Faz-nos querer, e quanto, um mundo verdadeiramente humano, onde ninguém é excluído e humilhado pela razão simples e inexorável de ser o que é.

Nota 7

Alice no País das Maravilhas (Alice in Wonderland)

2010-05-05T19:20:00.000-07:00

Essa é a historia que o bom Burton queria montar com a obra-prima do escritor e matemático Lewis Carroll, algo radicalmente contrário a tudo que nos quis relatar o escritor em seu conto fantástico, o qual poderia ser entendido de várias maneiras: um conto fantástico repleto de estranha imaginação quase surreal, um relato crítico sócio-político ou um entretenimento imaginativo sobre a lógica, física, psicologia e filosofia.
Penas que Burton quis fazer o filme sem aquilo tudo que dava encanto a história.

O diretor não quis colocar uma conotação única moderadamente inteligente, engraçada ou surreal que era o romance de Carroll, convertendo essa adaptação no produto ‘róliudiano’: um pouco de ‘As Crônicas de Nárnia’, ‘Harry Potter’, ‘O Labirinto do Fauno’ e ‘O Senhor dos Anéis’. Pronto. Temos todo o necessário para o produto de entretenimento. Basta somente à estética burtoniana? Isso não faz um bom filme, mesmo remotamente.

Quando Coppola fez sua versão pessoal de ‘Drácula’ não deturpou o livro de Bram Stoker, mas deu um sentido romântico sem eliminar o encanto da historia e os personagens. È igual o filme ao livro? Não. Porém a versão que Coppola deu a Drácula foi magnífica e muito bem realizada. Em Alice não acontece nada disso. Uma pena que Burton quis fazer um produto a sua imagem e semelhança, ou seja, copiando a si mesmo sem a menor surpresa em um ápice e fazendo o publico acreditar que ‘Alice’ é isso, um filme superficial de ritmo irregular que em alguns momentos entendia e em outros momentos é melhor dormir.

Dos personagens melhor nem falar, a protagonista falta carisma e não tem nada a ver com a Alice que conhecemos em alguns momentos ela é até odiosa. Seu personagem não se estende, os secundários são horríveis, é como se Alice retornasse ao País das Maravilhas, fizesse um passeio e encontrara com cada um dos personagens e dissesse: ‘ E ai véi, que tem feito de bom? Vou ali visitar o Chapeleiro pra ver o que me diz. Venha’.

Onde esta a conversa surreal da lagarta com Alice? Onde esta a festa do chá? O meu não aniversário? Isso é o original ou a sequência? Por que ter o nome original se não tem nada a ver com ele?

Recomendado para os fãs de Burton que querem seguir causando com sua reconhecível estética ‘dark’ e não tenham lido o livro. Os outros? Fujam enquanto podem.

Nota 4

Uma Noite Fora de Série (Date Night)

2010-05-05T17:49:00.000-07:00

‘Uma Noite Fora de Série’ não é uma comédia barata. Por quê? Porque tem algo que não existe nas ultimas comédias, um bom roteiro. Isso soa familiar? Diria
que é o mais importante em um filme. E aqui temos atuações que são dignas do roteiro. As principais são dos grandes da comédia atual: Steve Carell e Tina Fey. O primeiro reluz em todas as comédias que faz, brilha em The Office e é um grande comediante, principalmente com a comédia física, sem cai no ridículo como Jim Carrey. A segunda é a pequena grande Tina, uma grande atriz de comédias, ela sabe tudo e não poderia ter melhor escolha.

Temos também secundários de luxo: Mark Wahlberg, com um papel que transborda testosterona, se sai bem e te faz rir (e desejar). James Franco xingando até as vacas e sendo um grande momento do filme. Taraji P. Henson esta um pouco desiludida já que não tem muita atenção, mas cumpre como deve o papel.

As cenas dos carros colados e a pole dance merecem ser vista.

Não me estranha que muitos não gostem, já que é um humor bem ao estilo Saturday Night Live, sofisticadamente perverso

Desculpe, se não falo mais sobre o filme, mas a verdade é que esta diante de uma grande comédia.

Nota 8

Querido John (Dear John)

2010-04-19T18:51:00.000-07:00

É claro que, à primeira vista, a história do filme não é nada original, mas uma vez que você dispõe a ver, pouco a pouco vai notando que tem algo que a torna diferente, ainda que a essência seja a mesma de sempre. Adequadamente dirigida, a história consegue chegar ao espectador e aos poucos o vai ligando a cativante história. Tem boas reviravoltas no roteiro e algumas surpresas, mas no geral é um pouco previsível. Boas cenas de amor e ódio são misturadas de forma exemplar nos distintos amores que alguém pode sentir o que se forma entre John e Savanna, o do protagonista com seu pai e o da surpresa final. Nós vemos como em um ambiente de solidão pode formar um amor intenso. Em resumo, poderia dizer que é uma história que define os termos como amor, compaixão, generosidade, confiança e, claro, drama. A história chega ao público por seu realismo, não é nada idílico que poderia passar somente em contos de fadas, é algo que possa acontecer a qualquer um.

As atuações não estão ruins. Do meu ponto de vista, há momentos que parece forçada, mas não há dúvidas que estão acima da média. Gostei da mudança de papel de Tatum, que estamos acostumados a vê-lo fazer o papel de durão e espero que Seyfried siga fazendo esse tipo de trabalho e não do tipo de “Jennifer’s Body”. Destaca-se a excelente atuação de Richard Jenkins. A trilha sonora é outro aspecto positivo, genial em grande parte do filme, ajuda a que o espectador se entristeça. Bonita fotografia. As paisagens levam a um ambiente de paz e tranqüilidade, com o som do mar tão relaxante.

Quanto ao aspecto negativo, os momentos das cartas são bastante longos e repetitivos, poderia ter reduzido um pouco. Sobra também à parte bélica e a última meia hora a história perde o fôlego, ficando ligeiramente mais pesada. Porém, o final é bom e bem realista.

Em conclusão, vale à pena dar uma olhada, eu esperava algo ruim e tive uma pequena surpresa. Permite lacrimejar um pouco e desafogarmos.
Nota 7

Um Certo Olhar (Snow Cake)

2010-04-15T18:47:00.000-07:00

Filme intimista e cheio de vitalidade, de atores para atores, a interpretação de Sigourney é fantástica, a fotografia muito boa, com alguns planos de beleza indescritível, com seus silêncios e paradas freqüentes num cinema de autor. História para deixar no paladar e saborear-lo, bem lentamente, deixando fluir todos seus sabores como os tipos de chás que tem Linda (Sigourney) em sua proibida cozinha.

Personagens que não encontram sentido em suas vidas ou, simplesmente, perderam e tentam se agarrar a qualquer vislumbre de esperança para dar-lhes cor e brilho à sua existência, mas quase sempre é tudo uma miragem.

‘Snow Cake’ não é um filme impressionante, mas ao seu modo é um filme brilhante. Fala sobre pessoas diferentes (um autista, um egoísta, um tristonho, um vaidoso, de pessoas que amam sua filha, etc.); algumas dessas pessoas sabem que são diferentes, e outras não sabem (ainda que sejam). As que são diferentes e sabem (a mulher com autismo, a egoísta, a filha que sou incapaz de definir, as definições impõe limites e eu não quero fazer com esse personagem, Vivianne) estão felizes, captam as diferenças dos demais e aceitam com naturalidade e até com felicidade. As que são diferentes e não sabem, nem são tão felizes e não valorizam as diferenças nos demais e nem a apreciam.

Esse filme de baixo orçamento, conta uma história simples, quase íntima e, refletindo também as diferenças da geminação, juntando humor e drama. Não te faz gargalhar, mas te faz sorrir. Não cai em lágrimas, mas te emociona. Quando termina você sabe que não viu o melhor filme de sua vida, mas, também, sabe que acaba de ver um filme agradável que pode inclusive resgatar alguma reflexão da frieza habitual.

Sigourney faz como sempre um ótimo papel, que talvez não seja apreciado devidamente. Em geral, todos os atores estão ótimos, Alan Rickman sempre é bom, creio que tudo isso é devido um bom roteiro, porque as idéias estão claras. Algo que nem sempre é fácil encontrar em um filme.

Nota 9

Mary and Max

2010-04-08T20:38:00.000-07:00

Esta fábula, sobre a amizade, vista a partir do coração e não com os olhos, é um filme australiano que conta a historia de uma relação pelo correio de dois personagens solitários e diferentes uns dos outros. Mary Dinkler é uma menina introvertida e sensível de 8 anos que vive em Melbourne, Austrália, e Max, um homem de 44 anos, natural de Nova Iorque, obeso, autista e que termina sendo um judeu ateu.

Neste contexto, a relação é muito interessante entre seus personagens, entra em argumentos profundos como o suicídio, o ateísmo (nas palavras de Max: “Deus é apenas um fragmento da minha imaginação”), a homossexualidade, a depressão e a solidão. Eventualmente, uma surpreendente radiografia da sociedade na qual estamos imersos, já que toca no tema do universo e da estupidez humana, ainda que, Max aconselha: “Ame a si mesmo, em primeiro lugar”. Assim, estamos diante de um filme de animação que é uma obra-prima.

Quando soubemos que o solitário e comilão Max sofre da “Síndrome de Asperger”, que sim, é uma doença e não apenas uma forma de ser, corroboramos pelo fato de que as pessoas com Asperguer têm uma expectativa igual às pessoas que não são autistas.

No entanto, com base no exposto, pode-se dizer, sem que seja um truísmo, que não há um típico modelo do ser humano único, que cada um é uma versão particular, que as espécies estão formadas por indivíduos que compõem toda uma diversidade. Agora, precisamos de alguma síndrome pra chegar a idéias como “ser honesto poder ser incorreto?”, parece que sim (e digo, parece como homônimo de julga-se), já que o discurso fílmico nos leva a uma realidade dura e rigorosa de uma sociedade globalizada: impassível, cruel e sem identidade.

Assim, com um ritmo medido e temas musicais da historia do cinema (“Zorba, o Grego” ou “Que Será, Será” do filme ‘O Homem que Sabia Demais’), a história simboliza desde o primeiro momento do mundo de Mary e Max, que se analisamos com cuidado, é entre a inocência e a falta dela: a soma de todos os indivíduos, que é o modelo que constituem o ser humano.

A estética da imagem em tons cinzentos confere-lhe um mistério para o filme (é o que os seres humanos são), e ainda que seja quase uma entidade protagonista (a ausência de cor), ‘Mary and Max’ não cai no sentimental e no final feliz.

(PODE CONTER SPOILERS)

Basta ver os últimos minutos finais do filme, para entender que, apesar da morte e da solidao, o que mais importa é (nas palavras de Max) ‘Perdoar, porque não somos perfeitos’. A idéia final, Max encontrou todas as metas em sua vida, exceto uma: Um amigo. Vocês já cumpriram?

Nota 10

O Segredo dos seus Olhos (El Secreto de sus Ojos)

2010-04-06T20:46:00.001-07:00

O cinema argentino segue cometendo o mesmo erro em todos seus filmes: a falta de credibilidade em seus personagens e nas interpretações dramáticas. Se as situações não são críveis, a história pode ser muito boa, porém, perde o interesse.

Darín não é um ator versátil, sempre é Darín em todos os filmes não muda muito nem os gestos, nem os olhares, nem nada. O personagem de Francella, talvez tenha um melhor feito, mas as situações divertidas que gera, tira ainda mais a credibilidade do filme, que acredito, deveria ter mais ‘dark’.

A lei fundamental da narrativa, seja literária ou cinematográfica, é que todos os elementos devem estar a serviço da história. No entanto, quando isso falta, acontece que os elementos que devia estar a seu serviço, tomam relevância e ocupam lugar de destaque. Isto é o que acontece nesse filme. A trama pretende narrar duas tramas românticas, um assassinato misterioso e o contexto da repressão política. Quando quer fazer tudo, acaba não fazendo nada. Assim, as histórias oferecem furos por todas as partes e o diretor se perde em movimentos de câmera e enquadramentos tão requintados quanto desnecessários.

Em suma, quando a historia perde a força por causa do eixo central, surge a desespero da direção que, finalmente, faz você sentir-se indigesto.

Mas nem tudo esta perdido, algo posso destacar no filme: a reflexão sobre as memórias, que resulta num assunto profundo e tratado com precisão e habilidade.

Nota 6

Preciosa - Uma História de Esperança (Precious)

2010-02-16T15:36:00.000-08:00

Uma autêntica obra de arte, tão hábil e segura de si como a própria direção de Lee Daniels. Esse não poderia fazer que acreditasse no filme a menos que fosse capaz de acreditar na própria Precious. E o faz.

Sua historia supera a qualquer: abusos sexuais por partes do seu pai, abuso físico, verbal e psicológico presenteado pela própria mãe, provocações e insultos dos companheiros do colégio... Esse é o seu dia a dia, com apenas 15 anos!

Às vezes, acredita em sua mãe quando ela grita que é apenas uma mancha feia de gordura negra; às vezes, se convence de que tudo o que acontece é porque realmente é estúpida; em outras gostaria de estar morta...

Mas apesar de tudo e apesar de todos, tem ilusões e não deixa ninguém destruir suas esperanças e aspirações: ela quer estudar, ser boa mãe, encontrar um namorado de verdade. Ainda que saiba que não é bonita e que esta obesa, sempre se enfeita, às vezes com um colar de plástico com contas coloridas, outras penteando sua franja todas as noites. E cada vez que algo de ruim acontece, longe de deixar se abater, ela sonha. E em seus sonhos se libera de tudo o mau e o feio: tem musica, luzes brilhantes, lindos vestidos e um lindo garoto que a quer tal como é. E enquanto sonha, ainda que começa acontecer coisas boas, segue ocorrendo coisas horríveis, porem nunca se deixa abater.

É uma viagem pelo lado mais sórdido da vida humana e também uma historia de perseverança e luta incrível. Com uma musica fantástica e algumas pontas de luxo como Mariah Carey e Lenny Kratvitz, mas tudo iluminado pela atuação soberba de Mo`nique que ganha seu ódio desde o primeiro segundo que aparece na tela.

Como disse Einstein: “A imaginação supera o conhecimento. O conhecimento é limitado, porem a imaginação molda o mundo”. A imaginação de Precious é sua salvação.

Nota 10

The House of the Devil

2010-01-11T17:48:00.000-08:00

Surpreendente produção do jovem diretor e roteirista Ti West que aparentemente nos conta uma historia de horror, mas é muito mais do que parece. A primeira coisa é o preparo cuidadoso, a direção de arte é perfeita, com uma alucinante estética oitentista.

Pode parecer que à medida que o filme avança, não acontece nada... Mas tudo o que acontece se acumula para o resultado final. Ele demonstra mais uma vez que em filmes como, e com muito pouco, pode conseguir uma tensa e opressiva atmosfera, que só precisa de bom trabalho e imaginação. O filme é uma agradável surpresa, dentro das porcarias que estréiam todos os anos nesse tipo de filme.

Agora sem duvida, Ti West é um direto que temos que acompanhar de perto, espera que não decepcione futuramente.

Nota 8

Um Olhar do Paraiso (The Lovely Bones)

2010-01-11T17:13:00.000-08:00

Peter Jackson é daqueles diretores que os filmes deixa uma deliciosa lembrança, certamente melhor do que acaba de me deixar Um Olhar do Paraíso.

O problema do filme é o roteiro, a idéia é original (a vida dos entes queridos de uma pessoa morta vista desde outro plano), mas, é levado de uma forma medíocre, inclinando-se a um melodrama de lágrimas fáceis e sentimentalismo barato e para provar isso bastam às constantes narrações da protagonista que da um ao filme um toque se auto-ajuda. Os personagens são mal aproveitados, tirando o assassino, ninguém chega impacta, nem a médium e nem a própria protagonista.

A verdade é que tinha expectativas, portanto fui assistir com um padrão muito elevado, porem é triste ver todos esses bons atores desperdiçados (Mark Whalberg é previsível e utópico, Rachel Weiz apenas basta, Susan Sarandon é melhor não comentar) num filme medíocre e superficial. Seu ponto forte termina na primeira meia hora e com ela se vai todos os rastros de originalidade, no qual regressa por instantes quando entramos no mundo pessoal de Susie (a garota assassinada) e começa o desfile de FX’s.

Mas nem tudo é mau, o filme tem vários momentos (raros) que chega a enternecer ou impressionar (a maior parte estrelado por Stanley Tucci, que cheira uma indicação ao Oscar de melhor coadjuvante) ou no mundo mágico de Susie no final do filme e em uma em especial que contem muita tensão (o pai no milharal).

Dos aspectos técnicos nem preciso comentar, bela fotografia, iluminada, FX’s bons que trai com o CGI às vezes, OST linda (amo Cocteal Twins), direção de arte excelente e por mais que os personagens não sejam interessantes, se nota a intenção do elenco para dar um mínimo de interesse aos seus papéis.

Não é um filme que recomendaria, mas para os que vejam, façam sem grandes expectativas e sendo pacientes com alguns momentos que fazem que o fim alcance o aprovado, talvez assim gostasse mais.

Nota 5

500 Dias com Ela ( (500) Days of Summer)

2010-01-06T15:44:00.001-08:00

Ao contrário de outros filmes, caracterizados pelo típico ‘garoto encontra garota’, 500 dias começa por convencer o espectador que a relação que vamos ver não vai acabar bem. A partir desse ponto de partida, que parece mais que interessante alguem pode dizer não vale a penas seguir assistindo, porque sabemos o final. A graça de um filme romântico esta no ‘suspense’ de que apesar da tristeza, o amor triunfa diante de todas as adversidades.

Porém, aqui nada disso acontece. Garoto conhece garota, isso acontece. Nos mostra paralelamente como vão se formando a relação entre os protagonistas, assim como vão rompendo.

Mostra-nos os diferentes momentos que pode acontecer num relacionamento. O toque de humor não pode faltar. Mas isso não é um amor punk com situações bizarras quase aleatórias, o humor aqui reside nos momentos diários e expressões que chegamos a dizer mais de uma vez. Então o filme esta mais próxima da realidade e, assim, se conecta com o espectador, que consegue sentir mais perto da trama.

Indiscutivelmente, o filme nos da, a cal e a areia, jogando com os saltos no tempo, entregando-nos momentos diferentes da relação. São cenas diferentes que são ligadas pela passagem do tempo e que separadas cria um contraste que não nos deixa indiferente.

Tom Hansen, o protagonista e anti-herói da historia, é um jovem preso a um trabalho que não gosta e que sonha encontrar o amor. Joseph Gordon-Levitt esta brilhante em sua atuação, tanto que nos momentos cômicos (como a cena do musical) e nos amargos. Além da química que entre ele e Zoey Deschanel é inegável. O personagem de Summer é fofo e misterioso ao mesmo tempo, os olhares perdidos e ainda repleto de significados, torna mais fácil conectar com ela, já que parece que ela pertence a outro mundo.

O desenvolvimento do filme é original, alem dos saltos de tempo e as elipses, a trilha sonora é usada para dar dinamismo às cenas. Os diálogos agridoces porem reais, fazem que esse filme sirva de reflexão sobre esse imenso universo que é o amor. Apenas podemos chegar à conclusão que o amor é isso, um vasto universo.

Nota 10

Anticristo (Antichrist)

2010-01-05T19:58:00.001-08:00

Assistir esse filme é confrontar com a própria natureza. Tornar-se testemunha de um fato que sentia bem fudido, mas tinha medo de expressar. Assistir esse filme talvez não possa voltar atrás. Como é pomposo e egoísta Sr Von Trier, também é um virtuoso cineasta e uma pessoa extremamente inteligente (e estranhamente desequilibrada como qualquer gênio, o milagre aconteceu e a toque de magia que consiste não em fazer um filme redondo, porque não é, mas sim uma obra de moralidade ambígua e bem calçada com botas de pantaneiro pronta para desferir um pontapé nas bolas daqueles que não estão dispostos a assistir, porque isso é muito fácil, pensar no filme é o difícil.

E não acho o filme mais transgressor e ofensivo do dinamarquês, por mais que estejam falando isso, apenas o filme levanta uma questão espinhosa para determinados segmentos do publico, que poderiam condená-lo como misógino e o farão. É sem duvida uma maioridade do cineasta e uma das mais belas fotografias que vi em minha vida. O prólogo em si, é uma obra-prima que forja o perfeito equilíbrio da narrativa, tom, cor, musica ambientação e apresentação formal.

De qualquer maneira Lars, como não quer seus personagens, faz o que quer com eles, e isso porque este acostumado a trabalhar com algum dos atores mais corajosos e dedicados, essa mistura acaba parindo uma monstruosidade de indescritível beleza, dolorosa e sincera. E o que é isto? Talvez seja um dos mais profundos mergulhos que foram praticados em busca da origem da maldade humana. E essa maldade, geneticamente e filosoficamente, nasce da mãe, como todo ser vivo como tudo nesse mundo que possa ser limitado a natureza.

Logo após a tragédia, o marido se converte no terapeuta de sua mulher sem ser solicitado, levando-a para sua cabana na floresta para que ela possa enfrentar seus medos, resultantes de uma dor de luto patológico. Sua dor, aparentemente é comum e aceita a morte do bebê com firmeza. O conceito do filme reside em que a mulher traumatizada considera a natureza “a igreja de Satanás”, algo perverso e cruel. E se a natureza é ruim, ruim será sua matriz, seu útero, e, portanto, o feminino.

O corpo feminino não é regido pela mulher, é governada pela natureza, a natureza utiliza cores e aromas para ser fecundada. Na mulher, essa arma de dois gumes é seu corpo e seu próprio sexo. Por isso, parece que depois da morte do seu filho, ela tem medo da natureza e passa a se odiar. Durante uma grande parte do filme nos faz crer que ela tem medo da natureza, mas finalmente compreendemos que é a natureza que repele ela, talvez por ter mostrado a verdadeira face.

De fato, como sabemos justo no momento que tudo esta cheio de sangue, desde o ultimo verão, que seria o ultimo de seu bebê, ela começou a mutilar e espancar os animais (três mendigos) e mudar a posição dos sapatos do filho. Para modificar a natureza, para criar um limbo antinatural e combater (ou entregar) essa dureza, a violência inerente da floresta. Talvez como um ritual satânico, para convencer-se de suas próprias crenças, alimentadas por leituras desagradáveis, como prova irrefutável de qualquer tese que possa ser discutida e defendida.

Mas quando ele descobre tudo flui numa onda de ‘gore’ mais ou menos explicitar que desemboca para o pior dos resultados. ‘Uma mulher quando chora, esta tramando algo’, diz a impressionante e estranhamente bela entre as feias, Charllote Gainsbourg. Ela permitiu a morte do filho, ela utilizou o marido pra morrer, ela acaba tendo toda a razão, apensar que seu marido não a considerava tão inteligente e chamou sua tese de simplista. Eventualmente, o marido se torna um assassino, e descobre que os sintomas que ele diagnosticou como ansiedade são os sintomas de uma fúria assassina. Ele queria que ela fosse preenchida pelo verde, que fazia parte da natureza, porque ele próprio era.

E a natureza, por fim, acaba sendo cruel como ela previu. Acaba sendo a única assassina real, porque mostra a sobrevivência como assassinato. Porque as tabelas normais de tristeza não existem, é uma infâmia a constatação comprovada de que se pode suportar a morte de um filho. Em um momento, ela diz que quer morrer também, mas ele não deixa...

Existe algo mais prático realista, doloroso e cruel que esse ato?

O paradoxo é que, se todos nós aceitarmos a face cruel e malvada da natureza, porque parece tão demoníaco o antinatural?

No epilogo, todas as mulheres agredidas pelos homens que as consideravam bruxas, sobem para a montanha, liberadas por seu salvador. A floresta esta cheia de braços e de pele, não há distinção entre a natureza humana e a natureza verde.

Por fim entendemos que o mal é ruim, tanto aqui como lá fora.

Nota 10

O Lado Cego (The Blind Side)

2009-12-28T19:55:00.000-08:00

O filme é carregado de boas intenções e com um louvável espírito de denuncia diante a falta de oportunidades que muitos jovens afro americanos padecem dentro dos bairros mais marginais dos Estados Unidos. Um argumento bem americano, bastante abordado no cine e que não sei, até que ponto resulta num sucesso fora das fronteiras ianques.

O filme não deixa de ser um drama sensível sobre relações pessoais que tentam ressaltar a importância do fato de desfrutar a família, proteger os que te rodeiam, ter um circulo que te apóie, definitivamente, fatores humanos que se entrecruzam dentro de um argumento onde a conexão entre os personagens são fundamentais, em especial, a atípica relação mãe e filho entre Leigh Anne e Michael, sujeitos opostos pela sociedade.

Além disso, o filme é um veiculo mediante o qual Sandra Bullock se confirma como atriz dramática, por dar corpo e alma ao personagem de Leigh Anne Tuohy, uma endinheirada mãe de família que com pouca facilidade de exteriorizar seus sentimentos. Sem duvida, seu papel em ‘The Blind Side’ se converte em uma das interpretações mais relevantes do ano. Sandra conseguiu o fato de estar duplamente nomeada aos Globos de Ouro desse ano.

Nota 6,75

Avatar (nao aguentei e fui de novo no cinema)

2009-12-18T17:58:00.001-08:00

Fui novamente ao cinema assistir essa grande obra que realmente é um clássico instantâneo, para mim é um dos melhores filmes do seu gênero. Ainda que a história se passe neste mundo de fantasia surpreendente, no fundo o filme nos toca-nos a todos no que diz respeito a humanidade. ‘O mundo esta morrendo’ é a terrível sentença que o personagem de Worthington menciona em sua oração ao Deus dos Na’vi e infelizmente, referindo-se a nós como humanidade e nossa amada Terra. Já que o egoísmo e ambição desmedida do ser humano são a grande causa de terríveis tragédias e perdas. E esta em todos os níveis: destruição de obras de artes, escritos e cidade, até a exterminação de povos inteiros e ecossistemas; simplesmente porque não pensam da mesma maneira ou prejudicam nossos interesses. O ‘fique ao lado, porque agora farei minha vontade’ é parte da tendência inata à arrogância dos seres humanos a medida que eles adquirem poder em seus distintos níveis. Este é, portanto, o tema principal desse grande filme. Grande realmente, uma maravilha da ficção cientifica. Acho que tecnicamente pode ser o melhor filme já feito, como discutido antes mesmo de seu lançamento, simplesmente impressionante, de deixar de boca aberta ao ver esse magnífico mundo novo, que é tão palpável e tão bonito que nos dá vontade que exista pra podermos visitar.

Trilha sonora prodigiosa do mestre Horner, performances dignas em bons personagens que chegam emocionar de verdade. Uma historia para sonhar e refletir. Como já disseram, ‘respeitar o direito alheio, é a paz’.

Pode que às vezes, pareça maniqueísta, ao apresentar vilões representantes de companhias (algo parecido com Aliens ou Terminator, também do mesmo diretor) como seres sem compaixão e dispostos a passar por cima de quem seja, para conseguir seus objetivos, mas muitas vezes a Historia nos deu razão para que isso aconteça dessa forma. Parece ridículo, mas o ‘saia de sua casa, que tenho que usar ela agora para o meu beneficio’, temos visto de maneiras menos agradáveis através dos anos em diferentes partes do mundo. E o herói clássico que chega com uma mentalidade bélica e corporativa, mas o ficar em contato com as tradições e costumes de dito povo, muda sua forma de pensar e se converte em peça fundamental de sua defesa e proteção. Ainda assim, não estou cansado desse herói, que nos faz lembrar e repensar sobre o que realmente é importante na vida e neste mundo.

Avatar

2009-12-17T21:24:00.000-08:00

Avatar é um filme que combina de forma insólita os três pilares de uma obra prima: entretenimento, arte e educação, tudo em uma aventura de imersão, exploração, ciência e sentimentos.

Na verdade, este filme não é uma historia e sim uma experiência. É algo a ver e abraçar, algo que deve sentir. Algo que ninguém deve perder e não pelo amor intenso ao cine, mas sim pelo amor ao mundo, ao amanha, as pessoas, a vida e as alternativas, no seu lado belo e cruel.
Este tem a forma de uma metáfora cruel, sobre a frágil condição do homem rodeado de tecnologia, representado por um soldado espacial confinado em uma cadeira de rodas; esse personagem, um dos muitos ‘personagens feridos’ do filme, é o único consciente de sua fraqueza. Os outros, sem saber, também estão imobilizados embora de forma ilusórias de veículos, armas e armaduras errantes.

Somente deixando pra trás tudo isso e aprendendo a amadurecer e sonhar de verdade, pode abraçar a natureza e encontrar algo realmente valioso que temos perdido e depois andar de novo.

Sem a pretensão de iniciar um subterfúgio, parece pertinente observar que no cinema tudo já foi dito. O único que permanece aberto e renovável é a forma de contar. E, certamente, a história do cinema é um bom exercício para verificar o antes enunciado.

A principal idéia de “Avatar” é que o primeiro inimigo que temos que vencer somos nós mesmo. Nesse diálogo interno, sobre esta vida e a outra, nessa busca no ‘nirvana’, apenas nós mesmo somos capaz de encontra, metaforizada em ‘Tsahik’. E também ao mesmo tempo, derrotar os preconceitos, simbolizados no filme em batalhas e lutas.

Agora, James Cameron condiciona com seu estilo sublime e magistral, que se não faz parte do imaginário coletivo, de que outras formas podem observar visualmente os recantos da alma? Como deve ser essa viagem interior - as informações sinápticas entre os neurônios -, perfeitamente simbolizados no filme por meio da Árvore de Vozes. Como falar consigo mesmo (Tsahik)?

Sem duvida uma das melhores idéias de “Avatar” é o ambientalismo que promulga: a união dos humanóides com a natureza e animais através das ligações é utópica e ainda bonita. Desejamos que realmente esse mundo existisse. Pessoas que vivem em perfeita harmonia com os animais, que se comunica com eles e os respeitam, tudo conectado e tudo que nasce de Pandora retorna a ela. Inveja dessa raça.

O roteiro previsível é totalmente perdoável depois de tamanho deslumbre.

Nota 9

Il Mare (Siworae)

2009-12-07T16:41:00.000-08:00

Apesar de que ‘Il Mare’ parte de uma premissa fantástica um tanto infantil, e também tem alguns elementos fantásticos inverossímil, é preciso muito pouco pra deleitar todos os sentidos, e pouco mais para configurar como uma madura reflexão, em toda regra, das relações sentimentais e das lacunas emocionais. Esse elemento fantasia nos introduz numa historia de amores impossíveis, que poderia partir de qualquer outro antecedente, talvez mais realista, porem o filme perderia o charme e não seria bem sucedido em sua reflexão sobre a solidão e os sentimentos.

Todo aspecto fabuloso fica em segundo plano, apesar de lançar bons pontos de apoio para especularmos sobre a estranha situação de Sung-hyun e Eun-ju, e sobre sonhos temporários. Como eu disse, apesar da abstração interessante que pudemos embarcar na premissa do filme e sobre alguns incidentes no desenvolvimento da historia, todos os componentes estão administrados pelo componente dramático e romântico; tanto que fica eclipsado; tanto que ‘Il Mare’ poderia ser considerado uma grande obra do realismo fantástico, por nos fazer perder de vista sua natureza fantasiosa e apresentar a historia como algo real que poderia acontecer a qualquer um. Quem diria que ‘Il Mare’ é cinema fantástico, irreal, ficção - cientifica? Quem considera mais real que muita coisa do cine de Hollywood? Acho que é mais fácil, poder trocar cartas com Emily Brontë, do que viver as aventuras de Tom Hanks ou Angelina Jolie, ou um dos quaisquer amores de Sandra Bullock.

Cada cena é um retrato vivido e de requintada beleza, de solidão, de solidão que bate em muitas figuras do filme, e em cada ambiente plasmado. ‘Il Mare’ é um refugio em todos os sentidos: como um filme, para o espectador, como casa, para os protagonistas.

Todo no filmes tem um efeito calmante que atua sobre nós e os personagens.

Como em muitas obras de outros autores orientais (Miyazaki, Kim Ki-duk...) é muito importante a personalidade dos espaços, proporcionando um caráter único, ligado aos protagonistas, algum dos enclaves do filme, que no caso A casa, que oferece aos protagonistas uma reflexão de si e um refugio na sua imagem e semelhança, protegido do mundo, lhes poupam a vulnerabilidade de fechar se simplesmente em si mesmo. ‘Il Mare’ poderia ser uma ‘Casa de Usher’ e não me surpreenderia vê-la desmoronar junto como os personagens.

Nota 9

Lua Nova (New Moon)

2009-11-24T17:24:00.000-08:00

Diante da opinião que tenho sobre o primeiro capitulo da saga Crepúsculo (um dos piores filmes que vi em minha vida), parece uma impostura ou um ato de masoquismo reincidir no tema assistindo a segunda parte da saga, Lua Nova. Não obstante, esta o dever da critica em explorar ou dar uma nova oportunidade a filmes emoldurados numa saga. Pode ser que o material base (nesse caso, literário) não alcance muito, sem embargo casos como os filmes de Harry Potter tem demonstrado que a arte cinematográfica, com seus códigos diferentes da literatura, pode oferecer produtos desnaturados e frios, sim, porém, também algo notável.

A dúvida em torno de Lua Nova fica presente. Será que podem realizar com o material, um filme no mínimo decente? A resposta a essa questão esta no primeiro plano oferecido, desde a primeira frase em off. Essa resposta é um firme e soberano não.

Dissipada essa questão, somente resta tentar realizar uma analise mais fria possível sobre o que nos oferece. A palavra tentar não é gratuita, já que realmente é complicado discernir se estamos assistindo uma tremenda piada ou se os realizadores estão verdadeiramente convencido que seu atentado cinematográfico ao bom gosto esta sendo levado a cabo, da melhor maneira possível.

Claro que poderiam argumentar que Lua Nova, não engana ninguém e nem pretende. A diferença esta em discernir, o que se entende por honestidade. Se quiserem ganhar dinheiro da forma mais rápida, fácil e vulgar, então sim, estamos diante do paradigma da honestidade. Agora bem, se o que pretende é dizer que pretende capturar o ideal romântico adolescente, então, deveriam abrir um debate sobre o que realmente é romantismo.

Evidentemente o amor, a sensibilidade, não é uma ciência exata. Não existe um marco cientifico que defina como alguém deve sentir diante dessas questões e muito menos, tratar de impor um modelo publico adolescente no qual esta dirigido descaradamente o filme. Precisamente, ai esta radicada a falta mais grave cometida, tentar impor sobre o que supostamente seja o amor com o conseqüente prejuízo e desprezo pela inteligência e sensibilidade dos outros.

Poderia falar sobre confusão, erro de referencia, mas a repetição ao longo do filme dos mesmos tipos de frases e atitudes nos traz a idéia de uma intenção a priori. Vejamos um simples exemplo: “Você me da tudo com o ar que respira”. Uma frase logicamente bonita e sensível, que poderia funcionar perfeitamente num drama amoroso como Romeu e Julieta (obra que em vão é tomada como referência). Agora bem, que sentindo tem expressar-la no marco de uma conversa banal? Pretendem que assim consigamos entender a sensibilidade de um vampiro? Para que então serviu o primeiro filme? O resultado é que, longe de emocionante, a frase torna-se, como o tom geral do filme, uma espécie de banalização do sensível, uma forma de degradação, corrompendo e mesmo pervertendo o próprio conceito do amor, reduzindo-se ao nível de um romance de Danielle Steel.

Mas como, não só de palavras vive um cineasta, não duvidam em orquestrar todo um sistema visual em torno de sua busca pela beleza que resulta numa composição kitsch indigesto baseado num conjunto simplista de iluminação e cores que tentam sem sucesso refletir o estado anímico dos personagens. Alem do fatos que os protagonistas acabam por serem meras figuras de passarela numa luta feroz para ver quem é mais atraente. Nada melhor que um desfile contínuo de torsos nus e abdominais marcados, com singulares e ridículos takes em slow motion para mostrar que por trás do macho alfa também existe um coração.

No entanto, existe algo realmente positivo em Lua Nova, e é sem querer, tornar-se o primeiro filme totalmente interativo com a platéia. Se o que acontece na tela não importa ou simplesmente entedia (nada estranho, devido o argumento) temos que prestar atenção na platéia para termos uma diversão absoluta. Gritos e suspiros, desesperada admiração, lipotimias fingidas.

Essa é a magia do cinema, conseguir que um dos piores filmes, transcenda a tela, como uma versão perversa de A Rosa Púrpura do Cairo, para receber o milagre de se tornar um verdadeiro espetáculo, transformando o silêncio da sala de cinema em pouco menos que uma orgástica revolução hormonal. Isso sim, a vergonha não esta, nem se espera, apenas se assoma em sua forma mais cruel, a vergonha alheia.

Nota 1 (pelo abdômen do Taylor Lautner)

Paranormal Activity

2009-10-27T21:44:00.000-07:00

Deixando de lado toda a qualidade intrínseca do filme, inclusive os gostos particulares de cada um, têm que reconhecer que Daniel Myrick e Eduardo Sánchez, diretores de The Blair Witch Project, tiveram a capacidade de oferecer algo novo e refrescante dentro do panorama cinematográfico, um produto que surpreendia pelo risco da sua proposta. Esse foi o filme que revolucionou aparando em um formato que até o momento parecia ser uso exclusivo de documentários, ultrapassava os limites da realidade e da ficção criando uma atmosfera onde o autentico terror era produzido pela inquietação do ‘real’.

O estranho é que devido o êxito da produção (e mais tendo em conta a rentabilidade econômica do mesmo) esse fenômeno demorou tanto a ser usado de forma habitual. O problema esta em que uma vez começado, o processo passou ao oposto extremo, a exploração exagerada do recurso, convertido em algo alheio a própria necessidade argumental do filme e tornou-se algo repetitivo, redundante. Um recurso que esta longe do frescor inicial, começa a produzir sinais de esgotamento pela falta de inovação.

E é que, apesar do que a produção mesmo sugere, não é nada fácil filmar uma historia desse tipo, principalmente porque nesse caso, o que importa antes de tudo nem é a qualidade das interpretações ou a correta elaboração do roteiro, mas sim capturar a essência, que consiga de um modo subconsciente que a ficção se torne uma realidade indiscutível.

Este precisamente é o maior erro de Paranormal Activity, crer que com o uso da câmera na mão e uns títulos explicativos sobre a veracidade dos fatos já é suficiente para submergir o espectador na atmosfera necessária.

Assim, o desenvolvimento do filme se situa nos parâmetros da atualidade, oferecendo o habitual desenvolvimento quanto às situações de aterrorizante e a tensão psicológica que geram entre os personagens devido à incompreensão diante dos acontecimentos inexplicáveis que ocorrem ao seu redor.

Inclusive, apesar dessas premissas poderíamos achar se não um bom filme, pelo menos um bom entretenimento. Porem existe uma deficiência no desenvolvimento dramático dos acontecimentos. Por um lado o uso inadequado de elipses temporais apresenta um abuso de manipulação consciente que deixa o senso de realismo desvirtuado e gera uma compreensão distorcida e parcial dos personagens, o que torna impossível uma empatia completa e desativando a credibilidade de suas ações.

O que uma produção desse tipo precisa é essencialmente sutileza, recurso que aparece acertadamente em alguns momentos no filme, especialmente no uso do som e deixar convenientemente o elemento aterrorizante sempre ameaçador e preocupante. Apesar de tudo isso, fica reduzido a quase nada quando os responsáveis pelo filme decidem que não há nada como um explicativo e desnecessário golpe de efeito final que pretende resolver a trama e produzir um impacto sobre o publico. Recurso que me parece simplista, tendo em conta que o argumento é incapaz de gerar surpresa para que tenha assistido filmes nos últimos anos.

Paranormal Activity, torna-se uma experiência fracassada que em momentos beira o grotesco e a auto-paródia quando suas pretensões ficam anuladas pelo mal uso de seus recursos. Sim, pode ser que não tenha interesse transcendental em sua realização além de mero divertimento, uma brincadeira pra passar o tempo. O mesmo se pode dizer de Assombrações do Discovery Channel, ambos são divertidos e tem o mesmo valor cinematográfico: nada.

Nota 3

Trick 'r Treat

2009-10-19T18:18:00.000-07:00

Interessante filme de horror que utiliza o recurso pouco visto dentro do gênero de interconectar historia entre si ao melhor estilo Crash, Amores Perros ou Pulp Fiction.

A estratégia surte efeito, porque pouco a pouco vamos vendo como desde perspectivas diferentes nos vão contando um relato que vai entrelaçando diferentes historias que se intercalam em determinado tempo e espaço.

O contexto da situação é a noite de Halloween, ali a narração começa a seguir diferentes personagens que pouco a pouco vai se conectando entre si, dando sentido ao que ‘a priori’ pareciam ser historias que nada tinham a ver entre si.

Um dos méritos do filme são a sua montagem e direção de arte ambientada esteticamente de maneira gótica e lúgubre. A brilhante atmosfera noturna de um povoado festejando o Halloween, onde nas ruas se disfarça o horror (camuflando assassinatos reais) e onde nos arredores dessa localidade ocorrem fatos misteriosos que absorvem a atenção do espectador.

Mas também temos uma excelente fotografia e uma asfixiante trilha sonora para acompanhar corretamente o clima de tensão e mistério, aparecem na tela bons efeitos especiais quando chega o momento de mostrar o sobrenatural e uma vital dose de sangue e truculência para aqueles que necessitam de hemoglobina num filme de horror.

Por fim, uma grata surpresa dentro do gênero, um filme que mescla slasher, vampirismo, lobisomens e espíritos de maneira fluida, sempre emoldurada de toda parafernália que envolve o Halloween.

Nota 7,8

A Trilha (A Perfect Getaway)

2009-10-19T16:53:00.000-07:00

Estamos diante de um desses filmes que ate o ultimo terço resulta super previsível ou ao contrario um entretido filme de suspense, mas ignorem a sinopse, não busquem ver o trailer, apenas assista-a, assim poderá julgar se é entretida e poderão estar de acordo comigo (ou não) que é difícil surpreender quanto à trama e os giros de roteiro, mas o que nos faz esboçar um sorriso de orelha a orelha é Steve Zahn (delicioso, como nunca).

Omito a propósito qualquer referencia quando a singularidade dos papeis dos outros atores encarregados de manter o motor funcionando, as cenas são linda gravadas no Hawai, Jamaica e quase em sua totalidade em Porto Rico e por ai estão Milla Jovovich (apenas linda como sempre), Timothy Olyphant e Chris Hemswort (o cara que vai encarnar Thor,o Deus do Trovão, no esperado filme a cargo de Kenneth Branagh) e juntando tudo isso, resulta num filme divertido.

Nota 6

Infestation

2009-10-16T17:05:00.001-07:00

Cooper perdeu a mãe recentemente e tem uma inconsistente vida laboral, sempre chega atrasado e tenta as mesmas brincadeiras de costume, mas sua chefa esta cheia de seu comportamento e decide despedir-lo, momento no qual se escuta um estranho e penetrante som que os fazem levar as mãos aos ouvidos com o rosto estampando dor e a tela escurece.

Na seguinte cena vemos o escritório repleto de estranhos casulos cobertos com uma espécie de teia, um dos quais esta Cooper, que logo recupera o conhecimento e olha assustado ao seu redor e sem tempo de assimilar a situação se vê atacado por um gigantesco escaravelho com dentes e com pinças ameaçadoras e envergadura similar a um São Bernardo do qual consegue escapar para logo em seguida ser atacado por outro bicho que esta pendurado no teto e que cai em suas costas de surpresa.

A partir desse momento, com a aparição de outra variante alada dos bichos que atuam agarrando as pessoas como se fossem águias e levando-os, nas particularidades do grupo de sobreviventes e a relação que estabelecem entre ele e outros grupos que vão encontrando, temos uma modesta, entretida e divertido filme B com todas suas regras, na que a ação não decai e nenhum momento, com um desenvolvimento da trama na comedia e no terror em partes iguais (suave, nem comedia descerebrada, nem muito gore), com sua correspondente historia amorosa, suas ótimas gags (tanto no nível do dialogo, como no visual), com uns efeitos especiais e trabalho autoral digno.

Ray Wise entrega carisma e tem a seu cargo as melhores cenas e Chris Marquette no papel do filho deste, é o eixo da historia (relações familiares, amorosas e de autoconhecimento que desemboca no enfrentamento final).

Gags para recordar: solipsista, o encontro com “Lucy” e a confissão de Cooper a sua amada se caso for picado.

Nota 8

9 - A Salvaçao

2009-10-12T19:09:00.001-07:00

‘9’ esta sendo promovida como um dos melhores filmes de animação dos últimos tempos, aparando-se na fama de um de seus produtores, Tim Burton. A verdade é que qualquer fã de animação vai ter um momento interessante.

Esteticamente a escuridão do ambiente, a qualidade da imagem e certa amargura de fundo, aportam certo valor.

Talvez o mais significativo seja a alegoria que se esconde atrás de cada um dos personagens: 1, encarna o valores do passado (igreja, aristocracia), o medo da mudança e a individualidade extrema; 2, a amizade; 3 e 4, representam o par e o impar, irmãos na cultura e no livresco; 5, o limite, o olhar dividido entre os valores do passado (1) e do futuro (9); 6, a lucidez da loucura e do obscuro; 7, o feminino, o afortunado, ousado e aventureiro; 8, a força bruta sem raciocínio e finalmente 9, o ultimo, o jovem, o final de um ciclo. Esse tratamento metafórico alcança outros dois pólos da ação: o cientifico (encarnação da fonte da criação humana) e A Maquina (como representação da fonte criadora do artificial). Muito mais se poderia dizer de tantos símbolos presentes na caracterização dos personagens.

Até aqui esta o melhor do filme. Uma pena que a simplicidade do assunto inicial: um mundo apocalíptico ameaçado por monstros de metal, que o homem havia criado como armas e acabou tornando-se os extintores da humanidade. O roteiro tem falhas, como estar num momento no deserto e no outro num laboratório, a história não tem nada de original, nem no desenvolvimento, nem no desenlace. Muita ação, alguns efeitos, mas esse filme esta há anos luz da maturidade e profundidade da animação que são feitas em outros países.

Nota 5

Distrito 9 (District 9)

2009-09-07T14:59:00.001-07:00

Duvido muito que o jovem Neill Blomkamp com somente 29 anos, chegava a sonhar com “Distrito 9” quando quebrava a cabeça realizando efeitos especiais para series como Smalville e Stargate SG-1. Mesmo não podendo mostrar sua genialidade nessas series, podíamos ver um esboço de talento, ao menos nos efeitos, na famosa campanha do Citroen C4 robótico. Todos dão um exemplo que como podemos mesclar criações digitais em ambientes reais.

Sua carreira avançava pouco a pouco, quando em 2007 realizou a trilogia de curta de Halo, o famoso jogo eletrônico, chegando a ganhar um premio no Cannes Lions de 2008. Então apareceu Peter Jackson com o mesmo sonho de Blomkamp, realizar o live action de Halo.

Trabalhou duro nisso, mas os problemas com as distribuidoras e com a Microsoft, dona dos direitos de Halo, fizeram Peter Jackson desistir de seu tão esperado filme. Mas o sonho de Blomkamp não havia terminado, entre encontros dói vendendo uma idéia que ele tinha tido anos atrás. Em 2005, Blomkamp havia dirigido e feito os efeitos digitais de um curta chamado Alive in Joburg, um documentário falso sobre refugiados extraterrestres em Johannesburgo. A idéia lembrava velhos filmes como Alien Nation, mas Peter Jackson sentiu interessado pelas grandes possibilidades que a idéia oferecia.

E por fim, temos “Distrito 9” disponível. Gerou grandes esperanças e a campanha de marketing viral tem sido esplêndida, fazendo que campanhas milionárias sejam sucumbidas ao bom e velho boca a boca.

Apesar de tudo que já foi dito, o melhor é que o filme é magnífico. Longe de todos os clichês de ficção cientifica e um roteiro mais coerente. Um filme que alem de entreter, aprofunda nos males endêmicos da raça humana, já que, depois de vinte anos na Terra, os extraterrestres se humanizaram e isso torna a dor muito mais evidente pelo tratamento que recebem. Algumas cenas de ação chegam a ser muito pesada em alguns momentos, mas a qualidade final alivia o fardo.

Neill Blomkamp esta magnífico na direção. O toque documental ficou ideal no filme, sem pesar ou irritar os movimentos da câmera. Considero um grande acerto, que quando não seja oportuno, Neill muda de plano para mostrar a seqüência desde uma melhor posição, sem estar atado ao tipo que leva a câmera no ombro, graças a isso, o momento que o filme deixar de ser um falso documental é quase inócuo.

Os atores são desconhecidos e estão perfeitos. É surpreendente a atuação de Jason Cope, o desenvolvimento de seu personagem através do filme é sensacional, passando de uma antipatia inicial ate a pena no final.

Por isso é um filme que será cultuado, filme que revitaliza e engrandece a ficção cientifica.

Fazia anos que não via um sonho se tornar realidade, por fim.

Nota 10

Up - Altas Aventuras

2009-09-06T15:19:00.000-07:00

Pixar novamente nos trás uma obra prima inesquecível do cinema de animação e nesse caso, seu melhor filme sem dúvida. Pura imagem, puro simbolismo, puro cinema.

“UP” narra a historia de um ancião cuja vida foi compartilhada com uma intrépida mulher ansiosa por aventuras que não puderam viver antes que a morte dela os separasse. Agora, Carl Fredricken quer demonstrar a si mesmo que não desperdiçou sua vida e para isso empreenderá a viagem de sua vida... Com a companhia de um menino muito especial chamado Russel. Unidos pelos mesmos sonhos de infância, Carl e Russel se lançam a explorar a América do Sul.

As imagens iniciais resumem perfeitamente o que chamamos de cinema, sem palavras as imagens dizem tudo. O filme emprega a animação 3D com acertos e uma originalidade que somente Pixar nos surpreendeu em varias ocasiões, destacando Ratatouille e Wall-E. O sentido de humor é vislumbrado por todas as partes com grande imaginação de personagens, cenas e historia. Tem momentos estupendos por todo filme: a divertida cena e tocante cena que Carl e Ellie se conhecem, as hilariantes aparições de Kevin e Dug, as conversas dos cachorros com colares tradutores e a simplesmente espetacular decolagem da casa do protagonista. Também é preciso destacar o singular antagonismo, um vilão poderoso e carismático, bastante ambíguo e dinâmico diferente do que a Disney costuma oferecer.

Humor, ternura e mensagens plasmadas em imagens antes de palavras elevadas a potência máxima. Talvez essa seja a melhor mensagem da Pixar, ainda que não seja a primeira vez que nos mostra, mas sem dúvida, aqui tem uma força maior: nunca se render, nunca desistir enquanto podemos lutar e nunca deixar de sonhar. Como em um momento Guillermo Del Toro disse: ‘Uma pessoa, por mais que envelheça, pode seguir jovem no intelecto e sentir-se viva durante toda sua vida’. Nunca foi mais bem dito, esse filme é um perfeito reflexo disso, uma representação de imagens espetaculares sem palavras vazias. Juventude e sabedoria, como ingredientes para superar os maus hábitos.

E como vemos no final do filme: sentados, a criança e o velho sobre o meio fio tomando um sorvete e ao lado um dirigível estacionado (a metáfora de estar disposta a outra viagem em busca de aventura), pois a batalha da felicidade não é um troféu esquivo. Não é questão de ler livros de auto-ajuda para alcançar a felicidade, mas sim a resolução e imaginação para sentar-la ao seu lado

Temos que viver de pequenas utopias.

Nota 10

G.I. JOE: A Origem de Cobra - G.I. Joe: The Rise of Cobra (2009)

2009-08-06T18:55:00.000-07:00

Buscar profundidade no roteiro de filmes baseados em exitosas linhas de brinquedos é inoportuno, podendo resultar quimérico. Transformes, Masters of Universe e os próprios G.I. Joe são brinquedos cujos argumentos se baseavam num simples confronto entre as forças do bem e do mal, assim que, quaisquer leituras um pouco mais alem beira o ridículo.

Portanto não é estranho estabelecer que o roteiro do novo filme de Stephen Sommers não é mais que uma sucessão de ataques e contra ataques para conseguir uma perigosa arma de nanotecnologia entre os citados G.I.Joe’s, os bons e uma embrionária organização terrorista chamada Cobra, os maus. Esse raso e simples desenvolvimento somente será perturbado por algum ou outro flashback explicativo sobre o passado de alguns dos personagens, também raso e simples em sua totalidade.

Dito isto, chegamos a uma nada complexa conclusão que o único valor dos G.I. Joe esta na vontade de levar a ação num apogeu constante através de impactantes e vistosos efeitos digitais, objetivo que consegue de forma fácil, mas que me faz perguntar se para conseguir-lo é necessário renunciar um roteiro minimamente inteligente.

Como era de se esperar, a ação mistura sem interrupções façanhas bélicas, perseguições, explosões, arte marcial e prodígios tecnológicos, ornamentando vistosamente todos os elementos através de um trabalho técnico inquestionável que talvez canse em algumas cenas (como nas cenas do deserto ou sob a água) até ponto de assemelharmos a uma tela de vídeo game de ultima geração ou um fragmento de um filme em animação 3D.

Conclusivamente, o diretor fez um produto de entretenimento ligeiro, infantil e esquecível, apto para adolescentes sem nada pra transcender e que dependendo de sua bilheteria esta destinado a gerar varias sequências.

Nota 5

Brüno

2009-08-03T19:59:00.000-07:00

Brüno - Deliciosas Jornadas Através da América com o Propósito de Deixar Machos Heterossexuais Constrangidos na Presença de um Estrangeiro Gay Vestindo uma Camiseta Furadinha

Como descrever a euforia? Como contar o prazer supremo? Como aplicar uma lógica a milhares de risadas vividas? Não se pode.
Posso contar o fato. Ri mais de duzentas vezes durante o filme e gargalhei umas 100, aplaudi umas 10 vezes. Um amigo e eu ovacionamos ao término do filme como se tratasse da estréia em um festival de uma obra prima.
Não era um festival, mas Bruno é uma obra prima. Uma obra prima absoluta, indiscutível, avassaladora. Um monumento ao riso que me faz incapaz de lembrar milhares de situações e gags que me fizeram quase perder o sentido. Porque sim, te faz perder os sentidos, com sua descomunal provocação, por ser politicamente incorreto, com sua bestial vergonha alheia, com sua coerência argumental e estilística.

Bruno é a obra de um gênio. Não sei se o gênio é o sensacional Larry Charles ou se é somente Sacha Baron Cohen. O que fica claro é que o segundo não é somente um ótimo ator, mas também um grande roteirista. O que fica claro é que atrás de Ali G e Borat, esta o melhor cômico do século 21. Alguém que consegue elevar a comédia suja à categoria de arte. Alguém que consegue que seja impossível dar explicações. Alguém que consegue gerar o prazer absoluto. Alguém que consegue que não passamos mais de 20 segundos sem cairmos na gargalhada.

É fácil assistir Bruno e ficar bobo ao ver cenas sexuais, brigas e linguagem vulgar, mas se presta atenção vera que é uma brutal critica ao mundo da moda, dos homofóbicos, aos fanáticos religiosos, ao exercito, aos terroristas, os pais que fazem tudo pra seus filhos estarem em anúncios publicitários e etc.

Escandalizara-te ou não, mas hoje não existe nada e ninguém tão critico e hilariante como Bruno. Dentro de cada sketch existe uma premeditada e profunda critica.

nota 10

True Blood

2009-07-29T20:23:00.000-07:00

A fascinação pela morte, a sensualidade do sangue, a fascinação em convertermos em sobre humanos. A figura do vampiro é um poliedro de tantas faces que sempre atraiu a atenção de um grandioso público, e tem sido uma fonte inesgotável de recriações em todas as artes.

Sem embargo, toda formula se esgota, e já estávamos sofrendo da monotonia do formato de series como ‘Buffy’ ou ‘Blood Ties’, na qual o tema do vampiro é uma simples desculpa para colocar uma loira sexy que domina artes marciais e ocultismo barato.

Em ‘True Blood’, por fim, temos um novo sopro, uma fresca perspectiva que deixar satisfeito tanto os fanáticos do tema como os iniciantes que se aproximam buscando uma historia de intriga, amor e aceitação social.

Ambientado num pequeno povoado sulista de Luziânia, a serie apresenta como vivem as pessoas depois da revelação da existência de uma espécie que viveu oculta entre eles durante anos: os vampiros, que decidem se revelar graças a uma empresa japonesa que criou uma bebida de sangue sintético (Tru Blood) que pode facilitar sua integração. Mas a aparição de um vampiro na comunidade começa a semear a desconfiança ante o desconhecido, e ainda mais quando uma doce garota do povoado, Sookie Stackhouse, se envolve com ele numa relação amorosa mal vista por todos, e onde começa a suceder no povoado misteriosos assassinatos.

Metáfora da segregação racial sulista ou simples relato fantástico?

É curiosa a fascinação que Alan Ball (o criador) sente pela morte, ainda que ‘True Blood” esta longe de sua criação anterior (Six Feet Under, que se tornou uma série cultuada), mas que volta incidir sobre o aspecto mórbido da morte, o não-vida nesse caso. Mas em ‘True Blood’ tudo tem uma matiz de crueza e humor negro que faz qualquer passagem da trama ser apenas uma epifania da verdadeira natureza humana.

Nota 10

A Vida Secreta das Abelhas (The Secret Life of Bees)

2009-07-29T19:28:00.001-07:00

No respeitável ofício da apicultura, existe um momento que tem que deixar os zangões repousando na colméia e cobrir-los antes de elaborar o delicioso mel que dali pode sair. Nesse momento, nem o artesão sabe o que podem fazer as abelhas. Tal segredo, que somente sabem esses himenópteros é comparável a vida que levam as três irmãs Boatwright que são negras, a desequilibrada May (Sophie Okonedo), a antipática June (Alicia Keys) ambas dependentes da mais velha, amável, sabia e maternal August (Queen Latifah). As três vivem numa casa pintada com um chamativo rosa caribenho em Tiburon (Carolina do Sul), sem que os acontecimentos que antecedem a assinatura da Lei dos Direitos Civis de 64 afetem suas vidas, baseada na calma do lar e o amor ao trabalho da apicultura. A chegada de uma garota branca de quatorze anos, Lily (Dakota Fanning) e sua ‘empregada’ Rosaleen (Jennifer Hudson) pedindo abrigo, precipitará os acontecimentos posteriores ate saber o motivo pelo qual a jovem chegou à suas vidas e não é por casualidade. As Boatwright são as abelhas que vivem numa vida plácida sem que nada lhes aflija ou que se intrometa em sua ‘colméia’.

Mas voltando a historia de Lily, quando escutamos no seu novo ambiente cheio do universo feminino que ‘nenhuma abelha que te ama quer te picar’, quando esta aprendendo a trabalhar com o mel das abelhas, compreendemos a mensagem desse bonito filme que sem complicar com denuncias racistas, prefere através do olhar de uma adolescente dizer a verdade.

Dakota consegue convencer em sua personagem, seu ideal de uma vida cheia de boas intenções, sem que isso pese a mão em um melodrama funesto. De todas formas reafirma o ditado: Nunca deixe de sorrir nos momentos mais difíceis, porque alguém pode apaixonar-se pelo seu sorriso.

Todo o demais no filme tem um fundo histórico que em ocasiões fica em primeiro plano em alguns dos momentos mais dramáticos do filme (o racismo, a relação de Lily com seu pai, etc.) numa comparação com a vida secreta das abelhas, nos dando uma verdadeira lição de trabalho comunitário, sem distinção e buscando a felicidade através da fabricação do mel. ‘Mel” que seria um termo que usaríamos muitas vezes pra descrever algumas passagens interessantes de nossa vida, mas que algumas vezes deixamos de lado.

‘Alguém nos picou. ’

Nota 9

Presságio (Knowing)

2009-06-28T19:59:00.000-07:00

Como esse filme trata de profecias também soltarei uma: Alex Proyas no futuro merecera a mesma consideração que hoje temos por Roger Corman ou de Terence Fisher, isto é, estará dentro de um grupo de diretores de quase sempre o mesmo gênero e quase sempre os filmes são medíocres e contem um toque pessoa indiscutível e alguma chispa de genialidade que para alguns fãs mais motivados compensam os convencionalismo e defeitos de suas obras. A obra prima de Proyas será “Dark City” e todos os outros filmes estarão bem abaixo. Num dos postos mais baixo encontramos ‘Knowing’ cuja sinopse é bem sugestiva: uma escolha celebra o dia de inauguração oficial enterrando uma cápsula com desenhos que os alunos imaginam como será o mundo cinqüenta anos depois, data que os sucessores nas aulas abrirão novamente a cápsula. O simpático mundo do final dos anos 1950 esta bem recriada, com uma leve ironia (a professora bem penteada e vestida impecavelmente, a cerimônia com bandeiras ao vento e a musica de Holst tocada por uma banda) e também conseguem uma atmosfera de expectativa e mistério. Logo chegamos ao futuro (nosso presente) e temos Nicolas Cage com seu papel de pai bêbado em crise existencial pela sua viuvez e ai o filme desanda, a partir desses minutos o filme parece um balão furado que fica desgovernado e vai ficando sem pressão ate cair. ‘Knowing’ tem um roteiro desastroso que tenta conciliar vários gêneros, todos muito ao gosto do publico norte americano: a exaltação da família tradicional, o cine catástrofe e o terror e a ficção científica. A psicologia dos personagens é inconsistente e suas relações (pais-filhos, fraternais, amistosas, docentes - as cenas de divulgação cientifica são vergonhosas) são apresentadas da forma mais inverossímil, falsa e convencional (convencional como o pior do cine norte americano). Proyas sabe criar atmosferas, mas caracteriza os personagens de forma vergonhosa, seu sensacionalismo é tão conatural ao seu estilo que não sei se o culpo ou elogio, porque são momentos de efeitos (normalmente em forma de sustos ou catástrofes) que mostram a ruína narrativa do filme. Sem eles ‘Knowing’ seria um campo de ruínas.

Sobre tudo, me interessa descobrir nesse filme algo que ultimamente reparo em muitas obras estadunidenses: não só o reflexo de sua convicção ou intuição de sua mudança de sensibilidade ao religioso. EUA parece que deixou de acreditar em Deus ou ao menos, sua religiosidade não tem nada haver com há de alguns anos atrás. Agora a Bíblia é mais um baú de extravagantes profecias e superstições variadas, não um guia moral nem um deposito de certezas infalíveis. Desapareceu a fé inabalável na proteção divina a America, os anjos otimistas e patriotas norte americanos (de fato, aqui Deus não só não abençoa a America como a destrói por completo), já não são o povo elegido e veem sinais do final do mundo em tudo: o aquecimento global, o terrorismo internacional, os acidentes aéreos, as crises de família tradicional.

Resumo, nossa sociedade segundo os roteiristas de Hollywood esta em profunda decadência, Deus não existe, a Bíblia esta equivocada e o planeta têm as horas contadas.

Resta-nos confiar nos extraterrestres.

Nota 3

Arrasta-me para o Inferno (Drag me to Hell)

2009-06-15T20:34:00.000-07:00

Num roteiro escrito por Sam Raimi e seu irmão Ivan Raimi e na falta de Bruce Campbell temos Alison Lohman como protagonista, temos a historia que conta a luta de Christine Brown, uma empregada bancaria que é amaldiçoada por uma sinistra anciã chamada Sra. Ganush quando ela rejeita uma proposta de terceira extensão da hipoteca de sua casa, com isso ela começa a ser atacada primeira pela velha e logo por forças demoníacas que pretendem levar ela para o inferno, afetando seriamente sua integridade física e vida social, assim tendo que buscar ajuda profissional.

17 anos depois de “Evil Dead 3”, Raimi volta a nos presentear com uma hora e meia de pura delicia na qual desfrutamos como locos com dita saga que desde seu primeiro filme vem sido imitado e Raimi faz um ‘back to basics’ com essa horripilante e divertida jóia que demonstra que esse homem se preocupa com seus fans (especialmente os de ‘Evil Dead’).

Como não podia faltar, voltamos a encontrar com o velo Oldsmobile Delta 88 amarelo de 1973, utilizado por Raimi em todas suas produções (menos em ‘Rápida e Mortal’), também vemos Emma Raimi como a filha da velha e a Henry e Lorne Raimi.

Parece que o papel de Alison Lohman estava previsto pra Ellen Page interpretar, mas ela saiu de ultima hora do projeto. Alison Lohman às vezes esta desorientada como personagem principal onde não ficam muito claro suas virtudes ou defeitos ante uma ou outra situação, ficando muita a deriva em algumas cenas, mas não creio que seja pela má atuação, já que o tema não é um produto de muita imaginação e se nota um roteiro não muito inspirado onde existe muito lugar comum. O fato de ser um tanto previsível muita das ações do enredo limita o resultado final.

Recomendável.

Nota 8

Star Trek 2009

2009-05-09T10:42:00.000-07:00

Épica, veloz, magnética, absoluta, stefhany... Essa é a perfeita descrição do novo filme de Star Trek, filme que reinventa a saga através de um pulso narrativo perfeito que não da um minuto de fôlego para o telespectador. Espectador que se vê numa armadilha de duas horas de uma autentica tour de force visual, porque se tem algo que admirar nesse filme é seu aspecto técnico, seja pela trilha sonora (magnífica, que se ajustam perfeitamente as imagens) ou pelos efeitos especiais (os melhores no panorama atual), montagem, fotografia, etc...

Uma coisa, não sou um trekkie, sempre gostei mais de ‘Star Wars’, a coisa é que à margem de tudo isso esta J.J. Abrams, que é um cara que respeito bastante apesar de ter feito ‘Cloverfield’, sabe reinventar e ressuscitar uma franquia que parecia morta e enterrada e faz bem. Um filme de aventuras de verdade, sim é ficção cientifica mas é controlada. Assim cria uma historia solida que continua e recomeça a saga.

As interpretações estão corretas, ainda que podemos destacar o Spock, Sylar consegue se desvanecer e logo esta Eric Bana que esta irreconhecível em alguns momentos, ainda que ao falar notamos ele, mas o faz bem. Os efeitos especiais sublimes e isso deveria servir de lição aos filmes que nessa época busca uma boa bilheteria. O ritmo é frenético, as duas horas passam rápido, porque alem da ação a historia se desenvolve fluidamente, igual que os personagens que vai desenvolvendo (não muito, não esperem que seja o mais realista do mundo, tendo em conta no que se baseia).

Se queremos comprar os caminhos que foram seguidos ultimamente Star Wars e Star Trek, temos que ter muito em conta, porque com esse novo inicio promete e muito. Dou boa nota porque merece, um verdadeiro filme de aventura, que tem ação, piadas, historia interessante, como nos velhos tempos.

E Leonard Nimoy é genial e a trilha sonora de Michael Giacchino também (nossa, como acompanha cada cena) que inclusive me emocionou.

Ótimo filme com ar de nostalgia.

Nota 9

O Grupo Der Baader (Der Baader Meinhof Komplex)

2009-05-01T18:08:00.001-07:00

O filme narra mais de uma década do RAF na Alemanha, ainda que com extensão em todo o mundo, um grupo terrorista que atuou no final dos anos 1960 e 1970. O filme conta sua origem, como surgiram numa época tumultuada, cheia de protesto estudantil, atentados, repressão policial. E sim, é terrorismo, porque violência gera violência, assim é demonstrado enquanto transcorre o filme, quando uns jovens aparentemente desocupados, ou seja, preocupados com a ‘paz’ mundial, começam executar uma série de ações. Trata de aprofundar em seus princípios e entender o processo revolucionário desses movimentos e ver seus componentes humanos.

O filme às vezes é cru e incomoda ao mostrar o comportamento de libertinagem de alguns membros da facção, o filme é um retrato das misérias desses fanáticos motivados pelo espírito de maio de 68, libertadores de uma opressão que considera intolerável.

O diretor imprime ao filme um ritmo que acelera e freia segundo o interesse e assim consegue cenas memoráveis como a manifestação contra a visita do Xá da Pérsia. Com muito dinheiro por trás e com duas horas e meia de duração, o filme é quase um documentário, peca por certo didatismo que rompe às vezes um pouco o ritmo da narração, mas são necessários para nos apresentar os fatos.

Andreas Baader é um ativista incendiário, raivoso, o típico anti-sistema que atua antes de pensar e Ulrike Meinhof é a teórica, no principio dedicada a sustentar ideologicamente o grupo e logo se entregando corpo e alma para a luta armada, ainda que tivessem que lidar com freqüência com as contradições que se produziram a força entre o espírito da teoria e a guerra anticapitalista propriamente dita.

Gostei como mostraram a gestação, evolução e ruína do grupo terrorista e as implicações que tiveram com outros grupos internacionais, mas decai na hora de mostrar a parte contraria a reação do Estado e a dos políticos alemães para deter a atividade do grupo terrorista e senti falta de certa critica na hora de mostrar o processo da repressão aos membros do grupo (sem duvida gostariam de colocar-los em camisa de força, mas os produtores não gostariam de se meter em semelhante problema)

No plano técnico sobressaem, os tiroteios, perseguições e outras cenas de ação estão magníficas, todos os atores são sensacionais, fotografia ótima, edição de arte idem e uma deliciosa trilha sonora. Definitivamente uma obra séria e rigorosa.

Nota 8,8

Camino

2009-04-28T22:05:00.000-07:00

Um drama mágico, construído a partir da trágica e real historia de uma menina membro da Opus Dei que faleceu de câncer aos 11 anos de idade e que atualmente se encontra em processo de beatificação.

Um dos mais belos filmes que vi nos últimos anos, a aspereza e a dureza choca com as coisas boas que a vida nos oferece. É admirável a atitude de Camino frente a sua doença e seu sofrimento, mas mais surpreendente é o fanatismo de sua mãe e dos membros da Opus Dei.
O poderoso jogo de imagem deslumbra o espectador e não faz cansar em nenhum momento dos seus 143 minutos. É difícil definir um filme, mas diria que é um canto a vida, uma reflexão sobre a vida e a morte, que utiliza o fanatismo religioso da sociedade. Toda essa idéia foi plasmada com perfeição por Javier Fesser que nos surpreende com essa obra prima. A equipe técnica faz um trabalho excepcional, com efeitos especiais perfeitos unidos a uma montagem notável. A fotografia ilumina a vida e escurece a morte, a trilha sonora sobressai, cria um coro celestial que se relaciona com os personagens e intercede em suas vidas. O roteiro suporta a carga emocional dessa historia cheia de luz, mas às vezes de sombras, é muito contraditória.

Vale destacar que o filme dirige seus ataques diretamente a Opus Dei e não contra a igreja católica em geral. Contra sua maneira de ver as coisas, sempre colocando culpas nos seus adeptos somente pelo fato de existir e levando a um fanatismo religioso extremo dificilmente compreensível inclusive pra os crentes que estão de fora.

Sublime, maravilhosa, triste, dura e de uma beleza tremenda. Talvez esteja exagerando, talvez não entenda de cinema, mas entendo dos sentimentos que foram produzidos ao ver-la.

"¿Quieres que rece para que tú también te mueras?"/span>

Nota 10

Anjos da Noite 3 - A Rebelião (Underworld 3 - Rise of Lycans)

2009-04-27T20:31:00.000-07:00

Vou enumerar os motivos pelos quais consideramos seriamente a opção de entrar numa sala de cinema para assistir um filme e gastar o tempo quando poderíamos desfrutar de outras opções:

-porque desfrutamos de uma tarde divertida, conseguindo por uns instantes esquecer o nosso cotidiano.

-porque consegue que as imagens nos comovam, saindo dessa forma com tranqüilidade da sala.

-porque serve de lição em certos aspectos da vida, conseguindo nos ensinar sobre as questões que ate o momento se mostrava como pouco explorada.

-porque consegue que reflexões sobre tudo daqueles lugares que se configuram em nossa psique nos fazem finalmente humanos.

-porque nos informa sobre acontecimentos recentes ou distantes que afligem o ser humano desde que o mesmo seja merecedor dessa nomenclatura.

-porque conseguem observar a realidade sobre o que nos rodeia desde outra visão, outro ponto de vista, dando um significado distinto a algumas interessadas opiniões predeterminadas pelas mais altas instâncias.

-porque consegue que seus sentimentos se mostrem de uma maneira que somente a arte pode enaltecer, fazendo que se sinta bem, reconfortado.

-porque se priva de uma massa acrítica sobre o que realmente tem importância nessa vida, transitando pela mesma com uma cegueira crônica.

-porque te ensina coisas que há muito tempo deveria ter aprendido.

-porque fala e disserta sobre tudo aquilo que na verdade tem importância nessa vida. Como a amizade, o amor, a inveja, o egoísmo, tudo isso levantado a partir de uma honestidade e credibilidade, sem que haja uma deturpação.

-porque consegue despertar todos os neurônios que ainda permanecem à espera de um estimulo suficientemente poderoso.

-porque (insira seu motivo).

Se esse filme não cumpre com todos os requisitos, porque perder o tempo num dia dedicado ao ócio depois de outra entediante semana.

Nota 2

Feast 3 - The Happy Finish

2009-04-12T20:33:00.000-07:00

Começa onde acabou Feast 2, com os sobreviventes refugiados no telhado, esperando pelo eminente ataque dos lascivos monstros e dura pouco mais de 70 minutos, já que Feast 3 é apenas a segunda parte de um longo Feast 2.

Depois da surpreendente primeira parte e da segunda bem descerebrada, chega a terceira, um desproposito cheio de sangue sem cessar mas sem o humor que me agradou e surpreendeu nas anteriores da trilogia, apenas um par de cenas tem o estilo do primeiro filme, mas no mais do mesmo, aqui tudo é incoerente, exagerado, muitos mutilamentos desnecessários, muito sangue derramado,etc...

Um produto que somente quis aproveitar da energia de Feast inicial, mas não sacia a vontade de rir e nem desfrutamos o humor negro que poderia ter alguma das cenas de gore das que desfrutamos na primeira parte

O melhor é o final.

Nota 3,7

Monstros Vs Alieniginas (Monsters Vs Aliens)

2009-04-11T21:40:00.000-07:00

O cinema que nasceu quase como um espetáculo de barraca de feira em algo mais de 100 anos de vida conseguiu superar sua modesta origem e elevar sua categoria de sétima arte, elaborando uma linguagem mais artística com suas imagens. Mas nunca deixou de lado a magia e a surpresa quase infantil e tem se caracterizado por contínuos avanços técnicos para seguir surpreendendo e atrair os espectadores à escuridão de suas salas.

Primeiro foi o cine sonoro, logo o colorido, o cinemascope, mas tarde sistemas de projeção como o Tod-ao, o Dolby e os espetaculares efeitos digitais dos últimos anos e inclusive houve algumas tolas e fracassadas tentativas com o cine 3D. Mas é certo que nos últimos anos a melhora dos sistemas domésticos de TV, DVD, Home Cinema e a pirataria reduziram o numero de espectadores nas salas de cinema e foi necessário tirar um coelho da cartola por parte da indústria do cinema para não acabar na sarjeta. O coelho parece que será nos próximos anos o cine 3D e se esse é o futuro do cinema, que seja bem-vindo, porque tecnicamente estão conseguindo, os óculos não são incômodos e o resultado final é surpreendente e divertido.

Dessa maneira, um filme de desenhos animados como esse com uma historia de amizade e superação das diferenças, com numerosas e fáceis homenagens a filmes clássicos, cheia de momentos cômicos que poderia resultar numa essência bastante convencional, bem na linha que a Dreamworks tem oferecido nos últimos anos, transcende a mediocridade graças à perfeição do efeito 3D. Evidentemente, não é uma obra prima, mas nesse novo sistema, supõe que agora entra numa nova dimensão a indústria do cine

Nota 8,5

Feast 2 - Sloopy seconds

2009-04-11T19:34:00.000-07:00

Quando temos um produto tão original e divertido como ‘Feast’, o que menos desejamos é a ameaça de materializar-se uma seqüência. O pior é quando isso se torna realidade e feita pelo mesmo diretor, se realizar seqüências desnecessárias é um exercício de desvirtuação, quando feita pelo mesmo diretor não converte somente em um ato fútil como num exercício de sadomasoquismo.

Felizmente o tal John Gulager parece ser consciente disso e longe de oferecer mais do mesmo, decide que a melhor maneira de realizar uma seqüência é rompendo os códigos da primeira parte e oferecer um espetáculo diferente de sua antecessora. Justamente isso é o que acontece em ‘Feast’, um exercício onde ainda que a situação e os inimigos são velhos conhecidos dos espectadores, o que prima é o radical, o cruel sem rodeios, sem esquecer do humor negro pesado.

Porque nessa seqüência no fundo não trata sobre a luta do ser humano contra uma ameaça implacável, o que mostra é que o maior perigo de todo é o próprio ser humano, assim, ainda que a presença das criaturas seja constante, não passa de um plano de fundo, um mero recurso argumental para mostrar que em situações limites o ser humano não se une, as diferenças floreiam, ninguém se converte no bondoso, mas sim, escancara suas misérias, convertendo no predador mais implacável de sua própria espécie.

Ainda que o estilo visual segue sendo o mesmo, o que mostra na tela é esticado ate o limite de todas as questões relativas do gênero, o sangue, as vísceras, o horror e o humor extremamente negro, cuja única função é deixar o espectador num mar de lama que é plasmado ao ver que não existem heróis, tampouco anti-heróis, mas sim uma luta entre semelhantes para ver quem é mais miserável.

Por tudo isso ‘Feast II’ é uma pequena jóia, não só por ser uma seqüência superior em todos aspectos ao original, mas por mostrar-se livre, desimpedida. Quase uma mensagem dizendo que os humanos estão presos pela sua própria maldade que no fundo o único que fazem as criaturas do filme é redimir da única forma possível, com a morte

Nota 8,6

Valsa Para Bashir (Waltz With Bashir)

2009-04-10T20:21:00.000-07:00

Bonito filme, com uma animação espetacular, sublime, um ritmo de filme notável, amparado por uma ótima trilha sonora que acompanha a ação e melhora certos momentos de impasses e dramática quando necessário. O problema esta nos objetivos, no fundo e contido na mensagem final, não adianta colocar o cardápio atraente se a comida não for boa, por mais que isso facilite a digestão.

Entendo que muitos destacam a parte artística, de verdade compreendo e respeito, inclusive a mim me faz subir a nota, mas o que me incomoda no filme são três pontos bem concretos:

-Apelo fácil. Ari Folman deveria assistir “Bloody Sunday” e aprender como recriar a desolação posterior na batalha sem cair no vulgar de recorrer a cadáveres e descrever suas formas, dever “Nuit et brouillard” e sentir o lirismo perturbador que envolve cada tortura, cada assassinato injusto, as lembranças que envolve o fato ou deveria ir muito mais alem da simples determinação de culpa.

-Também posso mencionar o próprio desprendimento artístico da proposta, excelente em si mesmo porem descompassado com o tom do filme. Narrar uma matança não requer planos a contraluz de um bonito por do sol, não, ao contrario requer escuridão e requer crueza. Se a pretensão do filme transcorrer ate o quanto é dura a guerra e tenta mostrar mediante uma bonita animação recriando em estupendos enquadramentos, a denuncia perde efeito após a total submissão ao puramente estético, ‘Valsa com Bashir’ é mais um exercício de estilo que uma reflexão sobre a dor da guerra e suas memórias.

-Aqui esta o que acho a principal falha do filme. Desde o começo de sua estrutura narrativa, durando os 80 minutos de metragem nos mostram um personagem buscando as memórias perdidas, as lembranças de um massacre que em seu subconsciente crê diretamente culpado. Todos os testemunhos que recebem são de clemências à suas ações, compreendem suas decisões e de complacência no exato dia. Todos os personagens que desfilam entre o protagonista se mostram totalmente ignorantes sobre o que ocorreu do seu grau de implicação no assunto e acabam por convencer a Ari que a culpa tampouco é sua. Bem, ignorando um fato que como tudo anteriormente é completamente incerto (o Tsahal e Ariel Sharon, foram declarados culpados pela comissão aberta pelo próprio governo israelense), no qual é ignorar demais para meu modo de ver as coisas, percebemos que o filme não mede esforços pra tentar convencer o sofrido Ari que apesar de sua inércia naquele momento, como a de todos os soldados, foi o correto e não deve sentir remorsos porque não podia fazer nada.

Essa é minha postura perante o filme, é que ao assistir me dói na alma ao saber que alguém pode ficar passivo ante tal massacre.

Mas?

Se é puramente estético o que significa seus últimos 30 segundos? Pra que mostras as vitimas se o ponto de vista são dos carrascos? Não é contraditório mostrar as vitimas quando mostra que o protagonista toma o papel de testemunha? De onde vem o empenho de mostrar que o protagonista não se sinta culpado? Não seria contraditório que o amigo psicanalista diga sobre a possibilidade de criar memórias? Essa é a abordagem adequada? Não seria uma maneira de criar memórias superficiais? Será que o massacre de Sabra e Satila é o que gerou o maior trauma ao povo israelense?

Nota 6

Banquete do Inferno (Feast)

2009-04-10T19:15:00.000-07:00

Uma noite entediante num bar de rodovia onde personagens patéticos deixam escapar pouco a pouco suas lamentáveis vidas é interrompida por um cara ensangüentado e armado que avisa que todos ali serão atacados por monstros sanguinários.

Um argumento tão simples como pouco original, um excelente roteiro com pitadas inovadoras, nos presenteia com uma obra absolutamente entretida, repleta de humor negro que não deixara indiferente os fãs com as cenas de gore, nem os amantes dos personagens absurdos que se envolvem em situações absurdas.

Em Feast não temos momentos entediantes, partindo de uma base que os personagens são apresentados com a tela congelada indicando o que cada um faz inclusive suas estimativas de vida, Gulager nos oferece um espetáculo de vísceras e sangue sem chegar a 15 minutos de filme, a partir daí graças aos monstros que atacam rapidamente e só querem liquidar ou desmembrar tão distintos personagens, se forma uma tensão ambiental que se mantém suficientemente bem em determinados pontos e nos leva de um lado a outro observando as peripécias dos protagonistas, suas tentativas de fuga ou de medo dos monstros e ainda conta com um grande ritmo quem em nenhum momento chega a diminuir as expectativas e não se torna repetitivo.

Tem que agradecer também que tendo base nessas características, dos personagens presos num lugar onde dificilmente podem escapar, Gulager sabe desenvolver sem recorrer a nenhum dos tipos do cine de horror atual e todos atuam com um mínimo de lógica ou sendo conseqüentes, apesar que alguns alguns são esmagados pela conseqüência.

Entre seus protagonistas tem de tudo, o herói que chega ao local advertindo o perigo, o típico personagem louco, uma mulher idosa aparentando calma, o drogado, o pobretão, os que tentam dar ênfase mais serias em suas idéias de salvação, a gostosa e uma variedade atípica que da muita vida ao filme.

Não falta humor, que fará Feast um acontecimento tão sanguinolento, divertido, frenético, tenaz e absorvente para qualquer que saiba apreciar as qualidades de umas das melhores propostas do horror ultimamente e evidentemente deixe atrás algumas limitações técnicas.

Demolidor e genial.

Nota 7,4

Tony Manero

2009-04-10T18:47:00.000-07:00

Tony Manero vai contra o típico cine chileno, um filme sobre um homem cansado da mentalidade medíocre de seu país e que dentro de sua loucura é capaz de lutar a qualquer preço pelo seu objetivo, deixando de lado toda limitação sendo capaz de bater em idosos, roubar pertences de mortos e defecar nas roupas alheias, tudo isso amparado por uma excelente atuação de Alfredo Castro.

O filme sem duvida é impactante e não será apreciada pela maioria dos espectadores e não é apta para habitues do cine comercial. Representante do Chile para os prêmios Oscar, merece ser vista apesar de dura, é um filme bem realizado devido ao baixo orçamento que teve.

Nota 9,3

Matando Cabos

2009-04-10T18:32:00.000-07:00

Com humor inteligente na maioria das situações e com uma ótima narração, Alejandro Lozano consegue entreter durante um pouco mais de uma hora e meia com uma historia cheia de situações loucas, personagens excêntricos e boa musica.

O filme se torna curto pela ação desenfreada, na qual se misturam sem pausas todos os elementos do gênero ‘pulp’: violência, reviravoltas no roteiro, personagens surrealistas e sobre tudo um humor bem interessante. Desde o principio percebemos o que esta por vir, dois caras engravatados conversam no reservado de um banheiro de escritório enquanto outro esta seminu no reservado do lado, a partir daí não tem pausa para respirar, a ação é divertida, cheia de mal entendidos e manipulações e todos os atores estão corretos, desde os principais até os coadjuvantes.

Nota-se a influência de Tarantino em muitas cenas, mas não recria seus diálogos, mas também homenageia diversos diretores. A fotografia peca por ser muito estática num filme cheio de energia e existe uma terrível falha de continuidade, mas que não atrapalha num filme que exala o folclore moderno do México.

Diversão garantida.

Nota 7,6

Mártires (Martyrs)

2009-03-15T19:24:00.002-07:00

Se o cinema é o reflexo da sociedade, não tenho duvida que a saudosa e progressista França esta afundada numa crise de valores e uma decadência moral que custara muito tempo sair.

O reflexo mais claro é que a síndrome Aja segue fazendo danos, muitos danos. Não é pela falta de qualidade do diretor, é uma questão da falta de talento de uma legião de imitadores que se apresentam como supostos diretores de cinema e que enquanto se reivindicam como herdeiros de um estilo determinado de fazer cinema, não se dão conta que na realidade estão mendigando migalhas de um possível sucesso comercial.

Esse filme é claramente um exemplo paradigmático dessa situação, um filme rodado as pressas, como se cada plano fosse uma nova forma de fazer cinema e que pretende fazer ao sofrido espectador que sua violência crua e brutal seja uma forma veicular, como qualquer outra de fazer chegar uma mensagem supostamente profunda e transcendente.

No caso que se apresenta não saberia se pretende denunciar o uso da violência ou criticar novas formas de fundamentalismo religioso que assola nossa sociedade. Porém a questão fundamental é que nada disso importa, já que o filme nunca consegue transcender alem da expectativa que gera ver o nível de bobagens e depravações na tela poderia chegar mais alem, sim, existem limites na barbárie cinematográfica.

Tudo devido à uma filmagem desajeitada, cheia de exageros e reviravoltas ridículas do roteiro que transita entre a obviedade mais corriqueira e a incoerência mais escandalosa, e que, o responsável desse ultraje acredita que por trás do que filmava havia uma trama que sustentaria em base de sua transcendência, quando o único que aparece, são pretextos banais que não podem justificar em nenhuma parte do filme.

A questão é: que se o diretor acha que os telespectadores são otários ou ele realmente acredita no que esta fazendo? Mas independente da resposta sabemos que em ambos os casos, o responsável por esse filme é alguém incapacitado de fazer cinema ou mesmo que seja um esperto querendo enganar as pessoas pela sua inegável falta de talento.

Mas o pior de tudo é que os defensores desse ultraje cinematográfico, dirão que é um filme extremista, doente, revolucionário, demente, incrível, brutal, contundente e mais uma dúzia de besteiras, quando o que prevalece é violência e gore gratuito e a vontade de surpreender o espectador diante de truques nefastos e irrisórios. Segundo ele é provocação, sim, claro que o cine pode ser provocação, mas a provocação entendida como um tema que deixa uma mensagem sobre o que debater posteriormente, quando termina o filme, a provocação é um acumulo de seqüências que pretende ser desagradáveis mas não lembra em nada as seqüência das grandes obras do cinema.

O que salva no filme é a maquiagem por isso tem essa nota.

Nota 1

O Lutador (The Wrestler)

2009-02-10T19:23:00.000-08:00

O triunfo da integridade pessoal sobre a adversidade dentro dos labirintos da existência.
Darren Aronofsky é um dos maiores em transcender suas imagens nos seus filmes em geral, se não for em todas, são na maioria que compõe as mesmas. Nesse caso, Darren transcende o lixo, o abandono, a decadência, a brutalidade e com certeza, a carne. Esse diretor de texturas se concentra em reviver a carne, em fazer bela a sua laceração e monstruosa em sua grandeza, instrumento que fornece informações e depois nos priva colocando-a numa prisão onde talvez não seriamos capaz de alcançar, carne untada de cérebro que reverdece o efêmero do seu apogeu e nos faz ser testemunha de sua decadência.. Mais uma vez o homem/artista quer ser especial e tem talento para isso. Algo talvez que importe somente ele num nível fundamental (como qualquer realização pessoal) que qualquer pessoa que o cerca e satisfaz somente um instante, uma lágrima salpicada de sangue para jogar como um insulto voraz na cara de pessoas que na vida não tem nada de especial. Mas, para ele, porem, é sua vida. Sua vida é tudo, porque é o único que sabe viver e isso lhe torna especial ou a única que lhe faz sentir que pode ser especial. Mas quando isso que te faz sentir especial explode diante dos seus olhos e te absorve se converte em tudo o que é realmente... E cedo ou tarde abandona sua filha, abandona o amor, abandona sua saúde e abandona a si mesmo para seguir consumindo a droga de talento que Deus lhe deu. Aqui não importa o raciocínio. Darren fala sobre dois mundos bem diferenciados em seus filmes: o das drogas e decadência, as conveniências da rua e do mundo do espetáculo, suficientemente longe da intelectualidade como tão próxima da sabedoria do movimento e por outro lado os gênios matemáticos. No primeiro grupo (Réquiem e agora Wrestler) buscam ser especiais a partir das suas virtudes, errando em suas decisões e jogando tudo a perder, mas com o horizonte sempre em mente, negando o que são e buscando o que querem ser. No segundo grupo estão aqueles que com suas complexas virtudes e dotes mentais impedem saber quem é ou o que fazem aqui, ate que chega a redenção em seus finais prodigiosos. De tal forma, Darren os coloca na mesma tessitura de ter que afrontar seus equívocos e afrontar seu destino, que sempre será esquivo, independente do estado social ou intelectual.
Pode conter SPOILERS

“The Wrestler” é colossal em abordar o pressuposto do que essa pessoa resulta ser, o encontro íntimo do seu próprio ‘eu’. Consequentemente esse caminho difícil o levara à um final antológico no qual, longe de se arrepender no caminho, se alegra de poder morrer sendo o que é, sem se trair, sem curva-se diante as pessoas, sempre lutando. De fato, no final sentimos que eram necessárias as lagrimas de sua filha e a ausência da ultima cena da stripper preferida. É necessário o abando porque o artista é incompreendido, o lutador é malvado. A pessoa é solitária e merece essa solidão, mas ainda vai alem e deseja essa solidão, o triunfo entre os aplausos finais de um público fervoroso, entre a multidão sem nome, sem alma e sem memória que é sua família. E Darren não consegue plenamente em todo filme, portanto precisa dessas cenas raivosamente suadas, ensangüentadas e gloriosamente realistas filmadas prodigiosamente nas cenas de luta livre. Nelas, o caráter hercúleo desse monte de carne maltratado entra de cheio na antologia de imagens icônicas e fundamentais da sétima arte e o lutador se faz eterno, alcançando essa sobre humanidade que lhe faz ser especial. Pobre, grotescamente deformado, louco, aborrecido, descontente, mal amado, respeitado e eterno. É aqui onde entra o ator que da vida ao fantoche que não poderia ser outro que não Mickey Rourke em umas das melhores interpretações jamais vistas no cine. O Touro Selvagem do século 21 que literalmente come o filme. Talvez por isso Darren não precisasse recorrer a essa montagem elétrica, nem essas tomadas no ritmo de tecno. Porque com sua câmera seguindo o eterno travelling do corpo ágil e ao mesmo tempo desvirtuado de Rourke lhe bastava para fazer uma obra de arte e transmitir tudo que a historia necessitava. Uma historia que ao contrario da típica narração scorcesiana, não fala da ascensão e decadência do herói, mas somente de sua caída na barbárie imunda e a elegância de sua áspera carne mutilada, quebrada, machucada e renascida.Do final que paradoxalmente é seu principio e seu tudo. Não faz falta a outra metade nada mais que para os créditos de abertura, porque o êxito esta no final, justo nesse ultimo sorriso antes do inevitável e acolhedor salto ante o abismo e posterior fundo negro. Nosso anti-herói, um dos maiores de todos os tempos, obteve justo o que estava buscando.
Nota 9

Deixe Ela Entrar (Let The Right One In)

2009-02-08T18:04:00.000-08:00

Peça-me para falar sobre o primeiro amor, os corações infantis desorientado, cheios de neve e de tristeza, o primeiro beijo e a solidão. Os sofrimentos dos filhos de famílias desestruturadas, daqueles que não encontram seu lugar no mundo e são desprezados e assediados dia trás dia pelos que os rodeiam. Aqueles tempos de luz e ingenuidade dos passeios no parque, quando o coração parecia que ia romper o peito e o nome da pessoa que amava ficava preso entre os lábios. Peça-me que fale sobre amores impossíveis pelos quais fazemos coisas impossíveis. Vou falar de sangue e criaturas que ardem com a luz do sol, falarei sobre uma historia que se desenvolve em silêncio rodeada de morte e escuridão, falarei de amantes que se comunicam em código Morse através das paredes e nas noites fogem em trens acompanhados de caixas. Falarei de um filme e de seu excelente final, que como um eco ainda ecoa em meu interior, quando a tela se torna negra e não sabemos se rimos ou choramos, vou falar de Oskar e Eli. Vou falar de “Deixe Ela Entrar”.
Não tenho adjetivos para catalogar tamanha jóia do cinema, um filme bárbaro, uma verdadeira maravilha, pausada, perturbadora, inquietante. Filme de qualidade como pouco se vê e quando começa a crer que esta ficando lento, vem o melhor. Não é um filme fácil de digerir e estou convencido que a maioria não vai gostar já que é lento em sua evolução e isso deixara para trás um bom numero de espectadores que não darão chance ao tempo que a história se desenvolva e perdera um dos finais mais soberbos do cinema.
Oskar é um jovem de Estocolmo que vive sob a pressão da mãe e de colegas do colégio, é um menino solitário e com uma família totalmente desestruturada. Vive em seu próprio mundo até conhecer numa noite Eli, uma jovem da mesma idade na qual se desenvolve uma estranha amizade, essa jovem guarda um segredo que não poderá ocultar durante muito tempo à seu novo amigo.

Os dois jovens protagonistas dão uma lição de interpretação em grau máximo. O garoto que interpreta Oskar é frágil como o personagem precisa, mas é a garota que nos oferece uma ótima interpretação que beira a perfeição, frágil, inquietante, perturbadora e dura.
O diretor revisita o mito do vampirismo de uma forma simples porém requintada, com cenas excelentes como a do vômito com doces, a mulher convertida e sobretudo na do convite a um vampiro para entrar na casa.

O filme marca um antes e depois desse tipo de filme, não sei se é um filme de vampiros, de horror ou romance, é complicado encontrar um gênero no qual se encaixe. A história é sólida, o roteiro absolutamente fabuloso, belíssima fotografia contrastando a cor branca do filme com o vermelho do sangue de maneira significativamente simbólico.

A homossexualidade e pedofilia nunca foi tratada com tanta sutileza.

Definitivamente é um filme 100% recomendável a todos aqueles que amam o cinema e sobretudo que não esperem vampiros voadores. Esse filme esta mais perto de “The addiction” de Abel Ferrara que qualquer outra obra de vampiros que já tenha visto.

Uma ode ao amor mais puro.

Nota 10

Rio Congelado (Frozen River)

2009-02-03T12:42:00.001-08:00

Depois de ver “Frozen River” minha primeira pergunta é ‘onde estava Courtney Hunt todo esse tempo?’ O primeiro longa dessa indiscutivelmente talentosa diretora não é apenas bom, realmente é magnífico, tem uma direção tão sóbria que merece um bom tratado sobre o porquê é tão brilhante.

O roteiro gira em torno de Ray Eddy (Melissa Leo) uma mulher branca que ‘sobrevive’ com seus dois filhos (logo após o abandono de seu esposo devido o vicio no jogo) em um povoado sem futuro no extremo norte do estado de Nova Iorque, perto de uma reserva mohawk ao lado da fronteira com o Canadá. As dúvidas e preocupações levam Ray à associar-se com Lilá (Misty Uphan) uma índia mohawk que foi despojada de seu bebê, para passar imigrantes orientais do Canadá ao Estados Unidos atravessando um rio congelado, o qual desencadeia não só um fino thriller alimentado pelo desespero da protagonista mas, também e principalmente, uma bonita história de humanismo e amizade.
>As atuações são simplesmente esplêndidas. Melissa Leo da vida a Ray Eddy com uma precisão esmagadora, é impossível imaginar outra atriz para esse papel, seus gestos são naturais e expressam com absoluta sinceridade a crueza de seu personagem. Apesar que Ray Eddy esta longe de ser uma mulher perfeita, a humanidade que Leo lhe proporciona faz que possamos nos identificar, como seres humanos, como sua situação, além disso, Leo nos brinda através de sua interpretação a energia dramática instintiva que veio desenvolvendo durante sua longa carreira como atriz, alguns momentos de humor inesperado. O trabalho de Courtney Hunt como diretora e roteirista do filme é bonito e refrescante, reparou em todos os detalhes para introduzir a um mundo cotidiano regido pela pobreza e falta de oportunidades no qual uma mulher, para poder alimentar seus filhos, deve submeter-se em uma jornada perigosa e humilhante. Hunt conseguiu realizar uma obra-prima que apresenta com originalidade, intensidade e honestidade a face pouco conhecida de seu país, desmistificando com perspicácia e inteligência o conceito do ‘sonho americano’ que cada vez esta mais pra ficção que realidade.“Frozen River” poderia ser um filme pequeno devido seu orçamento mas é grande em seu conteúdo e na medida que se configura como o testemunho de Courtney Hunt, um novo talento que promete muito no futuro.

Nominada ao Oscar 2009 por Melhor Roteiro e Melhor Atriz e ganhadora do Sundance como Melhor Filme.

Nota 10

Dúvida (Doubt)

2009-02-02T20:24:00.000-08:00

Um ano depois do assassinato de JFK, uma escola católica dos EUA se debate entre o tradicionalismo docente de sua diretora interpretada pela veterana e magistral Meryl Streep e pela modernidade do padre do colégio, personagem interpretado por Phillip Seymour Hoffman. Entre ambos temos de contra peso a Irmã James, uma jovem freira, professora do colégio, cujas dúvidas na hora de tomar partido de um ou outro lado será compartida com o espectador.Ganhadora dos prêmios Pulitzer e Tony, “Dúvida” é uma adaptação cinematográfica que John Patrick Shanley fez de sua própria obra teatral multi premiada. É um estupendo, inteligente e sutil filme, que agradeço nesses tempos de cinema mastigado para tontos. John Patrick Shanley aqui escreve, produz e dirige. Shanley, diretor do inconseqüente Joe Contra o Vulcão, se mostra muito mais sério e profundo que em seu debut cinematográfico, longe de conduzir seu novo filme pelo fácil caminho do maniqueísmo primário e visceral, mantendo até os créditos finais nossa incerteza sobre os verdadeiros sentimentos e motivações dos dois ‘concorrentes’. É a Irmã Aloysius uma má intencionada mulher interessada em desacreditar o Padre Brendan ou é a única que consegue ver as secretas e indecentes intenções que este tem sobre o aluno? Talvez deliberadamente, essa dúvida acabara eclipsando o debate educacional levantado minutos antes e confundirá a verdadeira intenção do filme, fazendo assim honra ao titulo do filme e se distanciando de outras produções como “The Priest” ou “The Magdalene Sisters” que unicamente pretendiam enfrentar a igreja católica.
Como não poderia ser de outra maneira “Dúvida”, transcorre por uns parâmetros bastante teatrais. Suas ações transcorrem em interiores e cenários limitados visualmente, encontra na dialética e nas participações seu grande estimulo.
Sem dúvida a severa interpretação de Streep e a apaziguada melancolia que quase sempre desprende Hoffman darão esses diálogos uma maior profundidade e carga dramática, sem embargo, não estamos diante de um mero exercício de teatro filmado. Shanley acompanha diálogos e interpretações com uma boa mistura de imagens simbólicas que de uma maneira bela e constante subtrai muitos dos sentimentos dos personagens, confirmando que é um diretor conhecedor do meio e não como um prestigioso autor que se situa atrás de uma câmera para adaptar-se a si mesmo.

Amy Adams volta pra provar que veio pra ficar e Viola Davis em apenas seis minutos cria um personagem completo.

Nota 10

O Menino do Pijama Listrado (The Boy in the Striped Pyjama)s

2009-02-01T19:56:00.000-08:00

Adaptar um filme de uma novela convertida recentemente em um best-seller e que milhares de pessoas leram é uma tarefa difícil. Como disse Mark Herman, nessa ocasião se tratou de melhorar o filme que todos os leitores havia feito na mente. A historia é profundamente aterradora porque nos faz intuir o horror através da inocência de olhos alheios ao mal.

O livro de John Boyne me decepcionou em sua maior parte, mas a adaptação ao cine é mais brilhante, vibrante e verdadeira e supera em todos aspectos seu referente literário. Em primeiro lugar a ambientação elegante e sóbria. A narração é elétrica e vai crescendo sempre e o diretor dirige com mão firme todos os aspectos da historia que poderia ter cometido vários erros e que sem embargo da uma lição de como fazer uma adaptação cinematográfica que melhora em todos os aspectos o original literário.

No filme não existe alguns elementos do livro, como o Furer, pra não tirar a importância do verdadeiro eixo da historia: o horror oculto, camuflado, latente frente a aprazível vida de um comandante nazista e sua família. A principal critica do filme não é o genocídio nazismo em si, a verdadeira crítica é de um dos poderes mais malignos que existe no universo, a indiferença.

Justo do outro lado da indiferença esta a curiosidade, a vontade de aprender, de ser consciente da realidade, de explorar o mundo, de estender uma mão e ver que através dos arames tem outra para aperta-la, de ser corajoso e sobre tudo e frente tudo, descobrir que aquele que nos olha com olhos diferentes ao nossos pode ser nosso melhor amigo, Dando uma lição de amor, inocência e fraternidade aos adultos, as crianças protagonistas dessa bela lição de moral entram na escuridão com a maravilhosa luz da amizade.

Nota 9

O Leitor (The Reader)

2009-02-01T17:27:00.000-08:00

“O Leitor” não é uma historia sobre amor impossível entre um adolescente e uma mulher madura, também não é um drama judicial com o nazismo como pano de fundo, é muito mais, é uma perfeita metáfora sobre o doloroso e ambíguo sentimento que da sociedade alemã frente ao seu passado nazista. Michel, o protagonista do filme não só é um jovem doente socorrido por uma atraente mulher, como representa a enferma sociedade alemã pós-guerra. Por sua parte, Hanna não só é a ignorante e maternal mulher que seduz Michael, ela representa a promissora pátria nazista, a pátria mãe.

Depois do idílio vem à crua realidade, o que essa mulher foi capaz de fazer?
Michael como a sociedade alemã ante à contemplação dos campos de extermínio esta confuso: como essa atrativa, bondosa e complacente mulher que lhe seduziu e ajudou quando mais necessitava foi capaz de cometer semelhante crime? A reposta somente pode ser uma, por trás do choro desconsolado e a decepção, somente fica a autocrítica e o peso do passado.

Diante tudo isso esta Stephen Daldry para demonstrar porque ganhou o respeito tanto da critica como do publico. Com “Billy Eliot” emocionou, com “As Horas” mostrou seus dotes dramáticos e como “O Leitor” esta pronto para agitar consciências. O filme se divide em duas partes claramente diferenciadas. Tanto que até que chegue o final custa crer que formem parte do mesmo discurso. A primeira metade nos apresenta a relação amorosa dos protagonistas, gosto das primeiras cenas como a historia contada em flashback, com cenas cheia de sensualidade e um ar fino e intrigante, as vezes cai o ritmo, mas por sorte temos Kate Winslet, que enche a tela todo o tempo.

Na segunda metade ela já não aparece tanto, mas é quando o filme da o sentido e é aqui que muitos filmes fracassariam estrepitosamente. Mas “O Leitor” cresce ante a adversidade e consegue construir a metáfora num tema extremamente complicado para tratar com tamanha delicadeza.

A aparente simplicidade do filme é uma excelente arma de combate e da liberdade do autor para desenvolver com total liberdade um sólido discurso que fala do amor, da culpa, da memória e da responsabilidade histórica.

O que realmente nos traumatiza costuma ser algo que levamos enraizado no mais profundo da alma. Ainda que às vezes lembremos do ocorrido sempre tampamos com um véu espesso e pensar em contar para alguém transforma tudo em utopia. Acostumamos esconder nossos traumas e inseguranças de tal forma que nem os mais próximos são capazes de saber. Possivelmente com o tempo e dependendo do trauma percebemos que algo esta errado, mas a própria pessoa se encarregara que isso não se supere, nunca seja descoberto com certeza. Essa mesma pessoa enfrentara situações e problemas piores, vistos objetivamente, porem sem conseguir essa intimidade que alcança com pequenos traumas que leva consigo grande parte de sua vida, podendo provocar que cometam outros erros que não seja tão grave para não admitir o primeiro problema.. É como um segredo de amigos, mas dentro de si, que em vez de alimentar a confiança em ambos, alimenta a frustração da pessoa impedindo dar passos necessários para corrigir-los, se é que fosse possível. O que esta claro é que não admitira nunca e o dia que o faça já o tenha superado.

Com tudo isso Daldry nos brinda com um produto inteligente que nos faz pensar, que mantém distância de tendências maniqueístas e que oferece uma infinidade de leitura.

Nota 10

Sete Vidas (Seven Pounds)

2009-01-18T18:49:00.000-08:00

Como se não bastasse o lacrimógeno lixo panfletário que é “Em Busca da Felicidade”, indecente apologia ao capitalismo que passou inadvertida, agora Gabriele Muccino volta atacar com o farsante Will Smith que passou de delicioso comediante a um macarrônico bom samaritano. E o que dois anos atrás era seu filho, agora são 7 pessoas que ele tenta ajudar em busca de redenção e se apaixona por uma. Tem um segredo e no final todos descobrem com um giro final de efeito e que supostamente todos devemos chorar. Eu chorei, mas de pena, tal acumulo de açúcar que não é bom para uma pessoa da minha idade. Alem da enganação, o trailer prometia um drama vivaz e o que encontrei foi um ladrilho de dimensões e formas bíblicas.

A mim não causa graça não entender quase nada durante a maior parte do filme, me senti enganado quando mostram flashbacks que não posso compreender, me molesta ver um Will Smith que evidentemente sabe algo que eu não. Não consigo me envolver com um personagem triste em todo o filme mas que não sei o motivo.

“Sete Vidas” é um filme unicamente construído para comover no final. O que não entende durante todo o filme fica claro no final: porque Bem Thomas (o nome do personagem) estava triste, o que significava os flashbacks, qual era o papel do amigo de Bem, etc. Mas, o que faço com 110 minutos de duvidas? Posso voltar o tempo e me comover com o a boca semi aberta de Will Smith? Não, não posso.

É compreensível que um diretor esconda informações para conseguir comover o espectador no final, mas isso não pode ser o único objetivo. O corpo do filme tem que ter alguma forma alem da intriga, assim o espectador desfruta toda a obra e não somente o final.

Tem um elemento que considero muito importante que “Sete Vidas” carece, a sutileza. Vou relacionar esse filme com Amélie para entender o que quero dizer:

PODE CONTER SPOILERS

Onde Amélie agrada o escritor fracassado escrevendo um grafite com uma frase de sua autoria, Bem doa medula óssea a uma criança.

Onde Amélie emociona o homem de vidro mandando vídeos de Tour de France, Ben doa um pulmão a um homem.

Onde Amélie se transforma nos olhos de um cego relatando as coisas que ele não consegue ver, Bem doa seus olhos a um cego.

Onde Amélie desfruta do fato de encontrar o amor sentindo o ar fresco sentada em uma motocicleta acompanhada de seu namorado, Bem se suicida para doar o coração para a namorada.

A única forma de redimir sua culpa é doando órgãos? Não poderia fazer o bem de uma maneira mais sutil?

Por isso Amélie é fabulosa e “Sete Palmas” é tenebrosa.
Algumas criticas dizem sobre o bom coração que esse filme tem.

É certo mutilar seu corpo para salvar vidas de outras pessoas? O suicido deixa de ser algo terrível quando se transforma em suicídio altruísta?

Esta claro que não. Com a avalanche emocional que desprende no fim do filme esquecem de algo: Ben Thomas também é um ser humano. Por mais que julgue ser Deus, avaliando se uma pessoa é digna ou não de receber seus órgãos, é um ser humano e sua morte é tão terrível como a de qualquer pessoa.

Nota 0

O Curioso Caso de Benjamin Button (The Curious Case of Benjamin Button)

2009-01-11T11:36:00.000-08:00

Tic tac, tic tac, tic tac, um novo relógio começa funcionar. Tac tic, tac tic, tac tic, o relógio funciona ao contrário. No novo filme de David Fincher o relógio biológico de Benjamim Button funciona no ritmo do tac, tic e é a chave da equação. Gostaria de pensar o que ocorreria se não houvesse introduzido na formula mágica esse ingrediente. Enquanto assistimos as vezes esquecemos desse elemento enquanto contemplamos a historia de uma vida. Mas esse conto já me contaram e o resultado final é apenas um agradável ‘déja-vu’.

De novo Fincher faz uso da filmagem digital e com isso perde um certo sabor e priva o espectador, teria ficado infinitamente mais bonita se filmasse em película.

Assisti ao filme com os nervos a flor da pele porque escutei sobre ela desde o principio, sabia muita coisa e esperava uma maravilha ou algo perto disso. Desejava com toda minha força, porque é uma historia que parece ter tudo para emocionar, a sensação final é boa, mas em geral uma lástima, não me comoveu em nenhum momento.

O filme trata da coisa mais escorregadia de todas no decorrer de uma vida e a falha principal eles não conseguiram equilibrar, o tempo. A larga duração não pesou em nenhum momento, mas o roteiro e a edição não funciona como deveria para construir um filme redondo sobre momentos vividos e momentos perdidos.

A primeira hora, que precisamente é a parte da vida de Benjamim em que Fincher e Roth mais se detém é a mais apagada e menos interessante, apenas vi a peculiar infância de uma criança, por muito que a Digital Domain fez maravilhas com um Brad Pitt envelhecido.

Tem um correto uso de efeitos especiais. A utilização da luz é inerte e manipulada. Tudo esta inflado, muito medido e por causa disso perde emoção real.

Mas a magia ausente dessa trama é a que se apodera em outras partes conseguindo falta de fôlego no episódio com Tilda Swinton, quando conta o romance de Benjamim e Daisy e nos minutos finais. O resto é bom, mas longe da excelência e em grande parte devido a velocidade que conta tudo que não nos deixa desfrutar de boas emoções. Não é assim muitas vezes na vida? Pode ser, mas não deixo de pensar que poderia ser melhor.

Tem um correto uso de efeitos especiais. A utilização da luz é inerte e manipulada. Tudo esta inflado, muito medido e por causa disso perde emoção real.

Reminiscências de “O Curioso Caso de Benjamin Button” com “Forrest Gump”:
-Forrest e Benjamim nascem com um problema.
-Ambos conhecem a mulher de sua vida durante a infância.
-Ambos vão à guerra.
-Ambos trabalham em um barco.
E o mais importante:
-Ambos roteiros escreveu Eric Roth.

Nota 8

Milk - A Voz da Igualdade (Milk)

2009-01-08T17:18:00.000-08:00

Gus Vant Sant deixa claro ao principio do filme quem é o que aconteceu a Harvey Milk, todos que buscou informação de alguma ou outra forma sobre quem foi H. Milk sabe sobre seu final, assim que não é surpresa as cenas que o diretor apresenta no inicio.

“Milk” conta a historia do primeiro político abertamente homossexual que conseguiu obter um cargo publico nos EUA, e com essa premissa Van Sant constrói uma das melhores biopics dos últimos anos.

A direção de Van Sant é genial e um dos grandes acertos é conseguir combinar os fatos interpretados pelo elenco incluindo toques com estilo documental (imagens próprias dos anos 70) e o melhor é que funciona e de excelente forma.

Mas o ponto forte desse filme é Sean Penn, com umas das melhores atuações do ano, sua caracterização é surpreendente, os gestos e a forma de falar que ele adota mostram uma grande dedicação da parte do ator para construir um papel extremamente complicado.

Mas o que mais surpreende é que há cinco anos atrás se alguém houvesse dito que Sean Penn seria capaz de criar um personagem totalmente ameno, ninguém poderia crer, não porque não o considere um ator de qualidade (talvez um dos melhores de sua geração), mas sim, comparando com seus outros papeis e por suas aparições publicas parecia difícil de conseguir, mas fez e perfeitamente.

O elenco todo esta excelente, começando por Josh Brolin no papel de Dan White (o assassino de Milk) sua caracterização é espetacular igual que sua interpretação, igualmente James Franco em seu primeiro papel bem interpretado (junto à “Pinneapple Express”) e uma menção a Emile Hirsch, Luna esta correto, mas é o menor de todo elenco.

O roteiro esta bem elaborado, igual que seus aspectos técnicos desde uma trilha sonora original a cargo de Danny Elfman assim com a excelente montagem e fotografia.

A forte critica que realiza Van Sant à homofobia e a dupla moral norte americana é excelente, apresentando os opositores de Milk, criadores da emenda numero seis com material extraído de filmotecas, apresentando os verdadeiros personagens sem necessidades de ser interpretado por atores.

Milk foi um herói para a comunidade homossexual por defender seus direitos e de alguma maneira tratou de abriu portas, portas que décadas depois seguem fechadas não só para os homossexuais e não só na política e sim para muitas pessoas em diversos aspectos da vida atual, mas no final Milk não só representa as lutas pelos direitos a romper barreiras representar a luta de cada um, seja qual sua condição social, etnia, etc., por uma vida melhor.

Em certas partes do filme podemos ver uma pessoa mencionando que não apóia a emenda porque quer que seus filhos entendam que temos que respeitar que com as diferenças no final todos somos iguais, sem racismo, homofobia e discriminação, talvez por isso que Milk não seja um filme para todos, mas sim para um publico com uma mente aberta porque algumas dessas pequenas verdades continua vigentes e espero que um dia tudo mude.

Milk é um dos melhores filmes do ano e o único que Van Sant combina seus toques de cine indie com a estética e narrativa de seus filmes para maiores audiências.

Nota 10

Slumdog Millionaire

2009-01-07T20:55:00.000-08:00

Muito se fala desse filme, ganhou muitos prêmios e isso gera expectativas no publico, mas ao assistir tudo se cumpre “Slumdog Millionaire” deixa o melhor sabor na boca da temporada com sua formula brilhante e original de expor um curioso caso e um pitoresco jovem: Jamal. Desde “Trainspotting”, não se via um Danny Boyle tão potente e inclusive diante dessa nova produção, Boyle se desculpa pela instabilidade do passado e nos oferece o melhor trabalho de sua carreira. Como é habitual, o mais atraente do filme é a formula utilizada por Boyle para dirigir, uma formula que consegue um ritmo impressionante, que não entedia, não cai, diverte e sobre tudo aporta algo ao telespectador, uma mensagem de esperança tão positiva que de imediato fica entre uma das melhores dos filmes indies da historia do cinema.

Um elenco fabuloso, a reconstrução do personagem Jamal é acertada, apresentando desde a infância, da mão de Ayush Mahesh Khedakar, não sentia uma ternura tão inesquecível com um personagem infantil desde Toto de “Cinema Paradiso”, Tanay Chheda se ocupa da pré-adolescência de Jamal e um Dev Patel sensivelmente assombroso que equilibra o personagem. Em Patel encontramos a grande revelação de ator do ano. O resto do elenco seduz com a beleza exótica de Freida Pinto (Latika).

Tecnicamente é uma das obras mais solventes, Anthony Dos Mantle (fotografia) realiza um trabalho tão genuíno como impressionante, não se via uma força vital tão potente desde “Cidade de Deus”, a edição desenha uma formula tão efetiva que compacta a perfeição das cenas e a musica é tão excitante que engrandece cada momento da trama, simplesmente genial nos quesitos técnicos e ainda mais extraordinária a idéia que está elaborada por supostos desconhecidos.

Eventualmente aparece diante de nossos olhos filmes que quase sem avisar reavivam a esperança no cinema moderno, agradáveis surpresas que alimentam de forma natural o coração de meio mundo dentro do insípido panorama cinematográfico. Slumdog obra que poderia parecer com a modesta e pouco conhecida “Millions” é uma maravilhosa odisséia espaço temporal que misturada com uma bela historia de amor fecunda um desenho desolador de uma Índia tristemente linda e pobre, uma ambigüidade que Boyle mostra num frenesi rítmico um mosaico audiovisual impressionante e virtuoso, uma jóia que explode em sua esplendorosa direção multi-ângulos.

“Slumdog Millionaire” funciona em todos os aspectos, como obra moral com uma poderosa mensagem no fundo, como uma homenagem a vida e a alegria, como um ritual sagrado ao amor e sobre tudo como um hino à perseverança.

Nota 10

Foi Apenas Um Sonho (Revolutionary Road)

2009-01-02T13:22:00.000-08:00

Em “Revolutionary Road”, Mendes volta a tratar do estilo de vida norte americano, agora muito mais depressivo e complicado que em sua obra prima, nesse novo filme perde os toques de humor que mantinha “American Beauty” como um filme mais acessível ao publico, neste filme trata temais mais crus e a diferença esta que American criticava a nossa sociedade atual, a qual não corresponde somente a um contexto americano, mas sim um mais universal, agora Mendes vai direto as bases que criaram a América: as aspirações, as esperanças vazias, a hipocrisia de uma sociedade, de pessoas que tratam de esconder suas frustrações, de dissimular seu fracasso, de manter seus demônios escondidos.

O filme é uma união dos melhores momentos de “American Beauty”, “Far From Heaven” e principalmente “Little Children”, alem de recordar vagamente “Eyes Wide Shut”, aqui vemos o que existem dentro dessas casas de fachadas perfeitas, dentro de rostos aparentemente felizes, vemos uma reflexão duríssima ao estilo de vida que o próprio EUA vendeu nos anos 50 e 60: esposos trabalhadores, mulheres perfeitas que se dedicavam a criar um par de filhos que aspiram ao mesmo, golpeia os ideais de uma nação atualmente perdida.

Muito se há dito que é um filme depressivo e que não é uma opção adequada em tempos de crise econômica e inclusive existencial que ocorrem com muitas pessoas ao redor do mundo e talvez isso seja o mais incomodo para o espectador porque nesse filme Mendes golpeia fortemente os ideais que muitos têm criado.
O casal principal (os Wheeler) representa os sonhos frustrados, ambos querem obter a felicidade a qualquer preço, April (maravilhosa Kate Winslet) esta decepcionada com ela mesma, é uma pessoa fracassada que vive uma vida que pouco a pouco vai odiando mais e que junto a Frank (excelente Leonardo DiCaprio) busca uma saída fácil tentando uma fuga para Paris e começar uma nova vida junto a sua família.

Apesar disso todos mantém uma aparentemente vida feliz, são considerados um como um casal perfeito e a cada um dos personagens tentam ocultar suas inseguranças exceto a John Givings um personagem honesto e brutal (interpretado magistralmente por Michael Shannon), ele encarrega de desencadear a tragédia, de expor a decadência, é o único que diz as coisas como elas são e ao mesmo tempo é considerado o insano e é o único considerado imperfeito dentro de uma comunidade aparentemente perfeita, Shannon em 8 minutos rouba duas das cenas mais brilhantes do filme.

A direção de Mendes é sublime, muito perto de sua obra prima, o roteiro esta ótimo e as partituras de Newman encaixam perfeitamente com as cenas do filme.
O acerto maior do filme (e talvez seja o fato que a condene ao esquecimento nos EUA) é que vão diretas as bases assim como fez “Far From Heaven”, Mendes em “American Beauty” mostrava como o estilo de vida americano estava desmoronando, em “Revolutionary Road” nos mostra que o sonho americano nunca existiu, vemos que sempre foi uma ilusão e, sobretudo vemos porque a vida tão sonha atual nunca foi possível porque estava construída sem uma base sólida, porque seus personagens nunca foram felizes.

Em “Fight Club”, Tyler Durdem mencionava:
Não sofremos uma grande guerra, nem uma grande depressão.
Nossa grande guerra é espiritual.

Alguma vez fomos felizes ou somente fingíamos ser?

Nota 10

Queime Depois de Ler (Burn After Reading)

2009-01-02T13:20:00.000-08:00

Um agente da CIA que foi despedido, enquanto sua mulher mete uns cornos com outro agente do tesouro. Uma funcionaria de uma academia que deseja de qualquer maneira submeter-se a algumas cirurgias plásticas e seu colega, um imbecil fanático por fitness. Se fosse pouco, toda rede de ‘inteligência’ das agencias governamentais que tentam descobrir o que realmente esta acontecendo, sem conseguir. Assim é a ultima genialidade dos irmãos Coen. Comparando sua filmografia Queime depois de ler, é uma bizarra mistura de Fargo e O Grande Lebowsky; do primeiro herda sua sátira sobre a sociedade contemporânea, sobre suas misérias e pecados; do segundo herda o surrealista sentido de humor, uns diálogos que passarão para a historia e uma galeria de personagens ridículos, desde o analista do governo com problemas de alcoolismo que tentar transpor o divorcio fazendo aeróbica com a televisão no seu barco, até o entediado agente judicial que nos seus momentos livres faz apetrechos sexuais enquanto busca contatos para enganar sua esposa e amantes através de paginas na internet.

O filme é cruel e desconcertante, pela crueza que os Coen não deixa encaixar a historia ate quando eles queiram, dando um exemplar domínio de direção. Uma vez que o filme entra num frenético segundo ato, reproduz o efeito acumulativo de uma bola de neve, aumentando a cada seqüência às reviravoltas do roteiro que provoca um caos tragicômico que é uma verdadeira lição magistral de como fazer cinema. Assim, o espectador se emociona, ri nos obriga a olhar a um grandioso espelho onde podemos ver quanta mesquinhez temos nós pobres mortais, sempre em busca da felicidade, do bem estar, da compreensão, da estabilidade, quando na realidade isso tudo é uma cama de gato que não tem quem entenda. Nem sequer a CIA.
Excelente roteiro, trilha sonora que adiciona perfis de suspense e grandeza épica a historia, dando um componente francamente decadente e as interpretações de Brad Pitt e George Clooney, dois belos atores que são capazes se sobrepor o estrelato e glamour, para nos entregar dois hilariantes e estúpidos personagens.

Nota 9

Calafrio (Eskalofrio) aka Shiver

2008-11-16T16:28:00.000-08:00

O cine de horror na Espanha passa por um momento pelo menos curioso, devido aos êxitos de algumas produções surgem outras num segundo planos que pretende aproveitar a onda. Este é o caso de ‘Eskalofrio’, filme que erra até no nome.

É um filme ruim que terá um par de sustos e uma infinidade de incoerências nos argumentos que catapulta para um fracasso bastante considerável. Os atores são péssimos e a lógica brilha pela ausência em todo momento. A doença que causa a mudança de cidade do protagonista ao principio desperta curiosidade dos espectadores, mas vira apenas um fiapo que poderia tecer muito mais e que tem como aspecto positivo a surpresa do espectador quando descobre que não é um filme de vampiros como parecia ser.

Falta originalidade, com efeitos que lembram Blade na aceleração das paisagens e também 30 Dias de Noite com seu conceito da busca da eterna noite. O filme se desenvolve dentro do subgênero que tem predominância dos cenários de bosques desolados, com uma estranha criatura semeando o horror na população.

Sem duvida que a proposta aposta no suspense e no terror com elementos paranormais onde tentar inquietar com situações opressivas, atmosfera densa, cenários sugestivos e um fio de intriga sobre o que realmente esta acontecendo. Isso funciona ate uns 40 minutos do filme, logo começam a ficar entediante porque não avança mais e sua efetividade cai muito por causa dos sustos fáceis tão convencionais do gênero. Para logo cair num redemoinho onde a historia não tem sustento lógico e onde o desenlace termina sendo uma salada de idéias que um roteirista louco rouba idéias de filmes que não tem nada a ver entre si (The Jungle Book, Tarzan, O Predador, Os Outros e todas as de vampiros) e que juntas não tem lógica alguma.

Pena, um passo atrás no cine espanhol devido essa tentativa tão mal desenvolvida, que desperdiça todo o credito de um roteiro que poderia ser levado a um ponto extremamente interessante e que se perde no ridículo mais irrisório quando o filme revela seus mistérios e tenta dar uma explicação estúpida brincando com a inteligência do espectador, deixando obvio ao extremo.

O começo promete, mas termina defraudando muito o publico que quer reviravoltas e um argumento ao menos sólido.

Nota 2

Trovão Tropical (Tropical Thunder)

2008-11-04T20:29:00.000-08:00

Stiller teve algum dos melhores momentos de comédia das ultimas produções made in Hollywood, e agora se reinventou com um novo produto engraçado e inteligente, umas das melhores sátiras jamais feita sobre o cine de guerra e a indústria cinematográfica em anos. A abordagem é tão afiada como original: um grupo de atores tem que filmar o filme definitivo sobre a guerra do Vietnã numa selva da Indonésia, e lá vai ter que enfrentar diretamente com um perigoso grupo de traficantes de drogas, mas acreditando que tudo não passa de um filme.

Alem de contar com um elenco de estrelas (desde o legendário Mickey Rooney até Tom Cruise, Matthew McConaghey, Jack Black, Robert Downey Jr., Jenniffer Love Hewitt e a supermodelo Tyra Banks) Stiller tem a habilidade de criar um mosaico de personagens facilmente reconhecíveis e delirantes.
Merece destaque a desempenho de Downey Jr, que encarna perfeitamente o ator australiano esnobe que é capaz de mudar a cor da pele e coloca próteses quando precisa interpretar um personagem afro americano. Sobre a estrutura do filme, é uma sucessão de surpreendentes e loucas situações que vai sobrepondo geometricamente ate chegar a um final mais perto da grande guignol do que da comédia fina. Sim, é comédia grosseira, mas qual o problema? No final o importante de um filme cômico é que nos faça rir e esta atinge sob medida. O mérito é que Stiller não recorre à escatologia fácil, nem as bobagens fáceis; tem escatologia, mas é bem colocada; há bobagens, mas são colocadas inteligentemente. Tal como fez em “Zoolander”, um filme injustamente esquecido pelo público, que foi uma das comédias mais ácida dos anos 90 sagazmente direcionada a obsessão da moda, nessa ocasião o diretor/roteirista e ator consegue levantar uma reflexão sobre o sucesso e a despersonalização dentro de um impiedoso mundo capitalista, onde não há praticamente espaço para a humanidade. Agora vale tudo e salve-se quem puder, o resto são poses para revistas pra que sai bonito e que possamos opinar sobre. Por isso o importante é ver esse filme com vontade de ri, mas também sem preconceitos de ver humor negro e ainda que parem para pensar no que estamos assistindo (e o melhor é não fazer isso, porque na realidade o que queremos é rir e esquecer do mundo) daremos conta que o filme contém varias cargas de profundidade que dinamitam com muita inteligência a linha flutuante do filisteísmo que existe em nossa sociedade.
Stiller deu muita marcha ao corpo com esse trabalho, nos presenteando confortavelmente uma sessão muito divertida.

Nota 8

Jogos Mortais 5 (Saw V)

2008-11-03T16:08:00.000-08:00

Não esperava que a saga de Saw chegasse à quinta parte, pelo menos com uma nota boa, ainda que tudo seja repetitivo, o que me refiro que tem sangue, armadilhas e adrenalinas, a coisa ainda é boa e não me pega ao ponto do aborrecimento.

A mudança do diretor também não afeta, o diretor sai bem numa nova seqüência da saga mais gore que existe. Não chega a altura de James Wan, mas pelo menos consegue trazer os atores no seu lugar e gerir de forma satisfatória o filme.

Desta vez, o jogo não depende do velho e antigo Jigsaw, Tobin Bell, agora é o seu sucessor que se encarrega das armadilhas e que o fluxo de sangue corra sem parar.

Alem disso o filme é contado depois que termina a parte 4, explicando como se forma o embate Hoffman vs Stram, depois que este descobre que Hoffman é o novo Jigsaw. Podemos ver também as origens de Hoffman, o que levou a conhecer Jigsaw e a descobrir o jogo e planejar as armadilhas.

A historia é boa, na altura da saga e vindo de uma quinta parte, mostra que a situação esta boa. Creio que a saga termina aqui (espero).

Nessa ocasião o gore diminui drasticamente, convertendo essa seqüência a menos sangrenta, porem não menor.

Nota 6

Midnight Meat Train

2008-10-23T19:15:00.000-07:00

Não há dúvidas que o filme vai dar o que falar, porque tem elementos que o distancia das obras modernas do gênero, ainda que não chegue a sobressair como uma obra prima.

O filme arranha a maldade humana, nessa estranha sensação mórbida de introduzir no escabroso e no perigoso. O filme tem altas doses de GORE, mas tem um sentido estético bem diferente de filmes que ostentam sangue por sangue. O filme tem diversos pontos fortes:
-Vinnie Jones encarnando o mal em pessoa;
-o visual que adorna a historia;
-o sórdido cenário onde se desencadeia a carnificina humana;
-papéis protagonizados de acordo com aquilo que este filme exige;
-a truculência, o bom senso e a impressionante maneira como esta empregada;
-os efeitos especiais, oscilantes, porem combinados com algumas seqüências onde o bizarro e o rústico entram em jogo para marcar os exageros que o filme necessita para impactar;
-boa dose de suspense;
-fotografia escura que atingem ambientes tenebrosos para implantar a historia;
-o giro final que mantém esse filme longe dos típicos filmes slasher e de serial killers.

Ao final, é um filme de horror repleto de ar insalubre, que esconde um segredo subterrâneo onde somente o comboio da meia noite é testemunha privilegiada.

Um filme que por sua eficácia e força consegue inquietar com elementos já trilhados porem aqui reciclados de tal forma que nunca cansa e nem repele em suas atrocidades.

Nota 7

Boy A

2008-10-21T20:41:00.000-07:00

Começar uma nova vida é complicado, ainda mais se serviu uma sentença por assassinato.

Jack é maior de idade, por isso sai da prisão após uma condenação em sua triste infância. Seu erro foi a má companhia, um único amigo que um dia induziu a matar uma menina. Será que isso foi um erro de infância? Uma criança de 10 anos é consciente de seus atos? Deve ser julgado pelo resto da vida pelos seus atos?

“Boy A” é um filme sobre segundas oportunidades, mostra a evolução do personagem de Jack (interpretado por um correto Andrew Garfield) ao chegar à maturidade. Sua meta é começar do zero, levando uma vida digna, não obstante o fato de que ele nunca poderá esquecer o que aconteceu quando tinha dez anos. Embora sendo obrigado a esconder seu passado, ele sempre permanecera em sua memória, perseguindo, atormentando, com receio de que alguém ira reconhece-lo e repudia-lo. Porque no fundo a sociedade acha difícil perdoar um assassino.

No filme surgem sentimentos como a solidão, a dor, a dureza da vida do introvertido e estranho Jack. Ainda que possa enterrar seus atos do passado, sempre haverá alguém para tentar exumar esses cadáveres.

Nota 9

Os Estranhos (The Strangers)

2008-09-26T17:40:00.001-07:00

O trailer era fantástico, com ótima fotografia e uma ótima ambientação, mas o filme acabou sendo lento, enfadonho, absurdo e sem fundamento. Poderia ser resumido em apenas dois minutos de seqüência, porque a maior parte do tempo é gasto num primeiro plano da bela Liv Tyler e seus intermináveis passeios pelas casas atrás dos infames ‘estranhos’. O pior de tudo é que os invasores, parece ter alguns poderes como super velocidade, tele transportação e visão de raio-x, para saber onde esta o casal.

Sobre o comportamento humano nesse tipo de filme prefiro não comentar.

A parte do celular e do carro é ridícula.

Mas o pior de tudo é que pode ter uma seqüência, já que começa como acaba deixando-nos com a sensação de termos perdido duas horas de nossa vida.

Não recomendo para ninguém por ser chato e por não ter conteúdo. Por que se trata de um produto para levantar dinheiro à custa do público que espera um bom filme por culpa do trailer. Não recomendo por ser triste e vazia e acima de tudo não recomendo porque, no fim, faz-te sentir como um idiota por causa do comportamento dos três encapuzados, que a única coisa que a única coisa que me provocou foi uma enorme gargalhada.

Apenas salva a fotografia, o som (ótimo) e a atmosfera criada pelo diretor, mas o resto não funciona.

Nota 3

A Casa de Alice

2008-09-24T21:01:00.000-07:00

O filme é um retrato comum da família de hoje, pode ser algo generalizado para a família global, mas pode e devem centrar-se onde os filhos não se desligaram do lar e escolheram que a família desenvolva seus dias assim. Esta é a casa de Alice, ela, o marido e os filhos vivem em um pequeno apartamento com sua mãe, num subúrbio de São Paulo.

A câmera de Teixeira se concentrar nessa família disfuncional e sua expectativa mostra ingratidão, falta de tolerância, frustração e cinismo. O apartamento de Alice não se caracteriza pela paz e sim pelos gritos e abusos, cada um tem uma historia que não esta interligada entre os demais integrantes e existe uma imensa busca de atenção e amor. Criticas do machismo e o abuso dos idosos, a moral dúbia e as de saídas fáceis e erradas.

Dizem que a cultura sul-americana tem como a principal prioridade a família e não esta mal essa tendência de tentar manter-la unida. Mas o problema é quando os conflitos em casa se tornam habitual, considerados como normais, mesmo que todos os membros sejam afetados. O retrato de A Casa de Alice pode tornar-se comum nos paises latinos americanos, onde a situação econômica difícil e a explosão demográfica acabaram em apartamentos habitados por duas ou três gerações de uma família, que não optaram por sair e vivem em constante disputa com os verdadeiros proprietários.

Depois de Cidade de Deus os cineastas brasileiros têm um desafio constante em ultrapassar, mas é um fato positivo porque implica que a qualidade de nossos filmes tentará ser os melhores e não ficarão somente na tentativa.

A Casa de Alice é uma outra opção mais adequada aos problemas de uma família que é a estrutura menor de uma sociedade.

Nota 7.5

Transsiberian

2008-09-18T22:22:00.001-07:00

Emocionante filme de suspense que diverte graças ao enredo bem armado. Uma história com muitos enredos que vai aumentando a intensidade e o nervosismo, resultando em uma história onde misteriosos personagens são combinados com deliberada sobreposição, uma sórdida atmosfera onde a desconfiança e o perigo rondam constantemente, sugestivas paisagens geladas e claustrofóbicas sensação da impossibilidade de escapar quando o perigo ameaça inesperadamente entre as paredes dos vagões.

“Transsiberian” nos presenteia com interpretações sólidas do elenco, onde para mim Emily Mortimer consegue a interpretação mais convincente de todas, encarnando uma mulher que tenta esquecer os erros do passado e que não quer reincidir por amor ao homem que escolheu pra ser seu. Claro que as dificuldades vão se armando uma após a outra no Expresso Transsiberiano, colocando tudo muito mais difícil.
O resto do elenco acompanha corretamente, destacando Woody Harrelson como o esposo solidário que se envolve sem intenção em assuntos perigosos, o espanhol Eduardo Noriega e Kate Mara como coadjuvantes contribuindo intrigantemente com seus enigmáticos personagens e é obrigatório citar a experiência e o desempenho de um sóbrio Bem Kinsgley que espalha toda sua sabedoria para interpretar um personagem que detém bastantes surpresas.

O filme cativa porque seus cenários geram sentimentos de ansiedade e insegurança, porque o Expresso já não da margem à segurança, porque o território russo é hostil..., mas, sobretudo porque o argumento é bem orquestrado e vai conseguindo uma tensão emocional crescente com as tramas se desenvolvendo e mostrando situações complexas onde o menor erro significa a morte.

È um filme sobre crimes, trafico de drogas, corrupção, mentiras e verdades ocultas tingida de muita maldade onde a intenção de fazer o bem se dissolve rapidamente ar tão sombrio em que é inalado dentro do trem e nesses desolados e congelados cenários naturais da Lituânia.

Um filme intenso com suspense e tensão ao melhor estilo Hitchcock, um suspense frio repleto de planos escuros que deslizam sobre trilhos... Sobre frios e congelados trilhos de aço!

Nota 8

Hellboy 2 - O Exercito Dourado (Hellboy 2 - The Golden Army)

2008-09-08T18:17:00.000-07:00

O diretor mexicano volta à tona com seu personagem fetiche Hellboy, o herói criado por Mike Mignola não poderia ter caído em melhor mão e me da saudade de outra ótima seqüência, “Batman Returns” do também grandioso Tin Burton, se em sua primeira incursão algo estava impedido, aqui tudo é liberado como num carrossel do qual não queremos ficar de fora, as semelhanças entre o cinema de ambos os cineastas são mais que evidentes e complementares, os dois possuem um universo particular único e intransferível, autores sem limites na imaginação, criadores de essências, verdadeiros mágicos do celulóide.

Pura orgia visual, perfeita demonstração do que deve ser uma boa adaptação dos quadrinhos, cine ‘pulp’, divertido e com vontade de vencer, um combinado delicioso que nos embebeda sem arrependimentos, uma constante montanha russa, poder e criação de um filme mágico e agradável até o final.

O roteiro é pouco consistente que às vezes escorrega mas é perdoável, as mensagens muito tímidas que soltam durante o filme no plano ecológico tão de moda ou a critica social sobre o preconceito da sociedade aos que são diferentes, mas isso não compromete o resultado final, também como ponto negativo é deixar a trama aberta para uma terceira parte, mas que será bem vinda.

O MELHOR: o mundo mágico que o diretor nos transporta constantemente, repleto de criaturas e seqüências com forças indescritíveis. O poderoso prefácio da infância de Hellboy, a batalha contra o Deus do Bosque, a canção cantada por Hell e Sapien, a musica de Danny Elfman, a fotografia de Guillermo Navarro, o excepcional trabalho de maquiagem, sua atmosfera e muito mais...

O PIOR: um vilão sem sal.

Nota 8

Espelho (Into the Mirror)

2008-08-20T20:28:00.000-07:00

Começa bem, com uma cena bem sucedida num lavabo, mas acaba sendo mais uma historia oriental de fantasmas vingativos, mundos paralelos e conflitos psicológicos. Embora isso deixa com incógnitas, mas se origina no roteiro confuso e da trama meia frouxa e longa. Terror (mais suspense) psicológico com moças de cabelos longos que não descansarão ate saciar sua sede de vingança, isso não é o pior, mas também não é virtude.

O principal erro que alguém pode cometer é assistir “Into the Mirror” pensando ser um filme de horror. O filme do debutante Kim Seong-ho, contem seqüências que poderiam ser tiradas de qualquer trabalho feito para provocar tensão, alem de parecer muito aos filmes atuais que recorrem da sonoplastia para provocar sustos e tensão, mergulha o espectador em uma historia que fala sobre cicatrizes do passado, cujas raízes reaparecem constantemente, deixando o protagonista atolado num lamaçal de frustrações e de desespero, tentando superar todo esse leque de emoções que lhe sucedem.

Como de costume, isso se desenvolve com calma e sobriedade típicos dos filmes orientais, oferecendo uma historia com algumas seqüências legais com uma fotografia e trilha sonora respeitável.

No ponto de intriga e com um ponto a favor, poderíamos dizer que se desenvolve com manhã até o final, deixando o espectador ligado à tela. Uma pena, porém, que, para não ser discordante com outros produtos deste tipo fica muitas pontas soltas.

Talvez ele amarre essas pontas no ótimo final.

Uma boa interpretação do protagonista e alguns momentos no longuíssimo caminho que deixa um bom gosto na boca.

Nota 6

No Limite (Walk on Water)

2008-08-18T21:43:00.000-07:00

Não há duvidas que essa história se destaque pelo seu tratamento e a forma como lida com o ressentimento, desconfiança e desejo de vingança do povo judeu, contra aqueles que transgrediram sua dignidade e seus direitos humanos, bem como as idéias erradas sobre uma raça superior e perfeita aqueles que possam consideram até hoje alguns de seus opositores. Pensamentos vigentes em alguns lugares que impedem uma vida melhor. A discriminação, a desigualdade e a insegurança são apenas algumas conseqüências dessas ideologias vigentes.

“Walk on Water”, é um belo exemplo da coexistência entre o Judeu (obcecado) e o Alemão (envergonhado), onde cada um aprende com o outro, o seu modo de vida, para entender o passado, para manter vivo ou tentar resgatar-lo.

Sem cair em exageros e abusos das situações de discriminação ao longo de todo o filme, fazendo um trabalho minucioso e destacado de outros proeminentes do mesmo tema. Trata de que os povos não se devem culpar pelas ações de alguns e que os erros do passado não interfiram na possibilidade de conhecer novas convicções.

Um filme de esperança, sonho ou ironia, um filme cheio de respeito.

Parabéns Eytan Fox

Nota 9

Ressaca de Amor (Forgetting Sarah Marshall)

2008-08-13T23:03:00.000-07:00

Que a comédia americana esta completamente esgotada é algo que todos sabem, há muito tempo, embora a sua produção não para por isso. No entanto, a contínua repetição de clichês e estereótipos tem levado os espectadores ao limite da saturação. Por isso, muitos espectadores e críticos estão começando a decantar para outras produções longe do ‘mainstream’. Um deles é Judd Apatow, cujo estilo, na realidade não podia ser considerado estritamente como inovador, já que circula praticamente nos mesmo caminhos.

No entanto, seu estilo, longe do glamour das grandes superproduções, com certo toque de realismo e a ausência de grandes estrelas torna tudo mais próximo ao espectador. O fato de manter praticamente a mesma equipe, tem favorecido a transmissão de boas vibes em seus filmes. Nessa ocasião Apatow se conforma em ficar na produção deixando Nicholas Stoller na direção e Jason Segel no roteiro e interpretação.

O filme mostra de uma forma plana o fim de um namoro entre uma estrela de televisão (Kristen Bell) e Peter (Segel), que para superar a ruptura escolhe (sem saber) ir ao mesmo lugar que sua antiga namorada (que agora esta com um novo namorado): Havaí. Tudo se torna um longo catalogo de reuniões, mais ou menos fortuitas, justamente com a pessoa que não quer ver, dando origem a varias situações ao decorrer do filme, especialmente para ele. Na verdade, a situação que Apatow nos apresenta não é nada nova, mas o roteiro nos leva a identificar em maior ou menor grau com Peter, enquanto o publico feminino, fazem o mesmo com o caráter de Sarah, concentrando-se ambos os lados envolvidos no fim do namoro, ainda que às vezes exagerem no humor negro com referencias sexuais.

Por outro lado, o filme beneficia da presença de alguns membros do clã Apatow, como o personagem de Paul Rudd ou o recém-casado, cujas histórias são complementos perfeitos para a trama principal e contribuem para a consolidação deste universo peculiar perfeitamente reconhecível em todos seus filmes (até agora). A melhor coisa sobre o filme é a sua vocação de ser uma mera diversão, sem querer ir muito mais longe que passar bons momentos, nem eles se levam a sério e isso é o que transmite no final.

Nota 7

Felon

2008-08-04T00:27:00.001-07:00

Um intenso e emotivo filme que combina o suspense carcerário com cotas de drama sensibilizador derivado das terríveis conseqüências que acarreta quando se é um prisioneiro.

Em especial. “Felon” centraliza em criticar a frieza e a burocracia das leis, também não deixa de lado o clichê dos guardas carcerários corruptos que aprontam das suas e tentam deixar claro que a prisão não cumpre com seu objetivo de reabilitar sua população para sua reintegração na sociedade.

Mas, alem de seu fundo ideológico, tem um feroz e emocionante suspense sobre os códigos intra-prisional, sobre o modo como o direito penal fica retido na entrada da penitenciária para dar lugar à instintiva lei do ‘olho por olho, dente por dente’, que é a base padrão para a sobrevivência.
Onde, para sobreviver tem que saber estrategicamente com quem se unir e com quem manter distância, aonde o contexto belicoso vai moldando negativamente o comportamento do indivíduo que tenha entrado no serviço penitenciário promovendo uma transformação radical.

Surpreendi-me com as interpretações do duo, não tanto por Val Kilmer que sempre mostra seu talento, mas sim, por Stephen Dorff que aqui convence com um personagem cheio de vigor.

É um divertido e emocionante suspense carcerário carregado de altas doses de violência, com uma densa e perturbadora atmosfera cheia de miséria.

Infelizmente em certas partes o filme perde a sobriedade e realismo por alguns deslizes no roteiro, que o torna um pouco previsível e não muito credível pelo senso comum.
Também acho que medo do diretor se arriscar afastando um pouco os convencionalismo e jogar com uma alternativa mais incisiva e menos sensível.

Nota 7

Perto Demais (Closer)

2008-07-30T21:28:00.000-07:00

O veterano diretor Mike Nichols, um dos que melhor sabe como lidar com conflitos emocionais de relacionamentos amorosos, volta ao cinema após vários anos de dedicação a televisão com um drama estrelado por um time de atores dos mais atraentes do momento.

Desde sua estréia com o necessário “Quem tem medo de Virginia Woolf?” que Nichols foi marcando essa linha que foge das diretrizes hollywoodianas de relacionamentos simples e que mostram casais felizes. O amor pode trazer sofrimento (ou seria somente o obsessivo) e também nos causar muito dano. Foi com seu primeiro filme que ele demonstrou maestria nesse campo, com o confronto de dois grandes atores como Elizabeth Taylor e Richard Burton numa angustiante autodestruição conjugal que não parecia ter limites.

Em “Closer”, Nichols utiliza a bem sucedida obra teatral de Patrick Marber (que também assina o roteiro) para discutir direto e abertamente o doloroso cruzamento que o destino se encarrega de armar entre quatro personagens totalmente diferentes. Todo começa quanto um escritor frustrado que escreve obituário (Jude Law), e que vive com uma bela stripper (Natalie Portman), não consegue evitar a tentação de apaixonar-se por uma fotógrafa (Julia Roberts) que mantém uma relação com um dermatologista (Clive Owen).

Todos são bem sucedidos em suas atuações, mas é Clive Owen (que curiosamente havia interpretado na Broadway o papel que aqui cabe a Law) que se destaca com uma fantástica interpretação, dando alma a seu personagem. Pelo lado feminino, destaca-se Natalie Portman, que novamente demonstra que sabe selecionar bons projetos e transborda num papel cheio de nuances.

O filme é recheado com diálogos brilhantes, no qual a sinceridade vem em primeiro plano e conta com uma grande quantidade que dão realismo as interpretações (como, quando nos primeiros minutos, Portman limpa os óculos de Law enquanto conversam); mas também joga com situações surpreendentes e arriscadas para o desenvolvimento do filme, o que exige cumplicidade do espectador para funcionar.

O filme mostra algumas inteligentes elipses que ao principio pode incomodar alguns espectadores, mas imprimi um bom ritmo ao avanço da trama; com isso, Nichols mostra a incidência da durabilidade de certos sentimentos: amor, vingança e ódio.

Não podemos ignorar os cuidados com a fotografia, com atraentes conjuntos de sombras e contrastes cênicos, também sua trilha sonora que coloca o filme como um dos mais interessantes e realistas dos últimos tempos.

Nota 9

A Ilha da Imaginação (Nim's Island)

2008-07-27T16:20:00.000-07:00

A escritora canadense Wendy Orr escreveu e publicou há quase dez anos um livro infantil de umas centenas de paginas que seria sua obra mais conhecida, com o mesmo titulo do filme que falamos “Nim’s Island”. Teve o bom senso de não inventar uma saga em um mundo fantástico, em outra galáxia ou algo no estilo. Algo que começar e termina e pronto. Além disso, é um alivio encontrar uma historia que se não foge do convencionalismo infantil, mas que se desenvolve num lugar possível e com um toque nostálgico e ainda que não seja muito animado também não é desagradável.

Uma escritora fechada dentro de seu apartamento na cidade sofre de agorafobia e uma menina que vive numa ilha deserta é a contrapartida que coloca o filme como uma declaração clara do amplo espectro e situações desiguais que envolvem seres humanos em sua rotina diária. A conexão é um pedido de ajuda através da internet e de um personagem fictício que esta organizando o encontro na ilha para que um resgate possa acontecer. O filme brinca com os estereótipos do herói corajoso que vai tudo bem pra ele, aqui a fraqueza e as duvidas inundam o personagem que deve resolver a situação do incondicional amor de uma filha ao seu pai que esta em perigo de morte. Até os animais que sem capacidade de racionar podem ser chamados de heróis. O conceito de trabalho em equipe é forte, a aventura e a ação são convidadas de luxo num filme familiar ecológico que não faz mal a ninguém.

Tem animais espertos, aventuras no mar, paisagens paradisíacas, a menina Abigail Breslin (para sempre a pequena miss sunshine), tudo isso torna o filme bacana. Confesso que a maior parte do filme me cansou, mas em conjunto se torna muito mais claro. Objetividade ou subjetividade? Visão de um adulto ou de uma criança? Empate.

Nota 5

O Procurado (Wanted)

2008-07-27T16:05:00.000-07:00

O Procurado (Wanted)
Timur, um diretor que veio da fria Rússia, que depois de nos brindar com seus bacanas guardiões, cai no mercado de cine pipoca americano para nos mostrar objetos em câmera lenta como se fosse um programa do Discovery Channel. Pensei que com um grande orçamento poderia mostrar um pouco mais, porem me enganei.

Essa adaptação do comic “WANTED” é uma mostra que com uma boa campanha publicitária na internet se pode ter um êxito (52 milhões de dólares em seus primeiros três dias nos EUA).

Nem Jolie, Freeman (esse esta disposto a participar em qualquer coisa que lhe de dinheiro), nem um McAvoy com cara de ‘sou um grande ator, mas preciso fazer algumas bobagens para ser uma estrela’ salvam esse filme que bebe em Matrix e Guardiões da Noite.

Previsível, cansativa e com reviravoltas no roteiro que só fazem mais lamentável esse filme que nasceu com qualidade de produto destinado a adolescente com pouca vontade de pensar e muita de se divertir. O problema é que tenho outro sentido de cine pipoca, já que podem fazer um produto sem considerar idiota o consumidor.

Esse filme comprova a falta de originalidade que estão vivendo os produtores de Hollywood nos últimos tempos, capazes de pegar diretores de outras nações que fazem bons filmes e os corrompem na terra do Tio Sam.

Nota 4

Zona do Crime (La Zona)

2008-07-09T19:44:00.000-07:00

Dirigida pelo uruguaio Rodrigo Plá e co-produzida pelo México e Espanha, o filme nos leva a um bairro residencial de classe media alta mexicano, que mais parece uma fortaleza, rodeada de muros com câmeras de segurança e vigilantes privados que preservam a segurança e das misérias do exterior a um grupo de privilegiados.

Mas, uns ladrões conseguem enganar a segurança do condomínio e fazem que seus habitantes vivam um clima de terror e angustia ao saber que tem um estranho solto no condomínio.

O diretor oferece em forma de thriller essa história que nos trazem um fundo de denuncia. Não somente sobre as desigualdades econômicas, contado num plano geral (fala de um bairro mexicano, mas poderia ser perfeitamente qualquer um do nosso pais ou de qualquer parte do mundo) mas sobre a segurança de todos. Parece que a solução dos ricos é ilhar-se para sentir-se seguros e esquecer do mundo que os rodeia, criando uma espécie de mundo próprio, com suas próprias regras que nada tem a ver com o mundo real. De fato, não querem ter nada a ver e nem toleram a presencia de pessoas que não sejam eles.

O filme tem certos aspectos que poderíamos recordar a “M, O Vampiro de Dusseldorf”, mas na realidade esta mais perto do filme “A Vila” de Shyamalan, mas mesmo que o ponto de partida seja similar, as motivações e os resultados são bem diferentes em cada uma. Sem duvida alguma, nesse mundo pós 11/09, parece que estamos dispostos a perder nossos próprios direitos para sentir segurança, ainda que seja uma segurança artificial.

Essa artificialidade é a denuncia do diretor, graças a um elenco linear no qual ninguém sobressai (apesar que o papel de Maribel Verdú é a que parece ter mais presença), mas que todos estão magníficos, cada um mostrando as diferentes matizes que supõe ser uma coletividade.

Além disso, uma ótima direção, fazendo circular por cima desses argumentos um aparente filme de suspense, perfeitamente planificado, para conseguir um suspense desejado e o impacto às vezes, utilizando para isso das câmeras ao ombro e até mesmo as câmeras de segurança do condomínio conseguindo manter o fio, tudo isso narrado de forma rápida e precisa.

Um diretor a ter em conta no futuro.

Nota 8

Wall-E

2008-07-03T20:38:00.000-07:00

O filme vai mais além de uma homenagem ao cinema de ficção cientifica.

Poucos são os filmes que me faz sentir certa nostalgia. E mais poucos, são aqueles que tomam de assalto meu coração e ficam gravados para sempre. Mas Wall-e, não só conseguiu satisfatoriamente esses fatores, como despertou dentro de mim algo que estava oculto no mais obscuro do meu ser. Despertou em mim a capacidade de assombrar-me com algo, que achava que tinha perdido há muito tempo. Tocou-me no mais profundo. Me fez sentir pleno e feliz (sensação efêmera, que o tempo tornara eterna). Derramei algumas lágrimas, mas também sorri mas de uma vez . Senti a excitação da maravilha de estar diante dessa complexa arte que denominamos cinema.

Dizem que uma imagem vale mais que mil palavras.

Poderia passar décadas escrevendo e ainda sim, não plasmaria o que vi, o que senti e no que me converti.

Fantástica fabula que quase não possui diálogos, mas quem necessita deles, quando nos apaixonamos pelos fatos. Uma história que tem ama fusão perfeita com essa sublime animação e essa apoteótica musica.

Wall-e é um robô, e ainda sim aprendeu a ter uma personalidade. Isso e muito mais, aprendeu mais que muitos de nós aprendemos em toda uma vida.

Apaixonou-se por algo (ou alguém) que nunca pensou acontecer. Sentiu-se só, num planeta que cada vez mais deterioramos (e parece que não nos importamos). Aprendeu alguns conceitos que somente de lembrar-me, arrepia minha pele.

Perseverança.
Luta.
Sonhar.
Amar.
E dançar ao ritmo de “Put on your Sunday clothes” de “Hello, Dolly!”.

Para a posterioridade, ficarão as belas cenas onde vemos o protagonista de tão comovente aventura, dançar ao som de tão inesquecível musica.

Com belo trabalho de Thoman Newman na trilha. Impressionante animação, que esbanja perfeição por todos os ângulos. História de sonhos, frustrações e de lutas, porém, sobretudo de esperança. Mensagem que rasga a alma e final que ultrapassa toda a beleza que nos rodeia.

Um filme que nos faz buscar a estrela que pretendemos encontrar para nos converter (ou tentar) sermos melhores pessoas.

Nota 11

Pathology

2008-07-03T19:58:00.000-07:00

Se o sangue te desagrada, esse não é filme que deve assistir.
Buscando algo comercial, Milo Ventimiglia e Alyssa Milano, nos trás um projeto curioso, mas sem novidades, seguindo os clichês de diversos filmes, se torna previsível e até desagradável em certos momentos, porem não deixa de ser interessante o que o diretor consegue manter e o ritmo que permeia o filme.

O começo do filme nos situa numa paisagem nauseabunda e atroz, que entrega tudo que veremos pela frente. Um grupo de médicos forenses, residentes ou não, brincam com cadáveres, fazendo eles de bonecos de ventríloco. O alemão Schoelermann debuta com um longa metragem que incomoda. Deixando à margem, que ás vezes pode ocorrer o impossível , Pathology, com sua realização correta e com ares modestos e pequenos, é angustioso e original.

Não que não exista ou exista um grupo de médicos forenses que são loucos que se não abrem um cadáver um dia, perde o equilíbrio psicológico e se divertem com cadáveres. Vem em minha mente a obra do fotografo Joel Peter Witkin, outro desses transgressores que remove a ética e a moralidade de sua obra.

Seja como for, o diretor nos presenteia com uma cena poética e envolvente, com uma lenta musica de Sakamoto de fundo que, infelizmente não vem acompanhada de sabedoria por trás das câmeras, mas que é explicita e pode contrabalancear todos os maus momentos visuais do filme e que ficara guardada na memória.

Nota 6

As Ruínas (The Ruins)

2008-06-25T22:16:00.000-07:00

Bom, por onde começo?

Ah, sim, é um filme que fala sobre uns estudantes que depois de dias bebendo e se esbaldando em uma praia de Cancun, não visitaram nem uma das maravilhas que o México oferece, nem ao menos Chichén Itzá que esta ao lado e que é um patrimônio da humanidade (porque não ficaram em Santa Mônica ou em Miami, teriam poupado dinheiro e kilômetros), o que rapidamente nos faz acreditar que são norte americanos. Então de repente decidem embarcar numa expedição fuleira para resgatar um alemão que estava acompanhado com sua noiva arqueóloga em uma escavação recém iniciada. Ali acontece tudo que acostuma passar os protagonistas de filmes desse bichos, aqui nesse caso é mais ‘ecológico’. Esqueci de dizer que também tem uns nativos que falam o quase extinto dialeto maia (não falam espanhol) e que são mal encarados.

O resto é o de sempre: cenas de sustos, de gritos, que se corta ali e que se corta acolá, tem a menina histérica, a cena do apaixonado-sacrificado que para salvar a mocinha que puxa o carro mais assustada que uma dona de casa ao ver os preços dos tomares.

Em fim, se quer ver, veja somente porque gosta desse tipo de filme, sem ter alguma expectativa porque se não vai sofrer. Mas existem piores.

Os atores?
Passam diante da câmera e gritam.

Uma boa pedida no filme é a musica do Bonde do Rolê (Solta o Frango).

FUROS E SPOILERS

- Desde quando somente uma arqueóloga vai por conta própria em uma nova jazida arqueológica com uma barraca e um lampião. Não tem companheiros, nem equipamentos, nem meios de comunicação confiáveis, ninguém sabe onde esta e nem se esta viva.
- Se é uma escavação oficial, as autoridades saberiam algo deles, mais nem aparecem e nem os esperam.
- O alemão com o grego e os americanos vão buscar seu irmão desaparecido (sem avisar as autoridades, nem a embaixada, sem esperar ajuda profissional outra vez), deixam uma cópia do mapa do lugar porque se não volta seu colega Dimitri e não volta, então os gregos que sairiam às 7 da manhã seguinte sem avisar ninguém vão para a selva.
- A visão dos mexicanos é xenófoba, entre outras maravilhas da generalização esta que toda a água do México esta contaminada com fezes humanas e todos os mexicanos são gordos, sudorentos, com bigode e viram escravos totais quando lhes mostram uma nota de dólar, isso sem falar dos nativos que vigiam a pirâmide. Deve ser que o Patrimônio do México não tem idéia desse estupendo descobrimento, já que tem tantos.
- O estudante de medica, quebra ossos, corta pernas com faca de caça e cauteriza a amputação com uma frigideira (uau). Mas não é sábio: vai numa excursão resgate sob 40 graus na sombra e não lembra de levar alguns mantimentos, água ou uma simples aspirina, mas sim, levam os celulares porque na selva mexicana tem uma cobertura espetacular.

Nota 3,5

Download torrent e legenda
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Jogo de Amor em Las Vegas (What Happens In Vegas)

2008-06-18T19:58:00.000-07:00

Se existe algo que não podemos negar é que Las Vegas deslumbra, graças a ao efeito que produzem suas luzes e seus milhares de letreiros de néon, o ruído de centenas de caça-níqueis funcionando 24 horas, a possibilidade de viajar de Roma a Paris sem nem ter que sair do mesmo hotel, o único inconveniente desse lugar onde tudo pode acontecer, tudo é permitido é que tudo que acontece lá, você pagara fora. Isso é o que acontece ao casal de protagonista desse filme que conseguiu colocar a comédia escrachada e romântica vir à tona novamente porque estava condenada a afundar com roteiros repetitivos, atores sem graça e farrelys da vida.

Por um lado temos a rainha indiscutível do gênero, Cameron Diaz, no papel da mulher do séc. XXI que vive para fazer os demais felizes, seja no trabalho, com o namorado ou com amigos, sem parar pra pensar em ela. Por outro temos Ashton Kutcher, que representa um rapaz com... bom, é... tem talento para... ser lindo.

Depois de sofrer um duro golpe em suas respectivas vidas, decidem que a melhor forma para sair do buraco é fazer uma farra impressionante, com muito álcool em Las Vegas. O problema é que quando recuperam da ressaca eles percebem que em algum momento dessa fatídica noite ele disseram: Sim, aceito. E para complicar eles ganham 3 milhões de dólares que nenhum dos dois querem compartilhar com o outro e para arrematar um juiz obriga e viverem 6 meses juntos.

Á partir daí, as situações engraçadas ocorrem sem dar tempo de recuperar entre uma e outra. É que juntar dois pólos tão opostos só pode dar lugar a uma catástrofe de proporções épicas. Adicionamos os melhores amigos de cada um e suas delirantes ocorrências para conseguir o divorcio rápido sem que seus amigos caiam no terrível erro de se apaixonar um pelo outro. Tudo isso com uma trilha sonora funcional. O resultado é um filme gostoso.

Nota 6

Meu Nome é Taylor (Drillbit Taylor)

2008-06-18T19:19:00.000-07:00

O primeiro que o espectador pensa ao ser apresentado aos personagens desse filme é que estamos diante de uma espécie de flashback da vida dos protagonistas de Superbad (não é a toa que ambos filmes compartem parte da equipe de roteiristas e produtores). Então temos, o gordinho, o magrinho de óculos e freak que temos que descobrir já que em sua aparência e acredite somente em sua aparência é algo mais normal.

Também nessa ocasião um dos três junta-se a outros dois, amigos de sempre. Tem outras semelhanças, como todos aqueles que caem em clichês nesse tipo de cine norte americano juvenil (festas privadas em mansões, diálogos picantes e gozadores, aventuras e desventuras amorosas, etc.) para ser um versão (não oficial) mais infantil daqueles deliciosos personagens, aqui não existe a obsessão pelo sexo oposto, concentrando apenas nos problemas que os mega-freaks tem no colégio onde são expostos aos abusos dos mais populares. O que tem graça é que um deles é um dos assassinos columbeiros de Elephant, que de alguma maneira se auto parodia.

O problema é que esse filme tem menos graça e é menos inspirado que Superbad (ainda que tem seus pontos altos) e sem a mensagem não tão sutilmente oculta que apontava detalhes da relação entre os protagonistas tão insólitas nesses subgênero, com um final que elevava acima de outras obras similares. Aqui não tem nada disso.

E infelizmente temos Owen Wilson que depois de sua tentativa de sair do meio e não digo somente do cine, não é o mesmo sem Bem Stiller ou Wes Anderson.

Nota 6

Um Crime Americano (An American Crime)

2008-06-18T16:23:00.000-07:00

Uma das regras da Igreja Batista Fundamentalista é a seguinte: fidelidade a fé cristã na vida diária, no trabalho, na família, na sociedade e a persistência em pregar a palavra para todas as criaturas. A senhora Gertrude Baniszewsky, viúva, doente e com 7 filhos sobre as costas, decidiu pregar com a cumplicidade de todos seus filhos sua palavra a uma inocente menina de 16 anos, à base de humilhações, torturas, mutilações e abusos sexuais, envolvendo assim todos os vizinhos de um povoado perdido de Indianápolis, no ano de 1965. A menina em questão era Sylvia Likens, que ficou ao cuidado de Gertrude junto a sua irmã menor, já que seus pais teriam que se ausentar por uma temporada devido ao trabalho. Crasso erro. Estavam deixando suas filhas na mão do mal personificado, o mal de uma sociedade que justifica os fatos argumentando que tais castigos são necessários para salvar uma alma perdida.

Poderia ser o argumento de um filme de horror, porem ocorreu nos EUA. Num autêntico e despiedoso crime americano. Sob a pele do horror do resultado final desprendem vapores nauseabundos da repressão sexual, os ensinamentos dos ignorantes a base de surras e humilhações, a imposição férrea de idéias cristãs travestidas em regras fundamentalistas e sobre tudo ilogicidade do ser humano quando a violência se apodera dele e já não pode parar.

Ao assistir, somos surpreendidos por suspiros para aliviar a sensação de náusea enquanto o corpo busca se acomodar na poltrona, que nos obriga a presenciar como quase todo um povoado tortura uma menina inocente. A lista de abusos são intermináveis, ainda que Tommy O’Haver nos mostra uma grande parte do que aconteceu, tão só estamos na ponta do iceberg. Se colocarmos-nos a investigar um pouco, constatamos que os próprios habitantes de Indianápolis considerou esse crime como o mais dantesco perpetrado contra uma pessoa em toda sua historia e o que sofreu a menina passa do limite do suportável. Por isso O’Haver evita que nos revoltemos além da conta e nos mostra o necessário para darmos conta do que podemos ser capazes de fazer em nosso mundo supostamente civilizado e democrático.

Custa falarmos de outra coisa que não seja a historia, porem tenho que ressaltar o magnífico trabalho de Catherine Keener como Gertrudes e de Ellen Page como Sylvia. O choque entre as duas é colossal, mas Keener ganha, porque seu olhar frio, perdido e acolhedor consegue o efeito desejado.

Um Crime Americano é um filme necessário em nosso tempos, no qual a tortura e a humilhação são justificados com fins políticos e que supostamente o correto eticamente sempre mora no ocidente, ainda que ver o filme nos embrulha o estômago.

Nota 9

Fim dos Tempos (The Happening)

2008-06-14T17:52:00.000-07:00

Muitos esperavam ansiosamente esse novo filme de Shyamalan, apesar do tropeço em A Dama Na Água , pois parece que o anterior filme não impediu que Fim Dos Tempos fosse um dos filme mais esperados da temporada. Eis que o temos, o diretor resolveu regressar a suas origens brindando com doses puras de suspense nesses filme que a principio se chamaria The Green Effect.

O trailer é fantástico, o suspense e essa sensação de paranóia envolve o filme desde os primeiros minutos. O titulo deixa uma ambigüidade no ‘ar’, às vezes tem um toque gore extra em algumas cenas. A idéia é muito interessante e ai recai todo o peso de Fim dos Tempos.

A idéia central é um prato cheio para intrigas e deixar suspense no ar, mas esta se acaba dramaticamente no ultimo terço do filme, onde simplesmente o roteiro se escapa das mãos do diretor e sentencia o filme com um péssimo final. A idéia dava para muito mais. Para que aquela tonta historia de amor, atuada mediocremente. Quando saímos do cinema temos a sensação de ter sido enganado por um trailer que prometia muito mais.

As atuações ao medianas, mas em momentos se tornam desnecessária e pobres. Alguns personagens são inúteis na historia, inclusive parece forçados para um momento chave do filme.

O filme tenta dar o melhor de si, um trailer assombroso, mas que uma vez na tela, passa por diversas etapas, que vai desde o suspense extremo, as intrigas e a paranóia (tem cenas para recordar), ate a raiva, a confusão e a sensação de ser enganado. Fim dos Tempos contem um excelente inicio, um desenvolvimento ótimo e um pobre final. Uma idéia mal aproveitada. O pior é o que o diretor sempre insinuou o que agora ele mostra.

Prefiro Al Gore.

Nota 5

Medo da Verdade (Gone Baby Gone)

2008-06-06T20:19:00.000-07:00

Nunca imaginei que Bem Affleck acertasse na direção de um filme. Affleck e Aaron Stockard adaptaram a novela de Dennis Lehane, também autor de Sobre Meninos e Lobos, obra que Eastwood adaptou brilhantemente.

Os dois contam com matéria prima parecida, o que faz inevitável as comparações. “Medo da Verdade” é um filme lúcido, um suspense que fala sobre valores morais e o faz de forma tão natural que centenas de perguntas passam pela cabeça de todos os personagens do filme, também passam por nossas cabeças e perguntamos, o que faríamos nos sobre tal dilema, diante de uma situação tão comprometedora? O que é o correto? O que é o incorreto? Quem tem razão, se é que alguém tem?

A verdade é que parte do filme me pareceu previsível. Tem alguns tiroteios longes que não se vê o que ocorre e temos que acreditar no que diz as testemunhas. Se você viu “Os Suspeitos” e uma serie de filme com reviravoltas de roteiro sobre um flash-back, o final não surpreendera. Mas a parte que mais me interessava nesse filme é outra (e esta não é nada previsível e superou minhas expectativas porque Affleck estréia na direção). É a leitura interior do ‘eu’ de cada personagem. Todos tem duvidas sobre o que é o correto.

Desde a melancolia da voz em off inicial, sabemos que será um filme escuro e triste. Como o que existe em volta dos personagens. Ben Affleck é melhor diretor que ator (o qual não era muito difícil, mas ele dirigiu de uma maneira impecável para ser sua primeira experiência).

A fotografia é muito limpa e bonita para a historia que narra, mas tem certas cenas como as ultimas horas do dia com uma luz maravilhosa (como a que esta Ed Harris no telhado com Casey Affleck), que acredito que nos vem dizer, que apesar de tudo existe beleza no mundo.

Souberam alternar planos fixos com travellings dinâmicos nas cenas de ação, o que da ao filme um ritmo adequando em cada momento. Como na vida, existe momentos cômodos e incômodos.

Ademais o filme mostrar que Casey é bem melhor ator que Ben. A profundidade moral do personagem o leva a uma auto-destruição pessoal por cumprir uma promessa e seguir suas convicções até as ultimas conseqüências.

Nessa parte do filme me lembro muito a El Cebo e sua refilmagem The Pledge – A Promessa (detetive que da sua palavra a uma mulher que encontrara a sua filha e fará todo o possível para cumprir sua promessa).

Os últimos cinco minutos são de um anti-climax antológico. Desejo sorte a Bem em sua carreira como diretor e espero não ver ele nunca mais diante as câmeras. Como roteirista ninguém duvida do seu talento, mas nos tortura com suas interpretações nos filmes. Agora como diretor, abriu uma porta de prestigio na qual acredito que deveria agarrar com força.

Nota 8

CJ7

2008-06-06T17:18:00.000-07:00

Alguns diretores despertam amor ou ódio, Stephen Chow é um dele e normalmente isso acontece com aqueles que tem uma personalidade bem definida que logo se reflete em seus filme, por exemplo: o odiado Uwe Bol ou o amado Tarantino.

A influencia dos mangas nesse filme e nos anteriores desse diretor esta a flor da pele, muitos defendem seus efeitos, mas esta claro que se um filme desse tipo fosse dirigido por alguém menos conhecido, estaria condenada a vagar por prateleiras de vídeo locadoras ou em sites obscuros na rede. Talvez esse delicioso filme protagonizado por um suposto cachorro alienígena, um garoto estranho, alias muito estranho (provavelmente a meia laranja cinematográfica de Chow e seu herdeiro gestual, ria você de Jim Carrey) e por um pai do estilo Sr. Valores Éticos e Morais, seja mais assistivel em uma tarde de domingo. Trilha sonora? Tem uma canção grudenta dos anos 70 e outra dos anos 80 e uma pros momentos de tensão que ameniza quando rola algo meio anime, mas a diversão e a emoção é garantida.

Chow é um esperto, uma dessas pequenas jóias brutas da cinematografia da China. Diferente de outros diretores, não se resume a um ar intelectual de alguns famosos asiáticos e igual a Kitano conta com um toque muito especial que poucos são capazes de conseguir em seus filmes. O problema é que falar de Chow é falar de um tipo de cine muito particular, mundano e inclusive pouco visto. Dentro de sua filmografia podemos encontrar com todo tipo de historia das mais absurdas que sem embargo apesar de seu aspecto simples e descafeinado conseguem exaltar todo tipo de sentimentos.

CJ7 é um filme puramente Chow, com a presença do pequeno Min Hun Fung como protagonista e com o realizador em segundo plano . Em uma família extremamente pobre composta por esses dois personagens, Min Hun representa a ilusão infantil e o respeito ao seu pai que mantém uma relação muito próxima. Chow além de trabalhar, também da lições para seu filho para fugir dos conflitos que sofre em seu colégio, uma instituição de luxo aceita o menino. A aparição de um estranho objeto alienígena é o acontecimento mais importante do filme, o motivo da metamorfose que sofrera a vida desses personagens, alem de ser o personagem animado mais fofo e chamativo do cinema oriental.

A moral do filme, como é habitual em Chow, é dirigido às classes marginais e faz eco de auto-superação que sempre são capazes de conseguir todos os personagens do diretor, como também sucedo em CJ7. Humor puro e duro combinado com uma boa dose de drama, apto para todos os públicos, um filme que vem mostrar que nem sempre é necessário um humor fino e delicado para entreter. Apesar que às vezes roça o absurdo em muitas ocasiões.

Nota 8

O Banheiro do Papa (El Baño del Papa)

2008-06-03T23:11:00.000-07:00

Uruguai está localizado na América do Sul, faz fronteira com o Brasil, Argentina e tem sua costa sobre o Rio do Prata e o Oceano Atlântico. Um pai com pouco mais de 3 milhões de habitantes e a base de sua economia é a pecuária.

Como todo país de terceiro mundo realizar qualquer expressão artística e poder levar além de suas fronteiras necessita muito dinheiro, dinheiro que não é destinada a arte devido a pobreza de um país sub-desenvolvido. A qualidade dos filmes uruguaios não são das melhores, não porque não tem bons atores, produtores, etc., mas porque não contam com equipamentos de filmagem mais avançados e porque fazer cinema esta ao alcance de poucas mãos.

O Banheiro do Papa é sem duvida a demonstração de qualidade do cinema uruguaio e que os inconvenientes antes ditos já não são tão notórios. É um belo e simples filme, sem os grandes clichês dos heróis norte-americanos, aqui tem personagens adoráveis e fáceis de encontrar em qualquer país da América Latina.

Totalmente cálido e representativo porque mostra os uruguaios realmente como eles são, com suas ilusões de seguir adiante, com a esperança às vezes incoerentes e sua ingenuidade, com a alma sã e mal intencionada. É um orgulho esse filme feito com suor e lágrimas como tudo que fazemos desse lado do mundo. Verdadeira e maravilhosa que descreve a vida em qualquer povoado do Uruguai e de quase todos os paises da América do Sul.

“Como fazer para sustentar uma família sem trabalho estável, vivendo quase na indigência e sem capacidade de melhorar?”

Quando isso sucede no Uruguai, assim como poderia ser em qualquer país economicamente flutuante, no momento que o Papa vai visitar-lo, pode parecer uma luz de esperança, quando tem uma oportunidade. Essa é a pequena história de um pequeno pobre homem, que trabalha com sua bicicleta na fronteira fazendo contrabando e que tem a idéia de fazer um banheiro e alugar para os visitantes que virão ver o Papa João Paulo II quando chegue na visita programada pelo seu próprio povo lá pelo começo dos anos 80. Um povo inteiro se rende a ilusões com tal oportunidade e enquanto alguns preparam guloseimas, nosso ingênuo protagonista constrói um banheiro com as melhores das intenções. Essa complexa situação é um pretexto para mostrar uma família à beira da separação, mas pela falta de recursos que pela autêntica falta de amor. Com grande êxito mundial esse filme consegue comover pela realista dose de realidade e o toque do cotidiano, porque “O Banheiro do Papa” desarma qualquer pessoa e lhe da a afável esperança que todos nós humanos precisamos.

Fotografia memorável. A trilha te faz levitar e sentir em alguns momentos na própria pele dos personagens, mas nunca chegaremos a estar, nem a entender suas dificuldades que possam ter essa gente.
Roteiro fantástico.

Nota 10

The Signal

2008-06-01T18:32:00.000-07:00

Televisão, celulares, rádios são as armas desse filme. Tendencioso ele abusa da comedia e horror num mundo apocalíptico onde as normas normais de socialização não existe mais, pelo ângulo no novo horror indie, esse filme é uma pérola que descaradamente chupa Kiyoushi Kurosawa’s “Pulse”.

Contando com 3 atos intitulados transmissões e não existindo nenhuma diferença notável entre eles no estilo (talvez um pouco mais no segundo que abusa do humor negro), que no final o combo é bem proveitoso.

O roteiro utiliza o mesmo estilo rewind de Pulp Fiction e nunca esta intrínsecos. Original e dinâmico o filme consegue que entramos na pele dos principais personagens e de suas paranóias.

Digno de participar do festival de Sitges e merecedora do premio de melhor filme. Um filme modesto e sem grandes pretensões, pois se concentra nas experiências sofridas pelos protagonistas sem pretender dar uma explicação da origem do sinal, nem suas conseqüências catastróficas.

Uma pérola que desde o principio nos convertemos ao seu próprio sinal do qual não podemos desconectar e nos proporciona um estado empático com diferentes estados de paranóia, neurose e agressividade sofrido pelos personagens.

Nota 8

Atos Que Desafiam a Morte (Death Defying Acts)

2008-05-23T20:39:00.000-07:00

Gillian Armstrong, autora do excelente “Charlotte Gray”, nos apresenta um filme de magia, amor, intriga, farsa e sobrevivência, combinando fatos reais com ficção. Não esperem uma biografia de Houdinni.

Sua direção é clássica, com bons enquadramentos, ambientação cuidadosa e com a sã intenção de nos presentear com um bom momento de entretenimento, sem mais pretensões. Tirando isso, tenho que dizer que tive a sensação que em alguns momentos, a historia custa avançar e resolver os encontro e desencontros entre Guy Pearce e Catherine Zeta-Jones.

Assim as coisas, para os que estão com expectativas altas, talvez decepcione, já que tem tudo pra ser um bom filme: atores, diretora, orçamento e equipe técnica, exceto um roteiro bem acabado, já que a trama no final deixa um leve sabor de mel nos lábios.

Os atores estão bem. Destacando o sempre bom Timothy Spall, no papel de agente de Houdinni, que se desespera para que tudo saia bem para seu pupilo e Saoirce Ronan que novamente rouba o filme assim como fez em “Desejo e Reparação”.Catherine Zeta-Jones aparece belíssima e mais magra, com especial atenção na cena do baile e o magnífico beijo, um dos melhores vistos ultimamente e a bela cena do cemitério onde se vê a silhueta de Zeta-Jones e Pearce. Pearce esta correto, sem transbordar a interpretação.

Uma das maiores virtudes é a duração, nos conta tudo que passa sem alardes gratuitos. Nesse sentido é um filme honesto pela sua claridade.

Por desgraça, um dos maiores problemas do cinema atual é ter um final convincente e o de “Atos Que Desafiam a Morte” é um pouco morno.

Nota 6,5

Longe dela (Away From Her)

2008-05-21T18:00:00.000-07:00

Intenso e poético drama.

Conhecida pelo filme “A Vida Secreta das Palavras” de Isabel Coixet, a atriz canadense de apenas 27 anos, debuta com maturidade na direção cinematográfica, elegendo a história de um casal de velhos e como repercute em ambos a doença da mulher, magnificamente interpretada por Julie Christie. À partir da difícil abordagem de um tema como Alzheimer, o filme realiza uma profunda radiografia de sentimentos fundamentais.

Sem sobrar emoção nem dureza interior as seqüências rodadas com um ‘tempo’ pausado é adequado para a história e o tema tão difícil é realizado com sóbrio equilíbrio.

A doença como tema é o ponto de partida mas não o único pilar do filme. Em meio a tendência patológica de perder e não recuperar, a personagem de Christie coloca-se em uma luta interessante, defende esse frágil fio que ainda a amarra as coisas, buscando humor numa situação que supõe ser triste.
A insistência que somo algo mais que nossas lembranças, que a memória não é o único que importa e que perdendo-a, ainda existem valiosas percepções sensoriais que normalmente não valorizamos, são constantes que abrem e fecham o filme, insistindo que a memória e tempo são um caminho de ida e volta imprevisível, onde o esquecimento nem sempre é cruel e às vezes até desejado, tal como filosofa Fiona, comovida ao redescobrir a cor amarela nos lírios que crescem sobre a neve.

Com uma visível vontade de atender os aspectos mais humanos do cine, o relato desliza cheio de elegância que encontrar o ponto justo para as duras seqüências da doença sem cair no sensacionalismo do golpe baixo, contada a partir da montagem paralela de tempos diferentes, onde o silêncio importa tanto quanto os diálogos, a expressividade do olhar como ação exterior, o entorno mas como um espelho anímico dos protagonistas, que como a beleza puramente estética.

Acima da média, essa obra-prima da jovem diretora, aporta uma estimulante linha do cinema sobre histórias interiores, líricas e sensíveis

Nota 10

Imitação De Vida (Imitation Of The Life)

2008-04-22T13:43:00.000-07:00

Ultimo filme de Douglas Sirk, que em 1959 retornaria a Alemanha, onde se dedicaria à direção de peças de teatro e de aulas. Baseada na novela “Imitation Of The life” (1933), de Fannie Hurst, da qual é a segunda adaptação para o cinema. Filmada em Hollywood, Sunset Boulevard (Hollywood), Aquarius Theatre (LA) e LA (CA). Nominada a 2 Oscar, ganhadora de 1 Globo de Ouro. Produzida por Ross Hunter e estreada em 1959.

O filme se passa em NYC em duas épocas (1947 e 1958), separados por 10 anos. Douglas Sirk já tinha decidido deixar os EUA quando aceitou a realização da obra, na qual tem a oportunidade de fazer uma analise critica da sociedade americana do momento. O filme é um melodrama, cuidadoso e estilizado, que exagera nos aspectos menos verossímeis do relato, exalta sentimentos comuns (amor, ódio, egolatria, dominação, etc.) e beira o folhetinesco, sem cair nele graças a seriedade, altura e elegância da direção. Centrado em 4 mulheres, não se ajusta no que se conhece como filme para mulheres, subgênero no filme que supera em transcendência, profundidade e visão geral dos temas que trata.

Sirk explora, com objetividade e a distancia, a sociedade americana do final dos anos 50, na qual identificamos sintomas de insegurança, repressão e violência. Ademais, pobreza extrema (pessoas sem teto), novas formas de exploração dos mais fracos (tratados de escravidão doméstica de afro-americanos), racismo agressivo (o namorado que espanca a parceira quando descobre que ela é mulata), corrupção e abusos generalizados em importantes grupos sociais (mundo do espetáculo), uma cultura que supervaloriza o êxito econômico, a fama e o materialismo, o destino dos perdedores que que esquecem os sentimentos e a honra pela ambição, a hipocrisia de moral dupla, a intolerância com as diferenças, etc. A vida sem afeto, carinho, generosidade, honra e amor aos demais e dos demais, pode ser uma sucessão da vida ou uma vaga imitação da mesma, mas não é vida. O realizador coloca no fundo do relato, uma visão amarga e critica da realidade, que levou ele a abandonar os EUA, para regressar ao pais natal, onde permaneceu longe do êxito, fama e fortuna.

A musica de Frank Shinner, com inserções de Henri Mancini (não creditado), envolve a narração em melodias (13 temas) de grande nível. Destacando “Succes Montage”, que em sucessivos planos sonoros descreve a ascensão gradual da protagonista de 48 a 57. Mahalia Jackson canta “Trouble Of The World” no qual possivelmente é um dos dois momentos mais emotivos do filme. A fotografia do grande Russel Metty, cria composições de grande força plástica, que engrandece a obra e lhe confere excelência. As interpretações femininas são notáveis.

Nota 9

WALK HARD: THE DEWEY COX STORY

2008-04-14T17:51:00.001-07:00

A nova obra da trupe de Apatow é, pra variar, uma comédia mordaz que nesse caso recai habilmente no mundo da musica. O estrelato, a fama e a posterior queda de um ídolo até sua redenção final e sua busca interior.

Dewey Cox, narra a historia de um cara que decide dedicar-se a musica por um golpe do destino e acaba se convertendo numa estrela, conhecendo inclusive Elvis Presley e os Beatles. Durante os 40 anos que a historia se desenvolve, sempre com o mesmo ator, um genial John C. Reilly, seguimos seus passo e os de sua banda, e seus contatos com tudo que havia na época, inclusive as drogas.

Tudo esta retratado de uma forma muito cômica e humana, às vezes exagerada, como vem se firmando a grife Apatow e sua turma de freaks. Justo ai, esta a força do filme, com um roteiro aceitável, com momentos hilariantes que arranca gargalhadas de forma constante como poucas comédias conseguem. Humor negro ao extremo e atores a vontade.

Algumas coisas que faz o filme inesquecível:

- Jack White dos White Stripes como Elvis, Jack Black como Paul McCartney, Justin Long como George Harrison, Paul Rudd como John Lennon, Jason Schwartzman como Ringo Starr, Lyle Lovet, Jewel, Frankie Muniz como Buddy Holly
- Os judeus
- Suas relações com as drogas, especialmente com o LSD e a parodia de Yellow Submarine
- Com o estilo de Dylan, cantando canções sem nenhum significado
- Com os Beatles e o Maharishi, na Índia buscando o ‘eu’ interior
- Com o estilo de Brian Wilson
- A cena ‘disco’
- Morreu o garoto erradooooooooooooooooooo.

Nota 8

Be Kind Rewind

2008-04-07T14:11:00.000-07:00

No começo custa entrar no filme, devido a trama, o tom usado, etc, mas uma vez dentro já não queremos mais sair.

Um dos pontos fortes é a constante referências a milhares de filme com o qual crescemos: o pôster de Blast From the Past - casualidade? Não se aproximam os protagonistas no cinema como Brendan Fraser ao amor? – a louca que precisa assistir Conduzindo Miss Daisy e todos os filmes que os protagonistas recriam (Jack Black se magnetiza e apaga todos os VHS da locadora de seu amigo, fato que leva eles a filmar novamente com câmera na mão, de um modo totalmente amador mas super original e gracioso): Os Caça-fantasmas, Robocop, O Rei Leão, De Volta Para o Futuro, Rush Hour 2, 2001 – Uma Odisséia no Espaço, etc... É aqui onde todo o talento e imaginação visual de Gondry alcança o melhor rendimento e onde mais desfrutei como uma autêntica criança, igual a ele, que alguns anos atrás se deliciava com as viagens lunares de Méliès.

Não creio que com Be Kind Rewind, Gondry pretenda rir dos filmes comerciais (talvez por isso o filme acaba sendo mais comercial do que o diretor nos acostumou) e todos esses deliciosos filmes dos anos 80 e cia., se não a comercialização impessoal desses filmes (que por outra parte, é a único que os financia e permite sua existência). Parece que diz: os filmes como Robocop me fascina, gosto tanto que quero render homenagem, o que não gosto é o marketing que os rodeia, o mercado que corta o vôo de todos esses artistas (pensem no personagem de Sigourney Weaver). Cospem na mão que os alimentam, igual Clube da Luta. Reinvidica o cine como uma arte livre desde uma multinacional, porque é o meio que permite fazer em grande escala. As mesmas contradições de sempre, a mesma velha dicotomia arte/indústria do cinema.

Fats Waller era um artista do jazz que fez de sua arte sua vida, apesar de todos os inconvenientes. Michel Gondry é Fats Waller (esse pianista com mãos de ouro ignorado pela crítica) e Mos Def é Michel Gondry que, apoiando-se sobre tudo que ele alimentou em seu início, acaba emergindo como um deus/criador de um maravilhoso mundo imaginário, tão maravilhoso como esse documentário sobre um Fats Waller imaginário que viveu em Passaic, Nova Jersey.

A sim, o filme também é uma deliciosa comédia.

Não contente com isso, Michel Gondry levou essa espécie de 'metacine' até o paradoxismo na NET; explico: Be Kind Rewind, trata de dois caras que reinterpretam os filmes comerciais de forma amadora e alcançam um êxito sem precedentes, com todas as conseqüências negativas/positivas que algo assim poderia desencadear?

Então, circula no Utube um vídeo que o próprio Gondry nos faz crer que Be Kind Rewind foi apagado e a continuação ele reproduz com câmera na mão no estilo Def/Black. Cinema que versiona cinema que estava versionando cinema.

O melhor é que já circula pela internet milhares de versões be-kind-rewinderas de clássicos do cinema comercial... Michel Gondry acabará democratizando o ato criativo cinematográfico? Talvez, porém os gênios continuarão nascendo a conta-gotas.

Curiosa a raiva que senti ao ver como acusam Mos e Jack de plágio, sentimos que no fundo estão roubando eles, que cortaram as asas a dois sonhadores, algo parecido sentiria Gondry quando no mundo real proibiram ele de incluir ‘homenagens’ a vários filmes, por direitos autorais e essas besteiras da lei, destruindo assim várias possibilidades do filme.

Feito, que por certo, me parece absurdo, já que a conversação que os três protagonistas mantém na cafeteria sobre O Rei Leão animará muito mais pessoas a ver o dito filme que milhares de intentos por parte dos encarregados de marketing da própria Disney.

Nota 9

Shine a Light

2008-04-02T19:28:00.000-07:00

Um documentário que não é mais que um show bem filmado montado com algumas tomadas resgatadas do passado dos Stones, onde suas majestades deixaram claro que sempre quiseram ser bad boys.

Sem aprofundar nos integrantes da banda, Shine a Light imortaliza os temas do show de 2006 no Beacon Theatre de Nova Iorque, mas em nenhum momento trata de documentar a trajetória e personalidade de Jagger, Richards, Wood e Watts além do puro estereótipo.

As intervenções estelares de Cristina Aguilera e Jack White não é mais que a tentativa de modernizar a idosa banda e de levar o marketing mais além do imaginável.

Com Shine a Light, Scorcese assina mais uma obra menor de sua filmografia que sem duvida rendera mais dividendos que prestígio, igual aos Rollings que também produzem o filme.

Nota 5

Frontiére(s)

2008-04-02T18:57:00.000-07:00

O filme começa e achamos que estamos diante de um filme de Noé. Violento e radical, a câmera não para quieta um minuto. Mas depois do começo espetacular, a coisa desanima e desanda cada vez mais, chegando ao final onde se meteu as mãos pelos pés totalmente.

Praticamente uma refilmagem de O Massacre da Serra Elétrica européia. Os atores gritam, gemem e choram demais, a interpretação deles se resume a isso.

Torture porn esta se tornando o que o J-Horror se tornou.

Uma mistura de O Massacre, Quadrilha de Sádicos e Chocolate com Pimenta (que diabos era aquilo, era o Kayki Brito, um travesti, uma criança ou um ser de outro planeta com cara de homem, roupas de camponesa e capaz de reproduzir),

Nota 2

Traidos pelo Destino (Reservation Road)

2008-04-02T10:11:00.000-07:00

Curioso que o que prometia ser um dos grandes filmes do final de ano nos EUA, acabou se tornando um fracasso absoluto.

Reservation Road tem todos os ingredientes para ser um grande filme. Um diretor sólido e com potencial, que fez o magnífico Hotel Rwanda, quatro intérpretes principais de talento de sobra e uma história dramática que aprofunda no sentimento de culpa, vingança e perdão e o sentimento da perda de um filho. Temas extremamente profundos. Desgraçadamente a mistura de todos esses ingredientes a priori extraordinários ficou num resultado que não passa do correto. O potencial narrativo do diretor aqui não se vê em canto algum, parece um telefilme de luxo. A historia não se aprofunda nos temas ditos, se não que passa raspando por eles. Sim, é verdade que consegue vários momentos bastante emotivos, mas com a historia que é contada não é difícil.

Joaquim Phoenix continua sua linha de personagens atormentados, ainda que faz falta algo de intensidade, junto a ele o sempre bom Mark Rufallo. Mas aqui são as garotas do filme em papéis secundários que enche os olhos, especialmente Jennifer Connelly, que tem um dos melhores momentos da historia.

O filme deveria provocar um grande nó na garganta , deveria sacudir a consciência do espectador, mas fica na metade do caminho, tão correto quanto sonso.

Nota 6

Freaks

2008-03-31T17:46:00.000-07:00

Provavelmente a única obra prima do amante do grotesco e da mutilação Tod Browning que junto a Dracula com Bela Lugosi é seu filme mais conhecido.

Com somente 16 anos Browning fugiu de casa e se uniu a uma feira com fenômenos humanos cheio de deformações. A partir da experiência com eles, criou um dos dramas mais inquietantes e perturbador da historia do cinema. Nele, os ‘monstros’ não são frutos de maquiagem e de efeitos especiais, eles são autênticos. Em “Freaks”, o sentimento de pertencer a uma comunidade, minimiza o sofrimento da natureza deformada dessas pessoas, que se unem solidariamente quando um deles sofre uma agressão. O grande trunfo do diretor é não cair na condescendência fácil de converte-los em vitimas inocentes e tampouco em mostrar-los como monstros e sim como são como são, simplesmente humanos. Chama atenção a insegurança (exteriorizada através da maldade) dos personagens ‘normais’, inclusive sendo bem parecidos, enquanto os ‘anormais’, aceitando suas limitações se adaptaram a elas.

Rodada em um tom documental, que se nota nas seqüências que mostram a cenas da vida cotidiana dos ‘freaks’. Amante do ilusionismo, Browning nos deleita com alguns deliciosos truques de câmera que nos fazem sorrir ao percebermos o engano, mas, que encaixam perfeitamente com todo o ambiente do filme, pois nela, quase sempre as aparências enganam.

Frente ao seu tempo Browning nos deixou uma obra tão inesquecível como única, onde os monstros, não são quem pensamos.

É difícil crer que esse filme seja ma Metro, soberana dos estúdios cinematográficos dos anos de ouro, que com linha conservadora e amável dirigida para toda família, não era o veiculo adequado para dar brilho a uma ‘ave rara’ como “Freaks” (Mayer mandou, depois de sua estréia, retirar de todas as copias o logo da MGM).

Um conto cruel que deriva ate submergir ao horror.

Retrato de nossa sociedade atual.

Temos mais medos de ser corcunda ou de ter mal caráter?

Nota 10

Jumper

2008-03-12T21:07:00.000-07:00

A verdade é que quando falta idéias começa a ser preocupante e já não sabem o que inventar.

Nem mais nem menos, me tele-transporto de um lugar ao outro, estou em Cuiabá e sem mais nem menos estou no Cairo, que coisa.

O ruim é que o protagonista, assim como o outro jumper parece o Papa léguas, só falta dizer Bip!Bip!, se movem tão rápido como ele, mas a ave tem mais carisma.

São perseguidos por uma seita fanática, que estão contra eles porque somente Deus pode estar em todos lugares ao mesmo tempo. Que bobagem, já que todos sabemos que podem estar somente em um lugar cada vez, mas já que vai estar, por alguma coisa em que estar os malvados.

O pior, não é que o filme seja ruim, que os atores sejam ruins, o pior é que deixam tudo preparado pra uma segunda parte, meu Deus!, acho que pensaram que teriam algum êxito com isso.

Ao assistir o filme, me tele transportei a outro mundo, porque nesse momento era difícil suportar este.

Filme medíocre.

Nota 2

O Nevoeiro (The Mist)

2008-03-10T19:32:00.000-07:00

Aceitem, em The Mist não haverá nada além do que já vimos em centenas de filmes de alienígenas, monstros, etc..., isso não seria de todo ruim se o filme tivesse emoção.

The Mist provem de um conto de Stephen King que não oferecia nada de original: umas pessoas presas dentro de um supermercado com uma fanática religiosa, um estranho nevoeiro e muito, muitos bichos.

O filme dirigido por Frank Darabont é lento (em ocasiões chega a ser muito cansativo) e pelo menos lhe sobra 30 minutos. Quando começa a ação em nenhum momento emociona. Tem alguns efeitos especiais bons (como os insetos) e outros ruins (como nos tentáculos). Quanto os atores, tem de tudo, mas como é de supor que em um filme como esse (se supõe que seja terror) os atores não são o mais importante, o mais importante é a historia, os sustos e a emoção, que por desgraça nenhuma dessas coisas passam do aprovado.

O final é demolidor, diria que não acostuma ver algo assim em cine pipoca, mas não combina com o resto do filme.

Um filme B que tenta ser A, pena que Darabont não conseguiu dar o melhor de si como em Um Sonho de Liberdade e A Espera de um Milagre.

Nota 5

Paris, Texas

2008-03-08T14:35:00.000-08:00

Absorvente obra prima de Wenders, com uma perfeita narração ao contar essa maravilhosa e fascinante historia. Desde o primeiro momento Wenders consegue fascinar o espectador mostrando um vagabundo com aspecto de louco caminhando sem rumo fixo em pleno deserto, acompanhando a imagem , a hipnótica e inesquecível musica de Ry Cooder.

Os personagens recitam seus diálogos com serenidade, acompanhando o tom melancólico da arrebatadora historia, onde um homem renuncia a sua família para preservar a felicidade e estabilidade deles.

Paris, Texas é uma obra prima graças a quinze minutos inesquecíveis, até a metade estamos diante de um filme normal, grande fotografia e excelente trilha sonora. Mas, no momento que Travis começa a viagem com o filho para encontrar sua mãe, o filme adquire um clima indescritível. Sabemos que a explicação a tudo que sucedeu anteriormente se aproxima, mas somos incapazes de imaginar a causa do comportamento de Travis e a resposta a tudo isso Wenders nos entrega em bandeja de prata num plano seqüência que demora sair de nossa cabeça.

Quinze minutos no peep-show rodados com esse plano seqüência e com uma câmera em off para os primeiros planos de Jane. Essa cena nos ensina as conseqüências do amor, um amor de verdade porem impossível ao mesmo tempo, um amor cuja única solução
é o abandono da mulher e filho.

Por favor, não percam esse filme.

Ao principio talvez não entusiasme, alguns cairão na tentação de parar de ver-la. Mas quando ver, terá vontade de ver-la de novo. Depois ficara um tempo estremecido pelo filme, mas sobre tudo por esses quinze minutos que já forma parte da historia do cinema e que faz de um filme normal um grande filme

Nota 9

10,000 AC

2008-03-08T14:29:00.000-08:00

Emerich é um diretor cuja carreira pode considerar excessiva. Metade megalomaníaco, metade medíocre, todos seus filmes tem característica comuns: historias simples com efeitos especiais mirabolantes, cenas de ação e uma evidente falta de sentido comum. 10,000 AC segue a risca todas as regras com fidelidade religiosa. Não tem nenhum rigor histórico, nem explicações de porque os homens pré-históricos (os da tribo do protagonista) se relaciona com masais, egípcios pré-faraônicos e umas espécies de hunos. Que ninguém questione o porque de aparecer mamutes se já estavam extintos. O filme é apenas um relato emocionante de um cara que vai resgatar sua prometida de uns tipos malvados, muito malvados.

O problema principal dos vários é que precisamente não tem emoção, nem suspense, nem tensão. As poucas vezes que adquire algo de garra é graças a musica de Harold Kloser e Thomas Wankler, discípulos de Hans Zimmer. Por outra parte os efeitos visuais, impecáveis, falha na recriação do tigre e no final do filme é risível. Sério, tinha um tempo que não ria tanto.

Mas pra que me preocupar com tais coisas, já que o filme é do mesmo que dirigiu ID4 e Godzilla, um diretor que com seu cine pretende entretenimento a qualquer preço e consegue.

Apenas um passatempo. Diria que uma obra prima estilo Street Fighter.
Nota 3.5